Comentarios de Historia Del Arte

7/27/2019 Comentarios de Historia Del Arte

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COMENTARIOS DEHISTORIA DEL ARTE



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1. El Partenón. Arte griego clásico. Arquitectura

La obra de arte que a continuación vamos a comentar representa una de las

manifestaciones artísticas más importantes en la Historia del Arte. Se trata de un templo

realizado en mármol blanco, material que le proporciona cualidades estéticas de belleza,

esbeltez y elegancia. La obra se encuentra en la Acrópolis de Atenas, centro de la civilización

griega.

Llamamos griegos a los pueblos de lengua griega que en el siglo VIII a.C. estaban

instalados en la Grecia continental, en las islas del mar Egeo, en las costas de Asia Menor, del

sur de Italia y de otros lugares del Mediterráneo, hasta la conquista romana en el 130 a. C.

La falta de documentos escritos anteriores al siglo VIII a. C., obligó a analizar los restos

arqueológicos griegos más antiguos, lo cual condujo al descubrimiento de dos civilizaciones:

la cretense o minoica (2200-1400 a. C.) y la micénica (1600-1200 a.C.).

La civilización griega ocupaba parte de la península de los Balcanes, las islas del Egeo,

la zona costera de Asia Menor y Creta. El Mar Egeo se convirtió en un intenso lugar

comercial. Creta se erigió en el centro de una gran civilización urbana llamada minoica,

donde dominaron los ricos comerciantes llamados talasocracia. Tras el 1400 entraron en

declive.

Los griegos de Micenas eran pueblos indoeuropeos que se habían asentado en laGrecia continental a comienzos del II milenio a.C. Los aqueos se asentaron sobre una

población autóctona y crearon una sociedad militar. La expansión micénica desencadenó la

guerra de Troya, narrada por Homero. La civilización micénica llegó a su fin con la invasión

de los dorios.

Tras la invasión de los dorios se produjo en Grecia una época oscura que duró hasta el

siglo VIII a.C.; momento en que comienza el periodo arcaico. Grecia chocó contra los persas

lo que provocó las guerras médicas, con la victoria de los griegos. La organización política se

centraba en las polis y estaba en manos de aristocracias.



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A partir del siglo V a.C. comienza la época clásica, en la que Atenas implanta la

democracia, basada en la participación política de los ciudadanos, con excepciones: mujeres,

extranjeros y esclavos.

En el periodo helenístico (siglos IV-I a.C.) el rey Filipo de Macedonia conquistó las polis

griegas. Con su hijo Alejandro Magno se extendió la cultura griega por su enorme imperio.Los griegos desarrollaron las ciencias, la filosofía, la poesía y el arte. Grecia, y en

especial el mundo helenístico, ellos sentaron las bases de lo que es el arte.

La belleza de este arte griego se fundamenta en la adecuada utilización de medidas,

proporciones y equilibrio. El ser humano y su cuerpo era la base esencial del arte griego, idea

que se retomó en el Renacimiento. Los edificios griegos están proporcionados a la escala del

ser humano. La escultura y la pintura griegas decoraban los edificios públicos y privados. La

arquitectura griega es racional y responde a los principios de proporción y simetría. Su

belleza radica en la relación de todas las partes con el todo; es una arquitectura basada en la

geometría y las matemáticas que se refleja en la utilización de los órdenes arquitectónicos:Orden dórico: sobrio. El fuste de la columna, sin basa, es estriado con aristas. El capitel

está formado por el equino (elemento curvo) al que se sobreponía el ábaco (elemento

rectangular).

Orden jónico: Proporciones esbeltas. Las columnas son más altas y delgadas que las del

orden dórico. El fuste se apoya sobre la basa y el capitel tiene volutas a los lados. A veces se

sustituye la columna por una figura humana llamada cariátide, cuando es femenina, y

atlante, cuando es masculina.

