Politeísta Ecléctico Fiestero Eterno Cotidiano Narda Alvarado

Video-animación con dibujos hechos a mano, corregidos y pintados digitalmente. Color, sonido, músi-ca, voz en off, 16 min. La Paz - Bolivia, 2009. Se encuentra en:

La IX Bienal SIART2016 presentó una exposición retrospectiva de la obra de la artista Narda Alvarado que trabaja con diversos lenguajes entre video, ani-mación, dibujo, arquitectura, video-juegos, performances, acciones, instalación y fotografía. El Maletín Pedagógico de la IX Bienal SIART trae, en ese con-texto, la imagen de una video-animación, un objeto de arte y parte de una instalación.

La obra de Narda navega en los límites de la poesía utilizando medios contemporáneos que encontramos en la vida cotidiana. Su obra busca despertar en el espectador una memoria compartida de las experiencias poéticas de la vida. Por ese motivo la iconografia que desarrolla a lo largo de su práctica artística está estrechamente relacionada a lo singular en la cultura boliviana: la añoranza del mar, el Illimani, la salteña, los heladeros o los estudiantes que se “chachan” del colegio.

Narda trabaja a partir de ideas generadas alrededor de una determinada preocupación. Los medios que usa están en función de las ideas y no al contrario. Ella clasifica las ideas en buenas, regulares y malas; pero no descarta ni una. En ese sentido los artefactos que produce toman el plano del pensamiento en su totalidad. La artista piensa el arte como una forma de investigar el mundo y a sí misma, en la que cabe el mundo.

La video-animación Politeísta Ecléctico Fiestero Eterno Cotidiano trata de un proceso estético cotidiano en el que superpone dibujos a la imagen en movi-miento. Ella describe así la pieza:

“En el transcurso de una mañana, un personaje en pijamas realiza sus actividades cotidianas: leer, levantarse, tomar desayuno, tender la cama. Mientras tanto, en forma de ideas imagina los trajes, movimientos y coreografía para el diseño de un baile para una entrada folklórica. Las ideas pueden ser clasifica-das en buenas, regulares y malas.”

Los dibujos realizados sobre el video son de objetos cargados de recuerdos que se sienten en toda su potencia poética: pelotas, pata-patas, diversos atuen-dos y accesorios para la danza que provienen de la vida cotidiana, desde faldines hechos de calcetines chulas o pares (como ele da la imagen capturada) hasta cepillos de dientes, o algodón dulce.

http://www.dailymotion.com/video/x14f7su_politeista-eclectico-fiestero-eterno-cotidiano-2009_creation

Nubes de Película.

Cartulina y cartón cortado a mano, pintura acrí-lica. Residencia KIOSKO. Santa Cruz de la Sierra, Bolivia, 2007.

Construction of Ideas

La obra Nubes de Película es parte de ese universo poético que la artista trabaja en la simplicidad de la mirada que se deleita con situaciones del cotidiano extraordinario. Ella materializa y comparte su sorpresa: “ El mismo día que llegué a Santa Cruz quedé totalmente impresionada con una imagen: el cielo azul con nubes pasando rápido y a poca altura a través de las ramas de las palmeras.” El espectador puede manipular la pieza de manera que las palmeras puedan moverse y parecer que se mueven las nubes.

Instalación de 4 paneles de dibujos hechos a mano, corregidos digitalmente. 1 maqueta arquitectónica y 1 video-animación 3D, color, sonido, 4 min. Obra realizada para la Bienal de Busan 2006, Corea del Sur. La Paz - Bolivia, 2006.

De la instalación Construction of Ideas, en la que la artista construye la maqueta de una ciudad (en base a la ciudad de La Paz y El Alto) de ideas materi-alizadas en niveles o pisos, extraemos una lamina de dibujos de estatuas (de frente e detrás) que ella imagina en una plaza de esas ciudades. Las estatuas sonde personajes cotidianos y populares da las ciudades que se vuelven héroes y heroínas del espacio poético.

