Retratos de un compositor

JOHN ADAMS, compositor (Estados Unidos)

Solistas de la Orquesta Sinfónica Nacional de ColombiaBaldur Brönnimann, director titular (Suiza)

Miércoles 12 de septiembre de 2012 • 7:30 p.m.Bogotá, Sala de Conciertos Biblioteca Luis Ángel Arango

TOME NOTA• Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en

los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad.

• Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena.

• Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o

fumar durante el concierto, con el fi n de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas.

• Durante el transcurso del concierto por favor mantenga

apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música.

• Por respeto a los derechos de autor de los compositores e

intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto.

AGRADECIMIENTOSLa Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2012

cuenta con el apoyo y colaboración de

Alianza Colombo-FrancesaCiudad de Lyon

Embajada de Francia en ColombiaEmbajada de Suiza en Colombia

Embajada de la República de Turquía en ColombiaFestival de Música Religiosa de Popayán

Fondo Cultural SuizoFundación Amigos del Silencio

Fundación ArtephilaInstitut français

Pontifi cia Universidad JaverianaSchola Cantorum Basiliensis

Universidad Central

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Baldur Brönnimann, músico que goza de gran reputación, nació en Suiza y recibió su formación musical en la Academia de Música de Basilea y en el Royal Northern College of Music de Manchester, institución que luego lo hizo su tutor visitante en dirección. Su gran flexibilidad le ha permitido aproximarse a la música con mente abierta, y es particularmente afín a las obras contemporáneas más complejas.

En 2008 debutó en la Ópera Nacional de Inglaterra con Lost Highway, una controvertida producción de Olga Neuwirth; su éxito le aseguró la dirección de Le Grand Macabre, de Ligeti, en la versión de La Fura dels Baus en 2009/2010, y de Death of Klinghoffer, de John Adams, en la primavera de 2012.

Su debut en el Bergen International Festival, en 2008, cuando dirigió L’Amour de Loin, de Saariaho, fue tan solo el inicio de una estrecha y fructífera relación artística con la escena musical de Bergen (Noruega), de la cual resultó en tiempos recientes (2011) su nombramiento como director artístico del grupo de música contemporánea BIT20 Ensemble, así como una colaboración cercana con la Filarmónica de Bergen, con la que dirigió Petrushka, de Stravinsky, en un concierto en conjunto con BIT20.

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Internacionalmente aclamado por ser un artista poseedor de los más diversos talentos y cualidades, Brönnimann es también director musical de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, desde 2009, cuya tercera temporada de conciertos, orientada al repertorio de los siglos XVII y XVIII, ha incluido una interpretación de la versión original de El amor brujo, de Manuel de Falla, junto a la cantadora de flamenco Carmen Linares, además de presentaciones junto a solistas como Natalie Clein, Gabriela Montero, Johannes Moser y Benjamin Schmid, y la primera interpretación completa en Colombia de El mandarín maravilloso, de Bartók.

Su conocimiento y experiencia en el campo de la música contemporánea lo hacen un músico muy solicitado por las orquestas del mundo entero, como la Filarmónica de Seúl, Filarmónica de Estocolmo, Sinfónica de la BBC, la Filarmónica y la Orquesta de la RAI de Turín. Su nombre se ha posicionado como uno de los favoritos en Australia y Nueva Zelanda, con su debut al frente a las orquestas sinfónicas de West Australia, programado para la temporada 2011/2012. Brönnimann trabaja regularmente con la Sinfónica de Islandia, la Scottish Chamber Orchestra y la Sinfonietta de Londres. En diciembre de 2010 atrajo la atención de los medios cuando viajó al Medio Oriente para dirigir en Ramallah, Jerusalén y Haifa a la recientemente constituida Orquesta Nacional Palestina. En el verano de este año se presentó en el Teatro Colón de Buenos Aires dirigiendo Erwartung de Schoenberg y Hagith de Szymanowsky.

