A linguagem de sinais para improvisação Soundpaiting: sinalizando uma nova ferramenta para a

formação musical.

Bruno Coimbra Faria

Departamento de Artes e Design, Universidade Federal de Juiz de Fora

brunocfaria@gmail.com

Resumo

Este trabalho apresenta em caráter introdutório o que é a linguagem de sinais para improvisação, Soundpainting, seus mecanismos

básicos de funcionamento, e aponta possibilidades para o uso da mesma como ferramenta para formação musical, acompanhando,

portanto, as discussões que abordam o papel da criatividade no processo de desenvolvimento do músico. O surgimento e

desenvolvimento desta linguagem se deu majoritariamente na área da performance, especialmente através do trabalho de

profissionais ligados ao jazz, e apenas recentemente a mesma passou a integrar a agenda de práticas e reflexões do meio acadêmico.

Dentre as várias formas possíveis de se explorar a linguagem Soundpainting, focamos nossa atenção no uso da mesma como uma

ferramenta para promover o desenvolvimento musical através da criação e acreditamos que assim podemos propiciar aos estudantes

experiências que não seriam possíveis através de meios tradicionais. Relataremos brevemente nossa experiência com o uso da mesma

com alunos do curso de bacharelado em música da Univerisdade Federal de Juiz de Fora.

Palavras Chave: Soundpainting, improvisação, formação musical

O surgimento da linguagem Soundpainting

Em meio à efervescência cultural (e experimental) da segunda metade do século XX, surge nos Estados Unidos da América a

linguagem de sinais para improvisação, Soundpainting, criada pelo compositor e saxofonista Walter Thompson (b.1952). Os

primeiros sinais foram por ele elaborados na década de 1970, em Woodstock, para estruturar seções de improvisos em composições

de sua autoria (THOMPSON 2009: 77). O trabalho de Thompson resulta da confluência de várias correntes criativas com as quais

teve contato: inicialmente, no âmbito familiar, Thompson foi influenciado pela arte e pelos processos criativos de seu pai, Ron

Thompson, pintor participante do movimento expressionista abstrato liderado por Jackson Pollock (1912-1956); posteriormente,

Thompson sofre influência direta do compositor Anthony Braxton (b.1945), com quem estudou composição e saxofone por sete

anos; outras influências foram compositores com os quais Thompson teve contato através de workshops promovidos pela Creative

Music School, fundada em Woodstock por Ornette Coleman (b.1930), como por exemplo, John Cage (1912-1992), Ed Blackwell

(1929-1992), Carlos Santana (b.1947), Carla Bley (b.1936), Don Cherry (1936-1995) e outros. Os anos de formação com o Sr.

Braxton, cujo trabalho é marcado por uma pluralidade criativa e pela resistência à rotulações, foram significativos para a ampliação

dos horizontes de Thompson que considera a linguagem Soundpainting como diretamente descendente de percursos musicais

que vinham sendo traçados por Charlie Parker (1920-1955), Miles Davis (1926-1991), Ornette Coleman e Anthony Braxton.

Além das influências que Thompson sofreu, ele aponta sua frustração com o free jazz e com os rumos que tomavam as seções de

improvisação em suas composições como motivos que o levaram à desenvolver esta linguagem de sinais, explorando os sinais

como uma tentativa de estruturar os momentos de improvisação de suas peças de acordo com o que havia planejado previamente e

registrado em partituras (THOMPSON 2009: 77; DUBY 2006: 6-3). Para Duby, “deveria ser evidente que a natureza [da linguagem]

Soundpainting é de interrogar algumas das pretensões e fronteiras de gênero do jazz, assim com da música experimental”. (DUBY

2006: 6-4, grifo meu)

A natureza questionadora que Duby identifica na linguagem Soundpainting resulta não só do contexto no qual esta surgiu e

das motivações de Thompson para cria-la, mas também da maneira como suas engrenagens a colocam em funcionamento,

relativizando as fronteiras que demarcam os papéis do intérprete, do compositor e do regente. Duby considera que a linguagem

Soundpainting “pode ser vista como um tipo de desconstrução das relações de poder da música sinfônica do século XIX” (DUBY

2006: 1-11). Em Soundpainting não cabe ao performer apenas interpretar uma linha musical previamente elaborada por um

compositor e conduzida por um regente, mas sim criar sua própria linha a partir da interpretação que faz dos gestos indicados pelo

soundpainter/compositor; quanto à este último, não cabe a ele dirigir a performance de uma peça pré-composta, mas sim criar uma

nova peça de acordo com sua interpretação das respostas sonoras improvisadas pelo grupo para cada gesto ou grupos de gestos

indicados no decorrer da composição.