Nada escapa al universo poético de la artista que condensa la simplicidad de la vida en las imágenes cotidianas. Ella ofrece al espectador la oportunidad de relacionarse con el mundo de otras maneras, no sólo de una. El arte como medio de comprensión del mundo en todos los niveles.

Carla Garlaschi El Despertar de la Artista Latinoamericana

Video 4:21, 2016. Se encuentra en: https://www.youtube.com/watch?v=vHnUToQFvrI

El video-arte es un lenguaje artístico contemporáneo que sintetiza diversos lenguajes, como el visual, el sonoro y el performático. Es pensado como un medio que no separa el espacio del tiempo, ni lo visual de lo sonoro, ni el pensamiento de la acción. Sin embargo es importante distinguir el video-arte del video que se hace como registro. El video-arte se basa en el uso poético de ese lenguaje y no en su mera instrumentalización.

Carla Garlaschi trabaja con imagen y narrativa a través de la instalación, el video y la literatura, apuntan-do especialmente el género de las telenovelas que hace ya parte de la visión romántica y dramática en la cultura visual latinoamericana.

El video de Carla para la IX Bienal SIART 2016 presenta una parte de la vida cotidiana de una artista latinoamericana que despierta por la mañana y así alude al “despertar” tanto en su sentido metafórico como literal. La artista, rodeada del “glamour “ y del lujo que se espera de una artista declara sus inqui-etudes sobre la forma como concebimos la idea de artista latinoamericano: “en mi práctica desarrollo estrategias reactivas a la tradición eurocéntrica del arte latinoamericano...”.

Con esta obra la artista cuestiona el exotismo que exigen de los artistas latinoamericanos las institu-ciones artísticas y la sociedad europea, lo que obliga a un auto-exotismo que limita la identidad a aquello que los otros piensan que uno debe ser para satisfacer sus propias ideas.

En la obra Carla pone acento sobre las cuestiones de identidad con acciones cotidianas como mirarse en el espejo. El contexto consumo cotidiano del mundo capitalista y las referencias al mundo de la tele-visión apuntan las preocupaciones del arte contemporáneo con el mundo de la cultura visual que nos envuelve en conflictos de identidad.

María Saenz trabaja con performance artística. El performance es una experiencia estética compartida que envuelve al espectador en un momento de rompimiento del orden visual en el espacio - tiempo. Ocurre en un dado momento en un lugar determinado en relación al espacio que ocupa.

En la performance que ejecuta para la IX Bienal SIART 2016, la artista camina por el paseo de El Prado, en la ciudad de La Paz vestida con diez capas de polleras de los colores de la bandera boliviana hasta el cuello y en el camino se las va sacando. Esta es una obra que da continuidad a otras que María realizó en 2015 en Chile, donde vive. La fotografía Cholita II cor-responde a las performances realizadas en Chile.

Con esta obra María indaga en las capas de identidad que cubren las mujeres indígenas y que hacen parte también de la identidad de todos los bolivianos. Las polleras visten un cuerpo cultural que vive en los espacios de tensión entre lo originario y lo colonial.

Las imágenes que Maria genera en su camino nos cuestionan ¿hasta qué punto nos damos cuenta de que la identidad es un recorrido en el que vestimos e desvestimos muchas capas? ¿Cómo estas capas están relacionadas entre ellas en el tiempo conectándonos con un pas-ado y con un devenir? ¿Dónde comienza y dónde termina ese proceso de transformación? ¿Hasta dónde soportamos el peso de nuestra relación con las identidades fijas?

María Saenz Guerrero

Fotografía de Performance, Chile, 2015

Cholita II

Eduardo Caballero

Instantáneas del mundo conocido

Fotografia satelital, 2016

Badllands, 2016

La obra de Eduardo Caballero reflexiona sobre la geografía, las fronteras y el tránsito de las personas que se mueven en ella. Basado en fotografías satelitales el artista nos lleva a pen-sar sobre los conflictos que se dan en los espacios e entre ellos. En la IX Bienal SIART el artista presentó la instalación Badlands donde dispone en cajas de vidrio capas de una geografía cultural boliviana y en la pared dispone fotografías que se encuentran dispuestas en el Google Earth.

