Pop Art nos EUA e no Brasil

Aspectos culturais, sociais e políticos

A versão mais amplamente distribuída de poster de Obama

da Shepard Fairey, que caracteriza a palavra "esperança". Outras versões usaram as palavras

"mudança" e "progresso". Eleições americanas de 2008.

A versão Pop Art da propaganda de Dima, nas eleições de 2014".

Pop Art

A Pop Art surge na Inglaterra, através de um grupo de artistas intitulados Independent Group. A primeira obra considerada Pop é o que exatamente torna os lares de hoje tão diferentes, tão atraentes. Os artistas e críticos integrantes do Independent Group lançam em primeira mão as bases da nova forma de expressão artística, que se beneficia das mudanças tecnológicas e da ampla gama de possibilidades colocada pela visualidade moderna, que está no mundo – ruas e casas – e não apenas em museus e galerias. em Londres pelos artistas Lawrence Alloway, Alison e Peter Smithson, Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi e Reyner Banham são alguns dos nomes do grupo britânico.

Richard Hamilton (1922-2011), Just What Is It that Makes Today's Homes So Different, So Appealing?, 1956 (O Que Exatamente Torna Os Lares De Hoje Tão Diferentes, Tão Atraentes? )

Andy Warhol (1927-1987)

Foi o artista mais conhecido e mais controvertido do pop art, Warhol mostrou sua concepção da produção mecânica da imagem em substituição ao trabalho manual numa série de retratos de ídolos da música popular e do cinema, como Elvis Presley e Marilyn Monroe. Warhol entendia as personalidades públicas como figuras impessoais e vazias, apesar da ascensão social e da celebridade. Da mesma forma, e usando sobretudo a técnica de serigrafia, destacou a impessoalidade do objeto produzido em massa para o consumo, como garrafas de Coca-Cola, as latas de sopa Campbell, automóveis, crucifixos e dinheiro. Produziu filmes e discos de um grupo musical, incentivou o trabalho de outros artistas e uma revista mensal.

Andy Warhol, Lata de Sopa Campbell’s, 1962

Andy Warhol, Marilyn Díptico, 1962

Andy Warhol, Oito Elvis, 1963

Andy Warhol, Red Liz, 1963

Andy Warhol, Garrafas de Coca-Cola, 1962

Andy Warhol, Self-Portrait, 1986

Robert Rauschenberg (1925-2008)

Depois das séries de superfícies brancas ou pretas reforçadas com jornal amassado do início da década de 1950, Rauschenberg criou as pinturas "combinadas", com garrafas de Coca-Cola, embalagens de produtos industrializados e pássaros empalhados. Robert Rauschenberg foi o pioneiro desta concepção, ainda nos meados da década de 1950. Tal como um compositor cria música a partir dos ruídos da vida de todos os dias, ele construiu obras de arte partindo do refugo da civilização urbana. Por volta de 1962, adotou a técnica de impressão em silk-screen para aplicar imagens fotográficas a grandes extensões da tela e unificava a composição por meio de grossas pinceladas de tinta. Esses trabalhos tiveram como temas episódios da história americana moderna e da cultura popular.

Robert Rauschenberg , Coca-Cola Plan, 1958 pintura combinada : lápis no papel , óleo sobre três garrafas de Coca-Cola , cap newel madeira

, e asas de metal fundido em estrutura de madeira; 26 3/4 x 25 1/4 x 5 1/2 in.

The Museum of Contemporary Art, Los Angeles, The Panza Collection

Robert Rauschenberg, Monograma, 1955-59 Freestanding combine

Alex Flemming (1954-), Cordeiro de Deus, 1991 (acrílica sobre animal empalhado e escumadeiras de alumínio)

Acredito firmemente, baseado em minhas várias colaborações, em extensas viagens, que um contato de pessoa a pessoa, através da arte, contém fortes poderes pacíficos e é o melhor

modo não elitista de partilhar informação exótica e comum, seduzindo-nos de forma promissora no sentido de criar entendimentos mútuos para

o benefício de todos

Robert Rauschenberg. Setembro de 1994

bode na cabeça meio bode bode cortado bode com pneu na

cintura corta garganta corta olhar afoga pensamento subverte

MIKIE FUCATU

20/5/2009

Roy Lichtenstein (1923-1997)

Em 1961, começa as primeiras pinturas Pop: imagens e técnicas inspiradas na aparência de impressão comercial. Lentamente passa a desenhar de lápis para a pintura a óleo diretamente sobre a tela. Começa a usar as imagens da publicidade que sugerem consumismo e trabalhos domésticos. No Outono do mesmo ano, coloca várias pinturas novas na Leo Castelli Gallery, em Nova Iorque. Algumas semanas mais tarde, vê na mesma galeria trabalhos de Andy Warhol usando também imagens da banda desenhada.