Orden corintio: La columna corintia se asemeja a la jónica por tener basa y capitel de

volutas, pero éste se decora con hojas de acantoLa arquitectura no es tan colosal como la egipcia pero coincide en que usa la sillería y

la arquitectura arquitrabada, aunque conocen el arco. Utilizan piedra, sobre todo mármol

blanco, que junto al bronce también era usado en la escultura. El templo es la construcción

fundamental y la columna el elemento esencial. Los griegos se interesaron por la

planificación urbana de las polis.

El templo griego deriva del megaron o casa micénica. La planta es rectangular, excepto

en los tolos o templos circulares. Está formado por tres partes: La cella o naos, que es la sala

central y capilla del dios. El pronaos o vestíbulo que rodea a la naos por delante. El

epistodomo en la parte posterior. La parte anterior y posterior, a veces también los lados se

rodean de columnas o peristilo. El estilobato es la plataforma sobre la que se colocan las

columnas. El estereobato las gradas para subir al templo. La columna arranca del suelo con o

sin basa; continúa con el fuste, en cuyo extremo superior se sitúa el capitel. Sobre el capitel

se fija el arquitrabado o entablamento que está formado por el arquitrabe, el friso y la

cornisa.

Se hicieron correcciones ópticas en la arquitectura para compensar las deformaciones

de la vista humana. No hay una decoración escultórica recargada. Las columnas siguen los

órdenes clásicos:



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El Partenón se construyó entre los años 447-438 a. C. bajo la supervisión de Fidias. Sus

arquitectos fueron Ictino y Calícrates, que trabajaron durante la esplendorosa época de

Pericles, la segunda mitad del siglo V a.C. En esta época hay un equilibrio de estilos dórico y

jónico. Pericles ordenó construir la Acrópolis cuya supervisión encargó a Fidias. El acceso a la

acrópolis se hacía por una entrada monumental, los Propóleos, para dirigirse hacia elPartenón, el Erecteion y el templo de Atenea Niké. El monumento más significativo es el

propio Partenón, dedicado a la patrona de la ciudad, Atenea. Otras edificaciones son el

templo de Atenea Niké, es un edificio de pequeñas dimensiones de estilo jónico y tetrástilo.

En el norte de la Acrópolis se encuentra el Erecteion, de planta rectangular y pórtico

hexástilo. También destacan en esta época otras edificaciones como el templo de Zeus en

Olimpia, el templo de Segesta en Sicilia y el teatro de Epidauro

El edificio se sitúa sobre una colina elevada y amurallada. Se levanta sobre una

plataforma o crepis formada por tres escalones. El conjunto de los dos primeros se

denomina estereóbato y el último escalón, estilóbato. Desde el estilóbato arrancadirectamente el fuste sin basa de la columna. El fuste, formado por tambores superpuestos,

está decorado por estrías de arista viva. La columna culmina en un capitel formado por una

moldura convexa llamada equino y sobre éste el ábaco, una pieza rectangular, ambas sin

decoración. El fuste está separado del capitel por una moldura anular llamada collarino. Esta

disposición de la columna refleja que se trata del orden dórico del que luego hablaremos.

Sobre el capitel encontramos el entablamento formado por tres cuerpos: arquitrabe, friso y

cornisa. El arquitrabe es liso y sin decoración y sobre él se apoya el friso, formado por

triglifos, compuestos por tres molduras verticales que recuerdan a la arquitectura

arquitrabada de madera más primitiva, y las metopas que son espacios cuadrangularesdecorados con relieves esculpidos. Sobre el friso destaca la cornisa y sobre ella el frontón

triangular en cuyo interior, tímpano, encontramos restos de figuras escultóricas. Es un

templo períptero, ya que está rodeado de columnas y octástilo, porque tiene ocho columnas

en su fachada, y dieciséis más una en los lados laterales.

El templo denota proporción, armonía y simetría sobre todo por las correcciones

ópticas que llevaron a cabo sus arquitectos como el abombamiento hacia la mitad del fuste

de la columna o éntasis, el mayor grosor y separación de las columnas laterales de la fachada

y la ligera curvatura ascendente del estilóbato y del entablamento. Todo ello refleja que es

un edificio religioso realizado a escala humana, en contraposición a la arquitectura egipcia y

mesopotámica de envergadura colosal.