En Instantáneas del mundo conocido, que fue escogido para los provocadores del programa pedagógico, podemos ver instantes de la vida de personas en determinados espacios saca-das por satélites y que están a disposición en el Google Earth.

La selección de imágenes que realiza el autor nos hace pensar también en un recorrido vir-tual, que como el recorrido actual, también realiza un movimiento en el espacio y tempo. Esta obra también nos hace pensar en lo que significa poder mirar el mundo de una forma que para nuestro cuerpo y nuestros ojos era imposible y que hoy está al alcance de todos. Es posible hacer viajes de águila a través del Google Earth.

Sin embargo el artista nos recuerda que las posibilidades de viajes o recorridos que vemos en la fotografía satelital no son las mismas en la vida al nivel de la tierra donde cada día más en-contramos fronteras impuestas por conflictos políticos, sociales y culturales.

Estos mapas nos hacen pensar en los recorridos que hacemos al movernos en la vida que mar-can otro tipo de geografías de aquellas que vemos en las fotografías satelitales o mapas.

Paola Oña Ovejero

Vestido de Gracia

Video instalación, 2016

El trabajo de Paola Oña Ovejero presentado en la IX Bienal SIART es una vídeo- instalación. Las instalaciones en el arte contemporáneo se refieren a espacios en los que el espectador se siente parte de la obra. En una instalación es posible sumergir dentro del artefacto de arte, sentirlo parte de la realidad que nos circunda. Es video instalación porque en ese espacio se proyecta una filmación.

En un nicho que existe en la sala de exposición del Museo Tambo Quirquincha la artista di-spone en la pared un sombrero, una manta, una pollera y en el piso un par de zapatos, todos blancos. La artista proyecta el video del cuerpo de una mujer desnuda sobre ropa de tal manera que tenemos la impresión de que hay una persona vistiendo esa ropa y accesorios. La persona se mueve, respira, sin salir de la posición.

La sensación que tenemos entonces es de que estamos frente a alguien que viste un atuendo de ropa transparente que deja ver el cuerpo de la persona. Por una parte esa imagen afecta nuestra percepción de la realidad porque la realidad y la virtualidad se funden en la experi-encia y ora tenemos la sensación de estar frente a una persona, ora tenemos la sensación de estar frente a una filmación.

Al jugar con nuestra percepción Paola cuestiona la diferencia entre imagen y realidad. Al hacer eso también cuestiona como construimos la visualidad cotidiana que es también hecha de imágenes. Aquí la imagen y la realidad se confunden como sucede en la vida cotidiana. En este caso la artista se refiere a la imagen de identidades que construimos. La artista nos hace pensar en el cuerpo y su relación con el mundo, cuando el cuerpo es sujeto y cuando el cuerpo es objeto.

Coco Gonzáles Lhose, An-tonio GuzmánoEl sonido de las letras

Instalación, 2016

La instalación de los artistas Coco Gonzáles Lhose y Antonio Guzmán, en colaboración con Carolina Castro nos traen una de las obras más interactiva de la IX Biena SIART. Los artistas instalaron una mesa con diferentes elementos que hacen parte de la vida dentro de las es-cuelas con las cual los espectadores puedan realizar tareas escolares.

En las paredes encontramos algunos carteles dispuestos en filas ordenadas de imágenes en blanco y negro y palabras en español y aymara que parecen referirse a la figura. Estos carte-les son impresiones sobre papel de color celeste, rosado y amarillo pálidos que nos remiten a los colores de la infancia y al mismo tiempo a los colores de papeles ordinarios usados en las escuelas. Las imágenes y las palabras en estos carteles, al contrario de lo que sucede en los cuadernos de alfabetización, no se corresponden de manera que crean un conflicto de interpretación.

En otra pared disponen una pizarra con dibujos esquemáticos que parecen dibujar alguna explicación. Debajo de la pizarra encontramos mandiles bordados con imágenes críticas del sistema educativo.