Brönnimann está comprometido con la formación y desarrollo de los jóvenes músicos. En Bogotá ha participado en proyectos de formación musical. Entre ellos se cuentan los montajes de La consagración de la primavera, de Stravinsky, y Daphnis y Chloé, de Ravel, en estrecha colaboración con el Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia, y el proyecto sobre La noche de los Mayas, de Revueltas, en colaboración con la Fundación Batuta. Estas actividades las complementan varios talleres ofrecidos a jóvenes compositores y directores colombianos.

A Baldur Brönnimann lo representa Intermusica.

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Joven, contemporánea y en constante innovación

La Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia -con una extensa tradición- la caracteriza su ánimo de permanente renovación que la hace siempre joven, vigente y admirada.

Tras haber emprendido una nueva etapa hace nueve años, la Sinfónica Nacional atraviesa por su mejor momento artístico. El maestro suizo Baldur Brönnimann, en la batuta como titular, le ha inyectado a la institución -que cuenta con 70 músicos- nuevos bríos y un dinamismo que se ha visto reflejado tanto en su calidad artística y su repertorio como en la respuesta del público. En ello directores invitados de la calidad de maestros como Andrés Orozco, Gustavo Dudamel, Rosen Milanov, André Smith y Pablo González entre otros han tenido igualmente un importante nivel de contribución.

A lo largo de su historia, y con el país entero como escenario, la Sinfónica Nacional ha recorrido Colombia llegando a todos sus rincones. En más de 500 conciertos ofrecidos en plazas, coliseos y tarimas ha llegado directamente a más de 700.000 espectadores que han escuchado, en vivo, un vasto repertorio de clásicos sinfónicos de compositores como Mozart, Beethoven, Dvorák y Tchaikovsky, contemporáneos como Piazzolla, Ligeti, Copland, Jobim, Villa-Lobos y Ginastera, entre otros, así como obras de compositores colombianos de la talla de Blas Emilio Atehortúa, Jaime León y Luis Antonio Escobar, y autores populares como Lucho Bermúdez, Rafael Escalona, Arnulfo Briceño, Petronio Álvarez y Jorge Velosa.

Han acompañado a la orquesta solistas como Rodolfo Mederos, Pepe Romero, Johannes Moser, Vicente Amigo, Benjamin Schmid, Jutta Puchhammer, Gabriela Montero, Valeriano Lanchas, Andrea Bocelli y Juan Diego Flórez. En sus giras fuera del país la orquesta ha recibido igualmente el reconocimiento del público y cosechado ovaciones en importantes escenarios.

A partir del 2012 la Sinfónica Nacional emprende un nuevo direccionamiento estratégico que demanda retos como adoptar una nueva imagen institucional más acorde con los tiempos;

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enfocar provocativamente su programación artística e introducir un lenguaje de comunicación más fresco y en permanente innovación que se implementará de la mano de los nuevos medios y tecnologías.

Que Colombia entera se “arriesgue a vivirla” es el propósito de la Asociación Nacional de Música Sinfónica, empresa privada, técnica y profesional sin ánimo de lucro que, como ente rector de la Sinfónica Nacional, se prepara para hacer de la Sinfónica Nacional una institución contemporánea, querida por el público y símbolo de nuestra prosperidad nacional, donde su objetivo principal es generar y fortalecer la cultura musical en nuestro país.

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Solistas de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia

Baldur BrönnimannDirector titular

China Gates

PianoSergei Sichkov

ViolínAngélica GámezLuis Darío BaracaldoLeonardo Federico Hoyos

ViolaSergio Trujillo

VioloncheloMintcho BadevJuan Pablo Martínez

ContrabajoRoberto Milanés

Shaker Loops

FlautaRafael Aponte

OboeTamas Balla

ClarineteChristopher Jepperson

FagotLeonardo Guevara

Fagot y contrafagotFáber Cardozo

CornoErwin Rubio

TrompetaJuan Fernando Avendaño

TrombónGiovanni Scarpetta

ViolínRichard Biaggini

ViolaSergio Trujillo

VioloncheloMagdalena Eichmeyer

ContrabajoLigia Perilla

PercusiónJuan David ForeroSandra Sichacá

PianoSergei Sichkov

Chamber Symphony

Agradecimiento: La sección de Artes Musicales agradece a la Fundación Batuta por el préstamo de un contrafagot.