Roy Lichtenstein, Live Ammo (Blang!), 1962

Roy Lichtenstein, Live Ammo (Blang!), 1962

Roy Lichtenstein Cold Shoulder, 1963.

Hiperrealismo

O termo remete a uma tendência artística que tem lugar no final da década de 1960, sobretudo em Nova York e na Califórnia, Estados Unidos. Trata-se da retomada do realismo na arte contemporânea, contrariando as direções abertas pelo minimalismo e pelas pesquisas formais da arte abstrata. Menos que um recuo à tradição realista do século XIX, o "novo realismo" finca raízes na cena contemporânea, dizem os seus adeptos, e se beneficia da vida moderna em todas as suas dimensões: é ela que fornece a matéria (temas) e os meios (materiais e técnicas) de que se valem os artistas. A série de exposições realizadas entre 1964 (O Pintor e o Fotógrafo, Universidade de Novo México, Albuquerque) e 1970 (22 Realistas, Whitney Museum, Nova York) assinala o reconhecimento público da nova vertente.

Hiperrealismo ou fotorrealismo, como preferem alguns, os termos permitem flagrar a ambição de atingir a imagem em sua clareza objetiva, com base em diálogo cerrado com a fotografia. Os hiperrealistas "fazem quadros que parecem fotografias", afirma o crítico Gilles Aillaud por ocasião de uma exposição no Centro Nacional de Arte Contemporânea de Paris, em 1974. A frase traduz uma reação corriqueira diante das obras, o que não quer dizer que os artistas deixem de assinalar as diferenças existentes entre pintura e fotografia. Richard Estes (1932), um dos grandes expoentes do novo estilo, é enfático: "Não acredito que a fotografia dê a última palavra sobre a realidade". Mesmo assim, afirma, "o fotorrealismo não poderia existir sem a fotografia"

Edward Hopper (1882 –1967) Realismo americano

Edward Hopper,Nigthhawks, 1963.

Don Eddy (1944-)

Don Eddy, Private Parking IV, 1971, acrílica sobre tela

Richard Estes (1942-)

Richard Estes, Diner, 1971, óleo sobre tela

Jonh de Andrea (1941-)

John de Andrea, O Artista e sua Modelo, 1980. Polivinil, policormado sobre óleo (referência a Pigmaleão)

Ron Mueck (1958-)

Ron Mueck,Duas Mulheres, 192005.

Pop Arte no Brasil

No Brasil em 1967, na Bienal, os pop artistas dominaram a representação dos EUA . Não se

tornou popular e nem chegou a atingir a massa urbana, ficando restrita a colecionadores,

frequentadores, galerias e museus na época.

Foi premiado no Salão Nacional de Arte Moderna (1967) com uma viagem aos Estados Unidos, permanecendo em Nova York, entre 1968 e 1972, realizando várias exposições. Também participou, com uma série de "casas-roupas", do Fashion Show Poetry Event, mostra idealizada por um grupo de jovens poetas americanos e que contou com a participação de Andy Warhol, do irlandês Les Levine (1935) e Robert Plate. Segundo Ruy Castro, Gerchman trabalhou em revista de fotonovelas, e sua serigrafia A Bela Lindoneia, A Gioconda do Subúrbio, alusiva a uma leitora de fotonovelas que faleceu aos 18 anos sem encontrar um amor, teria sido a inspiração para Caetano Veloso escrever uma das principais canções do Movimento Tropicalista - Lindoneia.

Rubens Gerchman (1942-2008)

Rubens Gerchman, A Cidade , 1965

Rubens Gerchman

Monalou Fotografia e tinta s/material fotográfico

c/contato s/madeira 1975

Tarsila do Amaral

A Negra

1923

Artista multimídia. Estuda com Oswaldo Goeldi (1895 - 1961) no Atelier Livre de Gravura da Escola Nacional de Belas Artes - Enba. Na década de 1960, incorpora palavras ou frases às obras. Em 1965, recebe bolsa do governo francês e reside até 1968 em Paris. Depois, transfere-se para Milão, onde mantém ateliê. Em 1971, edita o disco Record: The Space Between e inicia a série The Illustration of Art. Recebe, em 1972, bolsa da Simon Guggenheim Foundation para trabalhar em Nova York. Em 1977, viaja para a Índia e o Nepal, onde estuda técnicas de produção de papel. Inicia uma série de trabalhos que têm como suporte o papel artesanal, o qual se integra às obras pela textura e mistura de pigmentos que contém. Publica em Katmandu o álbum Tramas, de xilografias. Em 1988, reside em Berlim como bolsista do Deutscher Akademischer Austausch Dienst - DAAD [Serviço Alemão de Intercâmbio Acadêmico]. Em 1992, torna-se professor da Sommerakademie für bildende Kunst, em Salzburgo, Áustria, e, no ano seguinte da Staatliche Akademie der bildenden Künste, em Karlsruhe, Alemanha.