Todos estos elementos nos envuelven en la memoria de los procesos de educación en los que se mezcla la burocracia de las normas, reglas y castigos y al mismo tiempo la inocencia y alegría de la infancia. En ese mundo de conflictos somos llamados a participar intentando hacer sentido de las contradicciones en los sistemas educativos.

Joaquín Sánchez

Arete Guazu

Fotografía, Comunidad guarani Tentayape, Chaco boliviano, 2012.

El artista Joaquín Sánchez trabaja sobre el tejido cultural y las formas en que éste se hace sen-sible, o dicho de otra forma, trabaja sobre las relaciones que se tejen entre las culturas y las formas en que esas relaciones se hacen estéticas. Una de ellas es la fiesta guaraní Arte Guazu. La foto de Sánchez fue tomada en la comunidad de Tentayape, en el Chaco boliviano.

La fotografía es un medio artístico desde el mismo momento de su aparición, así como la pin-tura, el grabado o la escultura, pero no son arte en sí mismos. Así como la danza, la cualidad artística de un medio depende de la potencia poética que este tenga en una dada situación. la fotografía se ha convertido en unos de los medios más usados por los artistas contemporá-neos tanto para registrar como para expresar.

Pero Joaquín Sánchez piensa la fotografía también como una de las tramas en el tejido cultur-al. Usa muchas veces la fotografía para intervenirla con bordados o tejidos, para proyectarla en instalaciones o acciones o para formar un registro de performance.

La fiesta guaraní del Arete Guazu que el artista fotografía es la Gran Fiesta de la Nación Guar-aní, celebrada en febrero de cada año, en el que las comunidades se encuentran, bailan y festejan durante 6 días. Para Sánchez, que es guaraní, esa fiesta hace parte de su tejido cul-tural. Sánchez nos llama con esta fotografía a pensar en la propuesta curatorial de la IX Bienal SIART que presentó: “Ver con los Oídos”. Siendo una danza y una fiesta que incluye todos los sentidos, nos recuerda que para las culturas indígenas los sentidos no se separan en diferentes artes.

Para los guaraníes como para diversos pueblos indígenas el arte no separa los sentidos entre sí, ni se separa da la vida y de sus artefactos, pero a diferencia de la vida cotidiana se manifiesta en la belleza que está más allá de la forma, en las tensiones culturales que provocan cambios, o cuando transmutan o transitan estados, como sucede en los rituales y fiestas.

Entra la fotografía de la danza y la danza en la fiesta de Arete Guazu hay una relación cultural que nos recuerda las tensiones entre lo tradicional y lo moderno, entre la imagen y el sonido, entre el arte y la vida.

Maximiliano Siñani

Partidito

Performance, Cancha Zapata, La Paz, Boliv-ia, 2016. Fotografía Gino Cabezas. Segunda y tercera fotografías Tatiana Fernández.

El Partidito de Futbol que Maximiliano Siñani propone a IX Bienal SIART es una acción per-formática, la segunda que realiza después de la obra Lenguaje Invisible en Buenos Aires en la galería Hilo. Se trata de un partido que tiene 27 jugadores con la misma camiseta blanca y short negro; pero envés de números en las camisetas trae letras de manera que mientras sucede el juego se forman palabras que el artista calcula en las jugadas que propone a los jugadores.

El artista trabaja con intervenciones y performances que relacionan el arte a la vida cotidiana. En este caso el artista resignifica la memoria colectiva de una actividad que hace parte de las identidades nacionales o culturales (el deporte del futbol) en una situación nueva, no espe-rada, que escribe con el cuerpo y con las imágenes que se crían en el partido.

Con esta performance el artista nos coloca frene a dos desafíos, el primero se refiere a la distinción entre palabra e imagen que este caso, y en consonancia con a propuesta de la Bi-enal, se encuentran en tensión. Esas palabras no existen sino en la forma como las significamos cuando se juntan, de la misma manera que hacemos con las imágenes. Las letras, como las palabras sólo ganan un sentido en una condición de lenguaje. Las imágenes son la potencia de ese lenguaje, en el cuerpo que se mueve en el espacio.