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CONCIERTO No. 54

Chamber Symphony Mongrel Airs Aria with Walking Bass Roadrunner

JOHN ADAMS (n. 1947)China Gates

Shaker Loops Shaking and Trembling Hymning Slews Loops and Verses A Final Shaking

PROGRAMA

INTERMEDIO

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NOTAS AL PROGRAMA

Acerca del compositorJohn Adams, uno de los músicos más apreciados de los Estados Unidos de América, nació en Worcester (Massachusetts) en 1947 y creció en el brillante optimismo estadounidense de la década de 1950. Estudió clarinete, dirección y composición. En 1965 inició sus estudios de especialización en este último con los profesores Leon Kirchner, Roger Sessions, y David Del Tredici, en la Universidad de Harvard. Durante su período universitario dirigió la Orquesta de la Sociedad Bach y fue clarinetista supernumerario de la Orquesta Sinfónica de Boston y la Compañía de Ópera de Boston. En 1972 asumió como profesor en el Conservatorio de Música de San Francisco, puesto que mantendría hasta 1984. Adams aprovechó su tiempo allí para trabajar en el estudio de música electrónica del conservatorio y dirigir su New Music Ensemble, espacios que le brindarían importantes lecciones y ventajas en el desarrollo de su lenguaje compositivo.

Este período también le permitió a Adams tener un contacto directo y relativamente temprano con el trascendental trabajo de compositores coterráneos como Terry Riley (1935), Steve Reich (1936) y Philip Glass (1937), artífices del minimalismo musical estadounidense. Fruto de ello son obras como Phrygian Gates (1977), Harmonium (1980-81) y Grand Pianola Music (1982), las cuales ponen en evidencia las fuertes raíces minimalistas de las cuales florece su obra creativa, pero también algunas diferencias fundamentales: en particular, Adams ha criticado la limitación expresiva que el estilo minimalista temprano padece por sus procesos mecánicos y abstractos, no intervenidos por la decisión circunstancial. No obstante, estas mismas características -inherentes a toda ética experimental- son las que, en mi opinión, hicieron posible que aquel minimalismo temprano, vanguardista y experimental generara experiencias musicales inusitadas. Ejemplos de ello pueden ser obras como In C (Riley, 1964), It's Gonna Rain (Reich, 1965) o Two Pages (Glass, 1968). A su vez, Adams planteó un estilo tipificado como 'posminimalista', en el cual algunos de los hallazgos de sus antecesores -la efectividad

Por Rodolfo Acosta R.

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de los conceptos de ‘pulso’, ‘diatonicismo’ y ‘repetición’- se convirtieron en herramientas predeterminadas. Como tales, las pudo luego combinar con otras herramientas tomadas del pasado histórico para, en efecto, lograr aquello que consideró "más expresivo". De esta y otras maneras, el compositor da una apariencia contemporánea a elementos fundamentalmente neorrománticos o neobarrocos, algo que lo hace muy atractivo para públicos acostumbrados a consumir repertorios antiguos.

Desde 1982, cuando fue nombrado compositor en residencia de la Orquesta Sinfónica de San Francisco, Adams comenzó a recibir importantes apoyos, tanto a través de residencias como de comisiones y premios. Estos numerosos reconocimientos lo convirtieron y confirmaron, si no en el más importante, seguramente en uno de los más exitosos compositores estadounidenses de música académica contemporánea. Aunque su extenso catálogo orquestal no se queda atrás, estos éxitos se hacen particularmente evidentes en el mundo tradicionalista de la ópera, en el cual Adams ha triunfado ampliamente con obras como Nixon in China (1985-1987) o The Death of Klinghoffer (1990-1991), ambas creadas en colaboración con la poetisa Alice Goodman y el director escénico Peter Sellars.