Antonio Dias (1944-)

Antonio Dias, Os restos do herói, 1966

O brasileiro Cildo Meireles (1948), que participa da exposição Information,

realizada no The Museum of Modern Art - MoMA [Museu de Arte Moderna] de

Nova York, em 1970, considerada como um dos marcos da arte conceitual,

realiza a série Inserções em Circuitos Ideológicos. O artista intervém em sistemas de circulação de notas de

dinheiro ou garrafas de Coca-Cola, para difundir anonimamente mensagens políticas durante a ditadura militar.

Concretismo Concretismo foi um movimento vanguardista surgido em 1950, inicialmente na música e depois na poesia e nas artes plásticas. Defendia a racionalidade e rejeitava o Expressionismo, o acaso, a abstração lírica e aleatória. Nas obras surgidas no movimento, não há intimismo nem preocupação com o tema, seu intuito era acabar com a distinção entre forma e conteúdo e criar uma nova linguagem. Durante a década de 1960, poetas e músicos do movimento passaram a se envolver em temas sociais, geralmente sem influência na obra, sendo somente uma ligação pessoal. As obras passaram a ser mais preocupadas com a inovação da linguagem. A poesia concreta tem em Vladimir Mayakovsky um grande expoente. O poeta russo afirmava que não há arte revolucionária sem forma revolucionária. Alguns nomes importantes associados ao Concretismo: Waldemar Cordeiro Augusto de Campos Décio Pignatari Haroldo de Campos Luiz Sacilotto Emanuel Félix

Waldemar Cordeiro (1925-1973), Movimento, 1951

Neoconcretismo Neoconcretismo foi um movimento artístico surgido no Rio de Janeiro em fins da década de 1950 como reação ao concretismo ortodoxo. Os neoconcretistas procuravam novos caminhos dizendo que a arte não é um mero objeto: tem sensibilidade, expressividade, subjetividade, indo muito além do mero geometrismo puro. Eram contra as atitudes cientificistas e positivistas na arte. A recuperação das possibilidades criadoras do artista (não mais considerado um inventor de protótipos industriais) e a incorporação efetiva do observador (que ao tocar e manipular as obras torna-se parte delas) apresentam-se como tentativas de eliminar a tendência técnico-científica presente no concretismo. O movimento neoconcreto nunca conseguiu impor-se totalmente fora do Rio de Janeiro, sendo largamente criticado pelos concretistas ortodoxos paulistas, partidários da autonomia da forma em detrimento da expressão e implicações simbólicas ou sentimentais.

O Manifesto Neoconcreto

No dia 23 de março de 1959, o Suplemento Dominical do Jornal do Brasil (dirigido por Reinaldo Jardim, participante do movimento) publicou o Manifesto Neoconcreto, assinado por Ferreira Gullar, Reinaldo Jardim, Theon Spanudis, Amílcar de Castro, Franz Weismann, Lígia Clark e Lígia Pape.

TROPICALISMO Bat Macumba Os Mutantes Composição: Caetano Veloso e Gilberto Gil Bat Macumba ê ê, Bat Macumba obá Bat Macumba ê ê, Bat Macumba obá Bat Macumba ê ê, Bat Macumba obá Bat Macumba ê ê, Bat Macumba obá Bat Macumba ê ê, Bat Macumba obá Bat Macumba ê ê, Bat Macumba obá Bat Macumba ê ê, Bat Macumba obá Bat Macumba ê ê, Bat Macumba oh Bat Macumba ê ê, Bat Macumba Bat Macumba ê ê, Bat Macum Bat Macumba ê ê, Batman Bat Macumba ê ê, Bat Bat Macumba ê ê, Ba Bat Macumba ê ê Bat Macumba ê Bat Macumba Bat Macum Batman Bat Ba Bat Bat Man Bat Macum Bat Macumba Bat Macumba ê Bat Macumba ê ê Bat Macumba ê ê, Ba Bat Macumba ê ê, Bat Bat Macumba ê ê, Batman Bat Macumba ê ê, Bat Macum Bat Macumba ê ê, Bat Macumba Bat Macumba ê ê, Bat Macumba oh Bat Macumba ê ê, Bat Macumba obá Bat Macumba ê ê, Bat Macumba obá Bat Macumba ê ê, Bat Macumba obá Bat Macumba ê ê, Bat Macumba obá Bat Macumba ê ê, Bat Macumba obá Bat Macumba ê ê, Bat Macumba obá! OU PANIS ET CIRCENSIS, 1968