El segundo desafío es la tensión entre la concepción que tenemos de arte y de cultura popu-lar. Un partido de futbol puede ser una obra de arte en cuanto rompe con las ideias de lo que puede ser una obra de arte, que en este caso son las tensiones que existen entre sensación y pensamiento (cuando el partido tiene otro objetivo diferente del conocido), entre significado y significante (cuando lo que conocemos por una cosa se vuelve otra).

La performance colectiva de Siñani es una muestra de las preocupaciones del arte contem-poráneo con el lenguaje; pero no más para seguir la lógica de la comunicación; pero la irra-cionalidad de la palabra como imagen que escribe de otra forma el mundo.

Francis Naranjo y Carmen CaballeroViaja al Salar de Uyuni

Video, 2016

El viaje que los artistas nos presentan es el viaje de la transmutación. Los autores explican, como puede verse en el provocador 7, que se trata de un viaje ritual sobre una memoria fu-tura. Es el viaje de las cenizas de la madre muerta de Naranjo, un viaje mítico.

Esta obra nos conduce a la memoria de una persona particular que de alguna manera tam-bién es plural porque vive en la memoria de su hijo y en la memoria de la tierra que su cuerpo en cenizas viene al lugar. Su presencia es la memoria de algo que está en formación.

Los objetos como territorios de memorias individuales y colectivas cargan en si un significado y una relación con el cuerpo. Para la IX Bienal SIART los artistas presentaron la obra Europa, el continente triste, donde colocaron en una sala en las paredes, objetos de hospital, como inyecciones y otros, que nos traen a la memoria la enfermedad y el estado de tristeza y an-gustia característico.

Los objetos son extensiones existenciales de nuestra vida, nos sólo los recordamos, ellos tam-bién se acuerdan de nosotros y vuelven a hablarnos sobre nuestra vida. Los artistas usan estos objetos para rebuscar en la memoria del cuerpo.

Andrés Bedoya

Tiempos

Fotogrfia en slide analógico en proyector de slides, 2016.

La obra presentada por Andrés Bedoya en la IX Bienal SIART es una instalación en la que en el medio de la sala blanca un proyector de slides antiguo rueda automáticamente proyectando el mismo slide. Se trata de la fotografía de la abuela muerta del artista en su lecho de muerte. La fotografía en slide realizada con una cámara analógica, se repite en una gran pared, mientras el pasaje de un slide a otro parece recordarnos al reloj que marca cada cambio de imagen, siendo siempre la misma.

Aquí el artista es económico en la imagen. No sólo la sala con ventanas antiguas de casona colonial, como la imagen que se proyecta en la pared es una sola. La abuela del artista parece estar durmiendo, quieta. Ese descanso contado por el tiempo del cambio de slide en la máquina proyectora extiende nuestra idea de tiempo a una vivencia que va más allá del tiempo linear. afecta nuestra memoria corporal porque nos sentimos con ella en un espacio imaginario.

La obra de Bedoya nos lleva a pensar en el tiempo del cuerpo que no es necesariamente el tiempo de la vida. Esa incursión o intervención que el artista hace en el espacio temporal tam-bién afecta nuestras relaciones con las imágenes como lo hacen las imágenes realizadas en el siglo XIX de personas muertas sentadas para el último retrato. Guardar la memoria como un acto de vida puede ser también una pulsión temporal del arte.

Pamela Iglesias

Yo la Queria Harto, eso sí

Objetos con cobertores tejidos, 2016

La artista presenta en la IX Bienal SIART una obra realizada con tejidos de crochet que forman un revestimiento de colores a cuchillos de diferentes tamaños, una pistola, un machete y una plancha. Los objetos se encuentran sobre una mesa también vestida con un manto de cro-chet en el que las formas de los objetos se destacan. Toda la escena que se presenta ante el espectador remite a los tejidos femeninos. Pero las formas remiten a la violencia masculina porque todas son armas, inclusive la plancha. Lo extraño de la imagen es que juega entre los colores alegres y la amenaza eminente de algo terrible. La artista presenta esta obra en el marco de una investigación sobre femicidios que ocurrieron con ese tipo de armas en la co-muna de Pedro Aguirre Cerda en Santiago de Chile.