Muchos comentaristas destacan -algunos como hecho positivo, otros como negativo- el papel que la música de Adams ha cumplido en el supuesto alejamiento de la estética musical actual respecto al modernismo, al experimentalismo y al espíritu de la vanguardia en general. Según los que aparentemente están de su lado, su música encarna así el espíritu del mal llamado ‘Nuevo Mundo’, algo que el mismo Adams afortunadamente no parece haber apoyado en sus numerosos escritos y alocuciones. Lo único que sí resulta evidente es que desde el fin de la Guerra Fría este tipo de estéticas cómodamente retrospectivas se han esparcido con una eficacia alarmante y que han generado un ambiente de unanimismo estético coherente con el cambio geopolítico y económico de la época.

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Acerca de las obras

China GatesLa breve pieza para piano solo China Gates fue compuesta en 1977 y ha sido calificada por el compositor -junto con su 'hermana mayor', la enorme Phrygian Gates, del mismo año- como una de sus primeras obras maduras. Ya en ellas escuchamos la influencia inequívoca del minimalismo, pero no solo en su vertiente estadounidense sino también en aquella desarrollada en Inglaterra, como bien lo hecho explícito Adams. Así, podemos encontrar en estas piezas ecos de músicos como Gavin Bryars (1943), Howard Skempton (1947) o, tal vez el más evidente, Michael Nyman (1944).

China Gates combina de manera eficaz elementos del minimalismo propio de su época y de la antigua música tonal: por una parte, utiliza células de apariencia repetitiva, pero que no llevan a cabo los procesos semiautomáticos típicos del minimalismo experimental. Por la otra, crea un plano macroformal muy claro a través del contraste entre ‘sonoridades significativas’, no precisamente tonales sino más bien modales. En la primera parte alterna entre dos de estas sonoridades (digamos a y b), en la parte central las mezcla con otras dos (digamos c y d), y en la parte final alterna entre c y d.

Si bien Adams dice que ha tomado el término gate del campo de la música electroacústica, la verdad es que la metáfora es bastante débil. En este caso se referiría a un supuesto gate con cuatro estados (no los típicos dos: on y off), donde cada estado es una de las sonoridades antes mencionadas a, b, c y d. Lo importante aquí es que no se trata de ‘modulaciones’ como aquellas de la antigua música tonal, caracterizadas por períodos de transición entre tonalidades diferentes, sino de cambios repentinos entre los cuatro modos, que he descrito como ‘sonoridades significativas’.

Mapa incluido en la partitura de China Gates, que muestra como planosdiferentes los cuatro modos que articulan la forma.

papel que la música de Adams ha cumplido en el supuesto alejamiento de la estética musical actual respecto al modernismo, al experimentalismo y al espíritu de la vanguardia en general. Según los que aparentemente están de su lado, su música encarna así el espíritu del mal llamado ‘Nuevo Mundo’, algo que el mismo Adams afortunadamente no parece haber apoyado en sus numerosos escritos y alocuciones. Lo único que sí resulta evidente es que desde el fin de la Guerra Fría este tipo de estéticas cómodamente retrospectivas se han esparcido con una eficacia alarmante y que han generado un ambiente de unanimismo estético coherente con el cambio geopolítico y económico de la época. Acerca de las obras