Na experiência com a linguagem Soundpainting, performer (s) e soundpainter (s) interagem, percebendo, criando e interpretando

simultaneamente. O performer é intérprete de sua própria voz e, através da improvisação, identifica possibilidades de expressão ao

mesmo tempo que percebe necessidades de aprimoramento e desenvolvimento musical. Já o soundpainter, indivíduo que frente ao

grupo dá forma à composição através dos sinais, é um compositor que manuseia o material improvisado pelo grupo de performers,

definindo os rumos da obra a partir da colaboração criativa com o conjunto, improvisando e, por oras, assumindo também um papel

similar ao de um regente ao estabelecer alterações de tempo, dinâmica e intenções. Em Soundpainting, portanto, a criação está

no espaço entre o gesto e aquilo que o gesto não impõe, sugere. As fronteiras que delimitam os papéis do intérprete, compositor

e regente na música de concerto são questionadas e, em Soundpainting, se tornam assim elásticas, vazadas, transpassadas em um

campo que não se fecha no gênero, mas que se abre na experiência de atravessar o momento pelas vias da performance criativa.

Soundpainting e suas engrenagens

Apesar de ter sido direcionada inicialmente apenas para a música, a linguagem Soundpainting, hoje, é multidisciplinar e seu

vocabulário supera 1000 gestos (THOMPSON 2009: 77). Estes gestos estão codificados e organizados em categorias e funcionam

através de uma sintaxe própria. As categorias identificam os gestos como Sculpting-Escultores e de Function-Função, e a sintaxe

organiza os sinais que indicam quem deve tocar - Who (indicadores), que tipo de material explorar - What (de conteúdo), de

que forma fazê-lo - How (modificadores), quando iniciar ou parar - When (de início ou fim), além dos gestos <Modes-Modos>

(parâmetros que afetam gestos) e <Palettes-Paletas> (trechos de material previamente ensaiado) (THOMPSON 2006). Dentro desta

estrutura, estudantes e profissionais da música, dança, teatro e artes visuais improvisam a partir da interpretação dos sinais que lhes

são apresentados pela figura do soundpainter.

O ambiente gestual da linguagem Soundpainting gera uma variedade de sonoridades que resultam dos parâmetros sonoros atribuídos

a cada sinal, sendo que o grau de especificidade do resultado sonoro é variado. Há, por exemplo, os gestos <Long Tone - Nota

Longa> (ex. fig. 1) que geram notas longas em alturas que variam de acordo com a posição em que o soundpainter preparou o gesto;

outros que produzem sonoridades de caráter mais aleatório, como o gesto <Pointillism - Pontilhismo> (ex. fig. 2), cuja improvisação

será baseada em grupos de notas de caráter predominantemente curto em alturas variadas da tessitura do instrumento; outros como

o <Minimalism - Minimalismo> (ex. fig. 3) que estabelece a improvisação de padrões rítmico-melódicos; além de gestos como

<Scanning – Escaneando> que, quando utilizados sem nenhum gesto adicional, geram resultados inesperados, pois fica a critério

do performer qual conteúdo explorar quando o gesto o torna ativo no momento da performance. Cabe ao performer saber explorar de

forma variada cada parâmetro sonoro embutido em cada gesto e, ao soundpainter cabe saber lidar com as sonoridades apresentadas

pelo grupo, avaliar o material que soa a cada momento da composição e definir os rumos da mesma explorando os diferentes graus

de especificidade inerentes a cada gesto.

Figura 1 - <Whole Group - Todo Grupo>

<Long Tone - Nota Longa>

Figura 2 - <Whole Group - Todo grupo> <Pointillism - Pontilhismo>

Figura 3 - <Whole Group - Todo Grupo> <Minimalism - Minimalismo>

Seguindo a sintaxe da linguagem, é preciso sinalizar respectivamente quem participará da performance, que conteúdo deve ser

explorado naquele momento da composição, como abordar aquele conteúdo (em que dinâmica/tempo) – este gesto pode ser utilizado

ou não pelo soundpainter, e quando/de que forma começar. Como exemplo, temos abaixo figuras (1 à 6) dos gestos utilizados na

frase <Whole Group – Todo Grupo>, <Long Tone – Nota longa> (altura média), <Volume Fader (piano) – Volume “piano”>,

<Play – Toque>.