El titulo de la obra y los artefactos cubiertos establecen una relación de tensiones entre los papeles que se reparten en sociedad. Los tejidos que la artista realiza para los artefactos parecen proteger el potencial criminal que se guarda dentro. Algunas son armas domésti-cas que representan una amenaza, armas semejantes a las que mataron. Por otra parte son revestimientos que guardan memorias colectivas y que protegen la historia del olvido. La violencia no puede ser olvidada aunque sea dolorosa, debe cuidarse con el esmero que sim-boliza el tejido crochet.

Esta obra cuestiona de manera directa la violencia de género en la sociedad contemporánea en todos sus sentidos, no solamente en el ámbito doméstico, y no solamente contra las mu-jeres. Coloca también de relieve las tensiones entre el valor del arte de las mujeres y el valor del arte contemporáneo como una institución dominada por hombres, El crochet es un tejido no industrial que solamente sobrevive en contextos domésticos y tradicionales, realizado gen-eralmente por comunidades de mujeres. El acto de cubrir las armas con un manto de formas y colores kitsch también alude a una tensión entre el pasado y el presente.

Javier Palza

Orgía Fiesta Muerte

Fotogrfia, 2016

La fotografía de Javier Palza apunta para una cualidad temporal de la fotografía que el ojo humano no puede captar sin su ayuda. Al momento de aislar el movimiento este se mantiene en curso indefinidamente. El artista fotografía máscaras de los bailes populares en los que se despliegan movimientos y formas que dejan un rastro temporal. Se especializa en fotografías aéreas y en imágenes en movimiento. Estas últimas se concentran en los personajes que dan-zan con máscaras en fiestas populares bolivianas.

Las fotografía que Palza presenta en la IX Bienal SIART destaca la dimensión hibrida entre la fiesta y la muerte. El artista busca en las máscaras esa doble dimensión que envuelve la reno-vación de la vida y el fin de un ciclo como un movimiento continuo. Pero también como las máscaras en las fiestas promueven el movimiento entre el mundo real y el mundo de los espíri-tus, o de las encarnaciones.

Artemio Narro

Elángelexterminador

Fotogrfia, 2016.

El artista y cineasta Artemio Narro nos confronta con la relación entre la identidad y el espacio. Las fotografías fueron realizadas en lugares que parecen transportarnos a cuentos míticos en el altiplano andino. La máscara de unicornio no sólo contribuye en establecer esas metáforas, sino que también nos sitúan frente a un nuevo paisaje.

El artista usa el impacto de la imagen cinematográfica que también es constructora de mitos modernos. Los mitos generalmente se establecen en ese juego de las máscaras y de los ritos. La máscara que esconde una identidad en el momento que destaca otra. Se trata de aquello que vemos; pero también de lo que no vemos. En esta serie el artista establece un juego con el paisaje andino abriendo la posibilidad de mitos futuros.

Nilbar Gures

Lobo y Oveja

Video, 2011.

La obra de Nilbar Gures se presenta como una video- instalación en la IX Bienal SIART. En una sala oscura se encuentra de un lado la proyección de un video en toda la pared y del otro unos fardos de paja para sentarse y ver el video.

El video muestra el baile y canto de dos niños que juegan a la oveja y el lobo alrededor de fardos de paja. El niño es el lobo y la niña la oveja que se puede distinguir por las máscaras. Ambos cantan realizando movimientos y gestos de un lobo asustando y persiguiendo una oveja. El video se repita una y otra vez.

Por una parte nos lleva a pensar en la inocencia de un juego infantil y por otra nos conduce a pensar sobre la división de los papeles de género en la sociedad, que se amplía en la metá-fora del lobo y a oveja como relaciones de poder y dominación. Las máscaras usadas por los niños aluden a los papeles identitários fijos que la sociedad distribuye en estas relaciones.