China Gates La breve pieza para piano solo China Gates fue compuesta en 1977 y ha sido calificada por el compositor -junto con su 'hermana mayor', la enorme Phrygian Gates, del mismo año- como una de sus primeras obras maduras. Ya en ellas escuchamos la influencia inequívoca del minimalismo, pero no solo en su vertiente estadounidense sino también en aquella desarrollada en Inglaterra, como bien lo hecho explícito Adams. Así, podemos encontrar en estas piezas ecos de músicos como Gavin Bryars (1943), Howard Skempton (1947) o, tal vez el más evidente, Michael Nyman (1944). China Gates combina de manera eficaz elementos del minimalismo propio de su época y de la antigua música tonal: por una parte, utiliza células de apariencia repetitiva, pero que no llevan a cabo los procesos semiautomáticos típicos del minimalismo experimental. Por la otra, crea un plano macroformal muy claro a través del contraste entre ‘sonoridades significativas’, no precisamente tonales sino más bien modales. En la primera parte alterna entre dos de estas sonoridades (digamos a y b), en la parte central las mezcla con otras dos (digamos c y d), y en la parte final alterna entre c y d. Si bien Adams dice que ha tomado el término gate del campo de la música electroacústica, la verdad es que la metáfora es bastante débil. En este caso se referiría a un supuesto gate con cuatro estados (no los típicos dos: on y off), donde cada estado es una de las sonoridades antes mencionadas a, b, c y d. Lo importante aquí es que no se trata de ‘modulaciones’ como aquellas de la antigua música tonal, caracterizadas por períodos de transición entre tonalidades diferentes, sino de cambios repentinos entre los cuatro modos, que he descrito como ‘sonoridades significativas’.

Mapa incluido en la partitura de China Gates, que muestra como planos diferentes los cuatro modos que articulan la forma.

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Shaker LoopsShaker Loops, con seguridad la obra más interpretada de Adams, tuvo una génesis enredada: primero, los materiales principales de la pieza aparecieron como cuarteto de cuerdas (2 violines, viola y violonchelo), en una pieza de 1977 llamada Wavemaker. Según el compositor, fue un absoluto fracaso y por ello la retiró de su catálogo, pero los materiales le siguieron interesando, así que los replanteó para septeto de cuerdas (3 violines, viola, 2 violonchelos y contrabajo, con director) en 1978, ya con el presente nombre. Aquella versión era una composición ‘indeterminada’, en la cual pequeños módulos melódicos se entretejían al libre albedrío de los instrumentistas en un contexto más cercano al minimalismo experimental. Finalmente, Adams decidió convertir la pieza en una para orquesta de cuerdas (de cualquier número de integrantes, incluso septeto), pero sin las libertades interpretativas de la versión anterior. Es esta la que se ha mantenido como la oficial y la que escucharemos esta noche.

En su versión definitiva, Adams mantiene las sonoridades repetitivas pero las manipula de manera detallada para tener mayor control en los resultados formales y expresivos. Una vez más, Adams se apropia de un término técnico del mundo de la electroacústica para utilizarlo como metáfora compositiva e incluirlo en el título de la pieza. En este caso se trata del loop, un bucle hecho al pegar las dos puntas de un tramo de cinta magnetofónica para crear un ciclo en sinfín, es decir, algo que suena y se repite ad infinitum. En este caso, podríamos imaginar que cada plano instrumental tiene un loop de diferente duración y por ello nos da el efecto de un mecanismo de reloj, con ruedas de diferentes tamaños interactuando entre sí de manera coordinada.

A su vez, la palabra shake hace referencia a dos cosas: por una parte, al trémolo de los instrumentos de arco, bien sea aquel producido al ‘sacudir’ el arco rápidamente o aquel producido al alternar -también rápidamente- entre dos dedos que producen alturas diferentes. Por otra parte, el compositor dice hacer referencia a los llamados Shakers, nombre algo despectivo dado a los miembros de la Sociedad Unida de Creyentes en la Segunda Aparición de Cristo, congregación protestante

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fundada en Inglaterra a mediados del siglo XVIII. Adams comenta que creció cerca de una antigua colonia de estos cristianos carismáticos y que imagina con esta pieza lo que podrían haber sido sus danzas celebratorias. Francamente, no escucho referencia alguna en la obra de Adams a la bellísima tradición de cantos de esta congregación, aunque la simplicidad diatónica de ambas músicas puede resultar cercana. Algunas representaciones gráficas de sus danzas, sin embargo, sí podrían sugerir algo de la intensidad frenética de la obra de Adams.