En su interior, la planta está dividida en pronaos, naos donde se encontraba la estatua

crisoelefantina (oro y marfil) de la diosa Atenea Partenos, obra de Fidias; y opistodomos,

donde se guardaba el tesoro del templo. Está construido en mármol blanco del Pentélico y

se eleva con una dirección este-oeste sobre la Acrópolis de Atenas, lugar elevado y

fortificado donde se levantaron los templos dedicados a los dioses griegos más importantes.

En este recinto destacan además los Propileos, el templo de Atenea Niké o el Erecteion.

El relieve es utilizado en la decoración de tímpanos y frisos en templos y altares.

Destaca, en el Partenón, la decoración realizada por Fidias de las metopas del friso que



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representaban las cuatro luchas mitológicas (centauromaquia, la guerra de Troya,

amazonomaquia y gigantomaquia), y en el friso que rodea la cella la procesión de las

Grandes Panateneas, celebración en honor a la diosa Atenea, cada cuatro años.

Como antecedentes a este edificio se posee el megarón micénico o el Templo de la

Concordia de Agrigento en Sicilia, donde ya se observan las innovaciones ópticas. ElPartenón está considerado la cumbre de la perfección arquitectónica griega y a la vez

modelo para la arquitectura posterior, sobre todo renacentista y neoclásica.

El Partenón fue el gran templo que los atenienses, tras derrotar a los persas,

ofrecieron a la diosa Atenea. Su edificación en la época de Pericles fue el inicio de la

reconstrucción de la Acrópolis ateniense, destruida durante las Guerras Médicas. El

Partenón es una síntesis perfecta entre la tradición dórica, robusta, austera y monumental, y

la novedad jónica, que dulcificó sus proporciones y tomó el hombre como medida.

Finalmente, cabe señalar que el Partenón se mantuvo en un estado aceptable de

conservación casi dos mil años, pese a ser destinado a diversos usos: iglesia bizantina y,luego, cristiana, mezquita y, más tarde, polvorín. En 1687 una bomba destruyó ese polvorín y

su explosión arrasó la cella, destrozando algunas columnas. A comienzos del siglo XIX el

inglés Lord Elgin decidió arrancar del templo muchas de las obras escultóricas y llevarlas

hasta su país, donde aún se encuentran hoy, alojadas en el Museo Británico.



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2. Laocoonte y sus hijos. Arte griego helenístico. Escultura

La obra de arte que a continuación vamos a comentar es grupo escultórico del arte

griego compuesto por tres personajes perfectamente interrelacionados por medio de las

serpientes. Está trabajado en un solo bloque de mármol y describe un pasaje de la Eneida del

poeta Virgilio, cuando Laocoonte y sus hijos son atacados por serpientes. Esta escultura

pertenece a la época helenística, probablemente del siglo II a.C. Se trata de una copia

romana, en concreto, es una copia de un original realizado en bronce

Llamamos griegos a los pueblos de lengua griega que en el siglo VIII a.C. estaban

instalados en la Grecia continental, en las islas del mar Egeo, en las costas de Asia Menor, del

sur de Italia y de otros lugares del Mediterráneo, hasta la conquista romana en el 130 a. C.

La falta de documentos escritos anteriores al siglo VIII a. C., obligó a analizar los restos

arqueológicos griegos más antiguos, lo cual condujo al descubrimiento de dos civilizaciones:

la cretense o minoica (2200-1400 a. C.) y la micénica (1600-1200 a.C.).

La civilización griega ocupaba parte de la península de los Balcanes, las islas del Egeo,

la zona costera de Asia Menor y Creta. El Mar Egeo se convirtió en un intenso lugar

comercial. Creta se erigió en el centro de una gran civilización urbana llamada minoica,

donde dominaron los ricos comerciantes llamados talasocracia. Tras el 1400 entraron en

declive.