1. Whole Group 2. Long Tone 3. Long Tone (2) 4. Volume Fader 5. Play 6. Play (2)

(Todas as imagens tiveram sua reprodução autorizada por Walter Thompson)

A linguagem Soundpainting não utiliza, portanto, a notação musical tradicional e explora majoritariamente a improvisação baseada

em parâmetros sonoros isolados, embora seja possível também utilizar outros tipos de improvisações. Estes dois aspectos são

pontos importantes para que habilidades musicais possam ser trabalhadas na prática de conjunto, muitas vezes de forma lúdica,

sem a interferência de medos e tensões, independentemente da área de atuação do músico e do estágio técnico-musical em que se

encontra. Para Marc Duby, a prática de Soundpainting cria “um ambiente musical, de alguma forma, menos ameaçador do que o de

uma orquestra” (DUBY 2006: 1-20) no qual crianças ou músicos não habituados à leitura de partituras podem participar. Da mesma

forma, como não se trata de uma improvisação idiomática como no jazz, por exemplo, músicos eruditos também podem improvisar

sem desconforto. Swanwick aponta situações comuns nas quais

“um improvisador talentoso a quem se pede para tocar música grafada e composta por outra pessoa pode sentir-se

constrangido ou sob pressão, incapaz de desenvolver as idéias musicais livremente. Nessa situação, as oportunidades

para funcionar de uma maneira musical com entendimento podem ser diminuídas em vez de expandidas, pelo menos

inicialmente. De igual modo, um executante fluente e sensível pode se sentir perdido se for solicitado a compor

ou improvisar, e pode demonstrar um nível no qual a compreensão musical não seja revelada nem ampliada”.

(SWANWICK 2003: 95)

A partir da linguagem Soundpainting cria-se, então, um ambiente que ameniza estes desconfortos gerados pelo contato com um

meio desconhecido, desconfortos muitas vezes potencializados pelo fator “erro”, que se torna um elemento bloqueador. Para

Thompson, “um dos aspectos mais importantes do aprendizado de Soundpainting é se acostumar com a filosofia Soundpainting que

diz ‘Não existe tal coisa como um 'erro'” (THOMPSON 2009: 82). O erro em Soundpainting é considerado como um elemento

que acarretará uma “oportunidade para nova exploração” (idem). Para Nachmanovitch, “os erros e acidentes podem ser grãos

de areia que se transformarão em pérolas; eles nos oferecem oportunidades imprevistas, são em si mesmos fontes frescas de

inspiração. Aprendemos a considerar nossos obstáculos como ornamentos, oportunidades a serem aproveitadas e exploradas”

(NACHMANOVITCH 1993:87).

Soundpainting como ferramenta para formação

As três características básicas da linguagem Soundpainting (não utilizar notação musical tradicional, a possibilidade de trabalhar a

improvisação a partir de parâmetros musicais outros que não relações harmônico-escalares e considerar o erro como um elemento

importante para o processo de desenvolvimento musical), nos levam a considerá-la uma ferramenta apropriada pedagogicamente

para ser utilizada com músicos que não tiveram um contato prévio consistente e contínuo com a improvisação e, sendo assim,

acreditamos ser possível criar um quadro diferente daquele identificado por Swanwick, permitindo que a “compreensão musical”

seja “revelada” e “ampliada”. Através da improvisação estruturada e coletiva promovida por esta linguagem, propomos que cada

aluno busque complementar, transformar e confirmar os saberes que estão em construção nas aulas de instrumento e demais

disciplinas oferecidas no decorrer de um curso de música. Segundo Costa, esta importante parcela do processo formativo que

acontece através da improvisação, “se caracteriza pela transformação de estruturas, ou formação de novas relações estruturais, de

fragmentos já assimilados anteriormente, criando um mundo de novas relações a partir de elementos já conhecidos que rodeiam o

sujeito, surgindo daí uma nova reconstituição de possibilidades” (COSTA 2005: 367).

Nas atividades já realizadas com alunos do bacharelado em música da Universidade Federal de Juiz de Fora, propomos que os

mesmos vivenciem esta experiência Soundpainting sob duas perspectivas: enquanto performer, improvisando como membro de um

grupo, e enquanto soundpainter, estruturando e compondo em tempo real a partir de sua percepção das improvisações do grupo.

Dessa forma, percursos diferentes se abrem para que o aluno des(cubra) (AMADOR e FONSECA 2009: 32) maneiras de se expressar

e se aprimorar. Seja na atuação como performer ou soundpainter, a aproximação com a metáfora cartográfica na idéia de traçar um

percurso e neste encontrar respostas nos posiciona como acompanhadores “de processos em curso”, neste caso a improvisação,

que nos convoca para “um exercício cognitivo peculiar [...] que requer uma cognição muito mais capaz de inventar [improvisar]

o mundo, [...] invenção que somente se torna viável pelo encontro fecundo entre pesquisador [músico] e campo [de] pesquisa

[performance-improvisação-soundpainting], pelo qual o material a pesquisar passa a ser produzido e não coletado.” (AMADOR E

FONSECA 2009: 31, grifo meu) Na percepção e interação com o ambiente sonoro gerado em atividades de Soundpainting o músico-

pesquisador se posiciona “como aquele que vê [ouve] seu campo de pesquisa de um determinado modo e lugar em que ele se vê

compelido a pensar e a ver [e, neste caso também, agir] diferentemente, no momento mesmo em que o que é visto [ouvido] e pensado

se oferece ao seu olhar [ouvir]” (idem).