Representación de una danza como parte de una celebración religiosa Shaker.

Shaker Loops consta de cuatro movimientos intercontectados sin pausa; el primero -Shaking and Trembling- genera una emocionante sensación de rapidez con los trémolos arriba descritos, aunque los movimientos armónicos son lentos. Estos cambios de armonía cumplen la misma función de delineación formal que aquellas ‘sonoridades significativas’ mencionadas en relación con China Gates. Los armónicos, pálidos y agudos sonidos largos, funcionan como puente hacia el segundo movimiento -Hymning Slews-. Aquí, lo predominante son justamente los sonidos largos que poco a poco se van convirtiendo en giros melódicos, articulados con expresivos portamenti y subrayados con sutiles pizzicati. Una vez más, los armónicos fungen como puente, llevándonos de manera fluida al tercer movimiento -Loops and Verses-. Este es un gran accelerando que nos conduce linealmente de las plácidas sonoridades del segundo movimiento hasta el clímax de Shaker Loops: una sección de repeticiones de un mismo acorde, martillados insistentemente hasta quedarse sin energía. Finalmente, el cuarto movimiento -A Final Shaking- regresa a los ambientes del primer movimiento, y aunque por momentos toma fuerza, en realidad es más un largo suspiro concluyente que nos lleva a una gradual calma final.

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Chamber SymphonyLa Sinfonía de cámara (este título sí lo traduzco ya que no hay juego de palabras alguno que requiera mantenerlo en su idioma original) fue compuesta en 1992, una quincena de años después de las piezas que ya hemos escuchado. La obra fue comisionada por la Fundación Gerbode de San Francisco para los San Francisco Contemporary Chamber Players, cuando ya Adams había compuesto las obras que lo convertirían en uno de los más exitosos compositores de su país.

Esta Sinfonía de cámara toma como modelo aquella obra homónima de Arnold Schoenberg (Austria, 1874-1951) compuesta en 1906, y comparte con ella su duración total y el número de intérpretes que convoca, aunque con algunos cambios de instrumentos, el más notable de ellos la inclusión de una batería. A diferencia de la obra de Schoenberg, la cual está en un único movimiento, la de Adams fue articulada en tres movimientos realmente separados. Un contraste más profundo puede residir, digamos, en el ‘espíritu’ de cada obra, en la medida en que la sonoridad posromántica y el lenguaje tonal cromático implicaban en Schoenberg el final de un proceso de alejamiento de la tradición. Su espíritu de vanguardia lo llevó, con esa obra, al límite en el cual no tuvo más opción ética que dar el salto hacia el atonalismo, en 1908. Con Adams tenemos algo extraño: comparada con su música anterior, la Sinfonía de cámara es más densa, cromática y compleja -características usualmente consideradas vanguardistas-, pero la sensación que deja es, más bien, una de retaguardia, que mira atrás, hacia estilos musicales de la entreguerra, como aquel que caracterizó a compositores de la República de Weimar, a Les six en París, etc…

El primer movimiento, Mongrel Airs (Aires de perro callejero) es fuerte, pesado e incisivo... ‘viril’, habrían dicho en épocas anteriores a la llamada ‘correctitud’ política. Por su ritmo, así como por su escritura para violín y algunos vientos, este movimiento resulta claramente reminiscente de la música de Igor Stravinsky (Rusia, 1882-1971), en especial aquella compuesta durante la Primera Guerra Mundial. El lenguaje es politonal, atemático y densamente contrapuntístico. No obstante, más que crear un ambiente de verdadera independencia entre los

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instrumentos, inspira la sensación de una irrefrenable marcha de individuos contrastantes, usualmente bajo el impositivo martilleo de la percusión.