Los griegos de Micenas eran pueblos indoeuropeos que se habían asentado en la

Grecia continental a comienzos del II milenio a.C. Los aqueos se asentaron sobre una

población autóctona y crearon una sociedad militar. La expansión micénica desencadenó la



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guerra de Troya, narrada por Homero. La civilización micénica llegó a su fin con la invasión

de los dorios.

Tras la invasión de los dorios se produjo en Grecia una época oscura que duró hasta el

siglo VIII a.C.; momento en que comienza el periodo arcaico. Grecia chocó contra los persas

lo que provocó las guerras médicas, con la victoria de los griegos. La organización política secentraba en las polis y estaba en manos de aristocracias.

A partir del siglo V a.C. comienza la época clásica, en la que Atenas implanta la

democracia, basada en la participación política de los ciudadanos, con excepciones: mujeres,

extranjeros y esclavos.

En el periodo helenístico (siglos IV-I a.C.) el rey Filipo de Macedonia conquistó las polis

griegas. Con su hijo Alejandro Magno se extendió la cultura griega por su enorme imperio.

Los griegos desarrollaron las ciencias, la filosofía, la poesía y el arte. Grecia, y en

especial el mundo helenístico, ellos sentaron las bases de lo que es el arte.

La belleza de este arte griego se fundamenta en la adecuada utilización de medidas,proporciones y equilibrio. El ser humano y su cuerpo era la base esencial del arte griego, idea

que se retomó en el Renacimiento.

La cultura griega es antropocéntrica y esto se va a reflejar en su escultura. El cuerpo

humano se convierte en objeto de arte. Las figuras humanas empezaron siendo estatuas

votivas en (época arcaica) y terminaron como obras creadas para una finalidad básicamente

estética (época clásica y helenística).

Los materiales preferentes son el mármol y el bronce. El tema central será la figura

humana: es una escultura antropomórfica que exalta el ideal de belleza que para los griegos

se basa en la armonía y proporción de todas las partes del cuerpo. En la época clásica, elcuerpo humano es idealizado y se realiza un perfecto estudio anatómico.

Las esculturas plasman el movimiento. En los ángulos de los frontones, los artistas

aprenden a doblar la figura y a relacionarla con otros grupos. Además, la escultura es un

estudio de volúmenes, cuidando así todas las perspectivas.

Durante la época clásica, se observa una evolución de la escultura griega. En la época

arcaica (hasta el siglo V a. C.) destacan los Kurós, que representa a los atletas vencedores de

los Juegos Olímpicos y suponen el ideal de belleza masculino. Se caracteriza por presentar

rasgos típicos del arcaísmo como el hieratismo; asimismo, responde a la ley de la frontalidad,

acusa una falta de proporciones y aparece sólidamente asentado en el suelo. Las Koré es el

equivalente femenino. En época clásica (siglo V a. C), a partir del establecimiento de a

democracia en Atenas, el arte gira hacia un mayor humanismo. Destacan: Mirón, Fidias y

Policleto. Se pierde la rigidez de la época arcaica y las figuras adoptan posturas más relajadas

y naturales, reforzados por la aparición del movimiento. El tema central sigue siendo la

figura humana, que ahora se representa con pelo corto y rizado. La composición predilecta

será el contraposto (la figura descansa sobre una pierna y flexiona la otra dejándola en

reposo, se rompe así, la ley de la frontalidad. En la época helenística (siglos IV-III a. C), la

cultura griega se expande en el interior de Asia y Egipto, resultado de las campañas de

Alejandro Magno y la creación de un gigantesco imperio. La técnica sigue siendo perfecta,



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pero se busca menos lo ideal y más lo real y lo concreto. Se inicia así el realismo. Se prefiere

el desequilibrio de los cuerpos retorcidos a las serenas posturas del clasicismo; el

dramatismo en las expresiones de los rostros; aparece la fealdad de monstruos o seres

amenazadores. Aparecen retratos, figuras de gestos violentos y cargadas de expresión.