Para a situação em que o aluno atua como performer, buscamos organizar frases de Soundpainting que explorem diferentes aspectos

musicais e dificuldades particulares de cada instrumento e acompanhamos o desenvolvimento das respostas improvisadas, a

adaptabilidade e comunicabilidade entre os membros do grupo e a sonoridade geral. Para a situação na qual o aluno atua como

soundpainter, buscamos perceber como o mesmo se relaciona com as sonoridades improvisadas pelo grupo, delimitamos, como

exercício, quais e quantos gestos devem ser utilizados nas composições e avaliamos as decisões que este faz para estabelecer o andar

da composição. Outro exercício utilizado é uma espécie de ditado de Soundpainting, desenvolvido pelo soundpainter Vincent Le

Quang, professor do Conservatório de Paris, no qual uma frase é apresentada ao aluno que, após ouvi-la, tenta reproduzi-la enquanto

soundpainter, utilizando os gestos correspondentes às sonoridades cantadas, trabalhando assim sua percepção.

Dada a história da linguagem Soundpainting que surgiu, foi desenvolvida e explorada predominantemente na área da performance e,

uma vez que a natureza desta linguagem flexibiliza os papéis e a atuação de instrumentistas, compositores, regentes, obscurecendo

a linha divisória entre composição, performance e improvisação, torna-se necessário adaptar ou criar métodos para observar e

investigar os processos gerados por esta prática musical enquanto ferramenta de formação. Uma base que utilizamos para avaliar

e compreender o trabalho em desenvolvimento na UFJF com a linguagem Soundpainting, provem dos métodos de investigação

propostos por Sloboda (2008) e apontados por Fogaça (2009: 382):

i. “Exame da história de uma determinada composição, conforme os manuscritos do compositor.”

ii. “Análise daquilo que os compositores dizem a respeito de seus próprios métodos de composição.”

iii. “A observação 'ao vivo' dos compositores durante sessões de composição.”

iv. “Observação e descrição de execuções improvisadas: o compositor é o executor, que produz um enunciado musical sem

nenhuma premeditação em contexto público.”

No adaptação para o contexto Soundpainting tratamos estes pontos da seguinte forma:

i. Exame do planejamento das composições dos alunos/soundpainters, conforme os rascunhos que fazem de combinações de

sinais da linguagem Soundpainting.

ii. Análise daquilo que os alunos/soundpainters dizem a respeito de seus próprios métodos de composição e de performance

– das escolhas quanto à organização dos sinais no momento de elaboração dos rascunhos e as adaptações necessárias e/ou

possíveis no momento da realização da composição.

iii. Observação 'ao vivo' da atuação dos alunos/soundpainters e performers.

iv. Observação e descrição das performances, das realizações da composição: o soundpainter e o performer são executores,

que em contexto público produzem um enunciado musical com ou sem alguma premeditação e que, no caso de ter havido

uma premeditação, adapta suas escolhas no decorrer da composição.

A partir destas atividades buscamos explorar a linguagem de sinais Soundpainting como uma ferramenta para a formação musical,

unindo à variada prática musical que dela resulta reflexões sobre o ensino e aprendizagem de música.

Conclusão

A linguagem de sinais para improvisação Soundpainting surgiu e foi explorada majoritariamente na área da performance, mais

precisamente na performance ligada ao jazz, e, por isso, a pesquisa com esta linguagem no meio acadêmico se encontra ainda em fase

inicial. Observando o conjunto de práticas possíveis de serem realizadas com a mesma, notamos que o exercício da improvisação

estruturada proposto com Soundpainting possibilita mudanças de perspectivas que podem trazer benefícios para a formação musical

do indivíduo. O aluno deixa de ser apenas um instrumentista que cumpre com sua agenda de exercícios e com um repertório de peças

compostas por compositores de diversas épocas e passa a ser também um criador, capaz de ouvir, pensar e lidar com a música de

outras formas. Com essa experiência, esperamos contribuir para que os processos de desenvolvimento musical sejam mais amplos e

diversificados, que ofereçam ao aluno outros meios para expressar sua musicalidade.

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