El segundo movimiento, Aria with Walking Bass (Aria con bajo caminante) describe su comportamiento musical a través de su mismo título. El discurso se construye sobre un bajo constante e inmutable que se mueve casi ininterrumpidamente, y al mismo tiempo hace referencia al basso ostinato de la música barroca y al walking bass del jazz. De forma consecuente con ambas prácticas musicales, a este bajo se le superpone una melodía lírica, pero, a la manera de Charles Ives (Estados Unidos, 1874-1954), Adams agrega más y más melodías hasta lograr una compleja red de capas musicales.

El tercer y último movimiento, Roadrunner (El correcaminos) hace referencia al famoso personaje de caricaturas creado por Chuck Jones para Warner Brothers. La música es supremamente ágil y divertida, casi programática, y hace referencia a la sorprendente irregularidad de mucha de la música para caricaturas. Al respecto, dice Adams en sus comentarios a la pieza:

Schoenberg con su perro.

Estaba sentado en mi estudio, estudiando la partitura de la Sinfonía de cámara de Schoenberg, y mientras lo hacía me di cuenta de que mi hijo de siete años, Sam, estaba en el cuarto de al lado viendo caricaturas (buenas caricaturas, las viejas de los cincuentas). Las partituras hiperactivas, insistentemente agresivas y acrobáticas de las caricaturas se mezclaron en mi cabeza con la música de Schoenberg, ella también hiperactiva, acrobática y no poco agresiva, y de repente me di cuenta de cuánto tenían en común estas dos tradiciones.

TOME NOTA

LA MÚSICA DE LUIS RIZO-SALOMRetratos de un compositor

Miércoles 19 de septiembre de 2012 • 7:30 p.m.Bogotá, Sala de Conciertos Biblioteca Luis Ángel Arango

Desde hace más de una década, la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango presenta cada año un concierto dedicado a la obra de un compositor colombiano. En 2012 el Banco de la República dedica esta franja a la obra del compositor vallecaucano, radicado en París, Luis Rizo-Salom.

Martes 18 de septiembre La música se habla-conversatorioESCUCHANDO A LUIS RIZO-SALOMEl compositor Luis Rizo-Salom y el director Luis Guillermo Vicaría harán una presentación de las obras y lenguajes del concierto del día siguiente, dedicado a la obra del compositor vallecaucano.Sala de Conciertos Biblioteca Luis Ángel Arango6:00 p.m.Entrada libre hasta completar aforo.

Miércoles 19 de Septiembre La música se habla-conversatorioLos compositores Rodolfo Acosta y Luis Rizo-Salom en conversación acerca de la labor de ser compositor en el siglo XXI.Sala de Audiovisuales Biblioteca Luis Ángel Arango6:30 p.m.Entrada libre hasta completar aforo.

TARIFAS GENERALES Serie Tarifa plena Profesional (lunes a sábado) $20.000 Profesional (domingos) $6.000 Jóvenes intérpretes $3.000

Descuentos para la Serie profesional50% para personas de la tercera edad, socios de la Red de Bibliotecas del Banco de

la República, estudiantes con carné vigente y niños menores de 12 años.

Descuentos para la Serie de los jóvenes intérpretesEntrada gratuita para afiliados a la Red de Bibliotecas del Banco de la República

La Sala de Conciertos se reserva el derecho de verificar carnés estudiantiles,cédula o carnés de afiliación a la Red de Bibliotecas de quienes ingresan a la

sala con una boleta adquirida con descuento.No está permitido el ingreso de menores de cinco (5) años,

a menos que la publicidad así lo indique.

Compre sus boletas con antelación en cualquier punto de venta de Tu Boleta,llamando al 593 6300, por celular al #593 o en la página web www.tuboleta.com

Los conciertos realizados en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango están autorizados por la Dirección Administrativa de la Secretaría de Gobierno de Bogotá, mediante la Resolución 027

del 10 de febrero de 2012