Formas más complicadas y retorcidas que las clásicas. Se exteriorizan los sentimientos y sebuscan efectos dramáticos.

Laocoonte y sus hijos, como se ha dicho, es la adaptación en mármol de un original de

bronce del comienzo del siglo II a. C. El original sólo lo habrían formado dos figuras, porque

en el relato mitológico griego Laocoonte aparecía únicamente con uno de sus hijos;

probablemente el segundo hijo estuvo añadido para hacer coincidir la escena con la

narración que Virgilio hace en la Eneida.

Laocoonte y sus hijos es la escultura más importante de la escuela de Rodas, que

destacó durante el periodo helenístico.. Los autores son Polidoro, Agesandro y Atenodoro;

no se conocen otras obras de estos autores, ya que lo normal en el helenismo son lasescuelas y no los autores individuales. La escuela de Rodas, junto con la de Pérgamo, se

diferencia de la de Atenas (más clásica) y la de Alejandría (más cotidiana y alegórica) por el

movimiento exagerado, el sentido expresivo hasta lo agónico, complicación formal y

dinámica, dramatismo y patetismo, la acentuación del sufrimiento y el dolor, el gusto por lo

recargado y lo barroco. Otras obras de esta misma escuela son la Victoria de Samotracia, el

grupo del Toro Farnesio o el desaparecido Coloso de Rodas.

Es una escultura exenta o de bulto redondo realizado en mármol pulimentado. La obra

es de un gran dramatismo, es la expresión del dolor. Se prefiere el desequilibrio de los

cuerpos retorcidos a las serenas posturas del clasicismo; el dramatismo se refleja en lasexpresiones de los rostros y en la disposición de los cuerpos; este expresionismo se acentúa

por la disposición teatral de los personajes con sus posturas retorcidas y sus gestos teatrales.

Los tres personajes están interrelacionados y entrelazados por una línea sinuosa y

ondulante formada por la serpiente. Su composición es centrípeta: la tensión va desde el

centro hacia fuera. Su dinamismo y movimiento se acentúa a través de las líneas diagonales

de todo el conjunto. La técnica continua siendo perfecta pero se busca menos lo ideal y más

lo real. Por eso, estas tres figuras son representadas en una lucha brutal por su vida en que

cada músculo está en tensión para escaparse del abrazo mortal. El dramatismo se acentúa

con detalles como por ejemplo a la boca abierta de Laocoonte y las arrugas de dolor de su

cara. El páthos se expresa en el rostro agónico de Laocoonte. Tiene los ojos dilatados,

asimétricos, las cejas con arrugas centrífugas, el frente arrugado y la boca entreabierta. Los

cabellos despeinados en formas centrífugas refuerzan el patetismo de la figura a través de

un lenguaje de gran expresividad realista.

Continúa la preocupación por el estudio anatómico del cuerpo humano que queda

reflejado a través del juego de musculatura perfectamente lograda. Es una obra de gran

fuerza expresiva. El desequilibrio refuerza el movimiento y el ritmo de la obra.



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Esta obra expresa como ninguna del mundo antiguo la cólera de los dioses y los

castigos crueles que éstos pueden poner a los pobres mortales. Simboliza el enfrentamiento

entre las fuerzas poderosas de lo incomprensible y la impotencia humana. En este caso, el

sacerdote troyano de Apolo, es castigado por exhortar a sus compatriotas a no aceptar el

Caballo de Troya como regalo de los griegos; los dioses al ver frustrados sus planes dedestruir Troya, enviaron dos gigantescas serpientes de mar para que se apoderaran del

sacerdote y de sus dos desafortunados hijos y los estrujaran entre sus anillos. En el rostro de

Laoconte se puede apreciar el dolor, no sólo físico, sino el moral al verse impotente y no

poder hacer nada por sus hijos inocentes. Este grupo escultórico representa el desenlace y la

culminación de la historia de Laocoonte, en el momento que las serpientes caen sobre el

sacerdote y sus hijos. Aquí se manifiesta la predilección del helenismo por el movimiento

aplicado a un instante, a un episodio fugaz donde se concentra y se llega al máximo esfuerzo

o dolor.