Interação entre as artes • Movimento Nova Objetividade (Anos 60)

propõe uma arte que interage com o indivíduo • Surge o Cinema Novo com Glauber Rocha

(Terra em Transe) • Zé Celso encena O Rei da Vela, de Oswald de

Andrade • Caetano viu o filme e a peça • Hélio Oiticica faz o penetrável “Tropicália” • Surgem os happenings

Tropicália, 1967 (Penetrável)

Helio Oiticica (1937-1980)

http://www.heliooiticica.com.br

Hélio Oiticica. Artista performático, pintor e escultor. Inicia, com o irmão César Oiticica (1939), estudos de pintura e desenho com

Ivan Serpa (1923 - 1973). Nesse ano, escreve seu primeiro texto sobre artes

plásticas; a partir daí o registro escrito de reflexões sobre arte e sua produção torna-se

um hábito. Em 1959, passa a integrar o Grupo Neoconcreto. Abandona os trabalhos

bidimensionais e cria relevos espaciais, bólides, capas, estandartes, tendas e

penetráveis. Em 1964, começa a fazer as chamadas Manifestações Ambientais. Em 1968, realiza no Aterro do Flamengo a

manifestação coletiva Apocalipopótese, da qual fazem parte seus Parangolés e os Ovos,

de Lygia Pape (1927 - 2004). Em 1969, realiza na Whitechapel Gallery, em Londres, o que chama de Whitechapel Experience,

apresentando o projeto Éden.

Metaesquema II, 1959

Participa do Grupo Frente em 1955 e 1956 e, em 1959, passa a integrar o Grupo Neoconcreto. Abandona os

trabalhos bidimensionais e cria relevos espaciais, bólides, capas, estandartes, tendas e penetráveis. Em 1964,

começa a fazer as chamadas Manifestações Ambientais. Na abertura da mostra Opinião 65, no MAM/RJ, protesta quando seus amigos integrantes da escola de samba

Mangueira são impedidos de entrar, e é expulso do museu. Realiza, então, uma manifestação coletiva em frente ao museu, na qual os Parangolés são vestidos pelos amigos

sambistas. Participa das mostras Opinião 66 e Nova Objetividade Brasileira, apresentando, nesta última, a

manifestação ambiental Tropicália.

Vive em Nova York na maior parte da década de 1970, período no qual é bolsista da Fundação Guggenheim e participa da mostra Information, no Museum of Modern

Art - MoMA. Retorna ao Brasil em 1978. Após seu falecimento, é criado, em 1981, no Rio de Janeiro o

Projeto Hélio Oiticica, destinado a preservar, analisar e divulgar sua obra, dirigido por Lygia Pape, Luciano

Figueiredo (1948) e Waly Salomão (1943 - 2003). Entre 1992 e 1997, o Projeto HO realiza grande mostra retrospectiva, que é apresentada nas cidades de

Roterdã, Paris, Barcelona, Lisboa, Mineápolis e Rio de Janeiro. Em 1996, a Secretaria Municipal de Cultura do

Rio de Janeiro funda o Centro de Artes Hélio Oiticica, para abrigar todo o acervo do artista e colocá-lo

à disposição do público.

Lígia Clark (1920–1988)

Inicia seus estudos artísticos em 1947, no Rio de Janeiro, sob a orientação de Roberto Burle Marx e Zélia Salgado. Em 1950, Clark

viaja a Paris, onde estuda com Arpad Szènes, Dobrinsky e Léger. A artista dedica-

se ao estudo de escadas e desenhos de seus filhos, assim como realiza os seus

primeiros óleos. Após sua primeira exposição individual, no Institut

Endoplastique, em Paris, no ano de 1952, a artista retorna ao Rio de Janeiro e expõe

no Ministério da Educação e Cultura.

Em 1959, integra a I Exposição de Arte Neoconcreta, assinando o Manifesto Neoconcreto, ao lado de Amílcar de Castro, Ferreira Gullar, Franz Weissmann, Lygia Pape, Reynaldo Jardim e Theon Spanudis. Clark propõe com a sua obra, que a pintura não se sustenta mais em seu suporte tradicional. Procura novos vôos. Nas “Unidades, 1959”, moldura e “espaço pictórico” se confundem, um invadindo o outro, quando Clark pinta a moldura da cor da tela. É o que a artista chama de “linha orgânica”, em 1954: não é uma pintura fechada nela mesma; a superfície se expande igualmente sobre a tela, separando um espaço, se reunindo nele e se sustentando como um todo.

Unidade, 1958

"A arte não consiste mais em um objeto para você olhar, achar bonito, mas para uma

preparação para a vida"

Lygia Clark

Reflexões para próximo encontro

• O que podemos chamar de arte contemporânea?

Wladimir Wagner Rodrigues wrodrigu@trf3.jus.br