Esta obra tiene una clara funcionalidad propagandística, en el mundo helenístico lasobras se hacían por encargo de personajes poderosos: monarcas o sátrapas, generales, etc.

También tiene una funcionalidad religiosa, como es el de ver los castigos que se podían

recibir cuando los mortales desobedecían o enojaban a los dioses.

El descubrimiento de este grupo escultórico el 1506 durante las excavaciones de la

Domus Aurea, el palacio de Nerón en Roma, conmocionó los círculos artísticos renacentistas.

El papa Julio II y el escultor Miguel Ángel, entre otros, pensaron que era la obra maestra de

las artes. Su descubrimiento contribuyó a modificar la idea de serenidad y medida que se

tenía en el Renacimiento sobre la antigüedad griega. También El Greco se sentiría atraído e

influiría en su pintura. Incluso la iglesia adoptó el rostro del Laocoonte como prototipo delmártir cristiano por la expresión del dolor. En conclusión, esta obra tendrá una gran

trascendencia en la historia del arte. Actualmente se encuentra en el Museo Pio-Clementino

que pertenece al Museo Vaticano de Roma.



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3. Coliseo. Arte Romano

La obra que se va a comentar pertenece al periodo imperial romano, es una de las

construcciones más conocidas de la arquitectura de este período, que fue el de mayor

esplendor de la civilización romana, cuando llegó a la máxima expansión territorial alrededor

del Mediterráneo o “Mare Nostrum". La sociedad romana tenía, más que la griega, un

sistema de producción esclavista, basada sobre todo en prisioneros de guerra; del gran

número de esclavos obtenían los romanos su gran producción agrícola, artesanal, comercial

y también la producción de las grandes obras de arquitectura e ingeniería; sin este sistema

sería impensable la construcción de estas grandes y numerosas obras. Los que disfrutaban

de ellas eran los ciudadanos romanos que se dividían en dos grupos: los patricios, que eran

la clase dominante, y los plebeyos, que no tenían todos los derechos y privilegios. El

comercio, al igual que los griegos, también fue principal actividad económica, junto a la

continua conquista de territorios, que aportaban no sólo las tierras sino también los

necesarios esclavos.

El origen mitológico de Roma se sitúa en el año 753 a.C.; cuando este lugar era unaaldea formada por pastores donde destacaban los etruscos. A lo largo del siglo VI a.C. los

etruscos transforman esta aldea en una auténtica ciudad. Poco a poco se irá convi rtiendo en

una ciudad Estado independiente. Entre los siglos V, IV y III a.C. Roma pasó a ser un Estado

fuerte. Tras muchos años de lucha con Cartago se convirtió en la primera potencia del

mediterráneo. En la etapa del Imperio se dieron grandes progresos en la planificación

urbana y en la construcción de obras públicas. Se extendió por todo el Imperio el latín y el

Derecho Romano.

En la historia de Roma distinguimos tres grandes periodos: Monarquía, República,

Imperio. La Monarquía abarca desde el 753 a.C. hasta el 510 a.C. La República terminó el año



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27 a.C. El Imperio terminó con la caída de Roma en el 476, cuando fue depuesto el

emperador Rómulo Augústulo por su rival ostrogodo Odoacro.

La arquitectura en el arte romano adquiere un carácter utilitario. Predomina la

arquitectura civil donde destacan arcos de triunfo, puentes, acueductos, termas, y edificios

para el ocio. Fue importante el desarrollo del urbanismo. La pintura y la escultura sesubordinan a la arquitectura. En la arquitectura religiosa destacó el templo y la basílica.

De los etruscos heredaron el arco y la bóveda. El arco se utilizó para la construcción de

puentes y acueductos. La bóveda para cubrir edificios públicos. Los órdenes arquitectónicos

son los mismos que utilizó Grecia: dórico, jónico y corintio, sobre todo este último. Además

introducen el toscano –versión del dórico- y el compuesto –unión del dórico y el corintio-.

Como principales elementos de construcción utilizaron el mortero –arena, cal, agua,

cantos rodados-, de gran consistencia. También utilizaron el ladrillo, mármol y granito.

La ciudad romana adopta el esquema de organización del campamento militar. Tiene

dos grandes ejes: el cardo máximo –eje norte sur- y el decumano –eje este oeste-. Las callessiguen el modelo de cuadrícula de Hipódamo. En el cruce de las dos calles principales estaba

el foro, centro de la vida urbana.; en él había edificios religiosos y civiles.

Las casas romanas se derivan de las etruscas, con un patio central alrededor del cual se

organizan las habitaciones. Hay dos tipos de viviendas: las domus para familias acomodadas,

y las insulae, casa de vecinos populares. Además existían las casas de campo o villas.

El templo romano estuvo relacionado con el etrusco. Más tarde se vio influido por el

arte griego. En época imperial el templo romano, debido al culto a los emperadores, dejó de

tener el mismo interés que el griego y dejó de ser la principal edificación.

Los romanos eran aficionados a los espectáculos públicos. Tres son los edificiosdestinados al ocio: el teatro, el anfiteatro - se cometían barbaridades contra la dignidad

humana como las luchas entre gladiadores- y el circo –carreras de caballos o de carros-.

El teatro en Roma adopta la misma planta que el griego, pero con una importante

novedad: la orquesta disminuye de tamaño y se hace semicircular. Destaca el teatro de

Mérida del año 18 a.C.

El anfiteatro era el edificio destinado a las luchas entre gladiadores y a espectáculos

con animales. Solía ser de planta elíptica. El suelo de arena estaba rodeado de gradas. En un

nivel subterráneo estaba el foso, de donde salían fieras y gladiadores. En alguna ocasión la

arena se llenaba de agua para recrear batallas navales: las naumaquias. El más antiguo que

se conoce es el de Pompeya. El más importante por sus dimensiones es el de Roma, llamado

el Coliseo. En España destaca el anfiteatro de Mérida, del siglo I a.C., y, como posteriores, el

de Italica en Sevilla, y el de Tarraco en Tarragona.

El circo tenía una forma y función similar al estadio griego. Su planta suele ser

rectangular y está rodeado de gradas para los espectadores. Uno de sus lados más estrechos

termina en forma circular, mientras que el otro es recto. En Roma el mejor ejemplo es el

circo Máximo, mientras que en España destaca el circo de Mérida, del siglo IV.

Los monumentos conmemorativos se erigían para celebrar victorias militares en honor

a algún emperador. El más característico es el arco del triunfo, utilizado como una puerta de



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entrada a la ciudad. Puede ser de un vano o de tres. En el áticus, o parte alta del arco, se

hallaba escrito el nombre del emperador al que se dedicaba. Destacan el arco de Tito, del

siglo I, y el de Trajano. Como ejemplo de arco de tres vanos están el arco de Constantino y el

de Septimio Severo, ambos en Roma.

Las columnas también se utilizaban para conmemorar hechos históricos. Destaca lacolumna Trajana, Tiene 30 metros y muestra en un relieve helicoidal la campaña del

emperador contra los dacios. Está rematada con una estatua del emperador Trajano.

La obra que estudiamos originalmente era denominada Anfiteatro Flavio, en honor a la

Dinastía Flavia de emperadores que lo construyó, y pasó a ser llamado Coliseo por una gran

estatua ubicada junto a él, el Coloso de Nerón, no conservada actualmente. Fue iniciada por

el emperador Vespasiano en el 77 d. C., en plena época imperial, e inaugurado por su hijo

Tito en el 80 d. C. Su autor es desconocido.

El exterior de esta obra arquitectónica nos presenta cuatro cuerpos bien diferenciados:

en los tres primeros se abren arcadas y en el último unas pequeñas ventanas. Comoelementos sustentantes, en los tres primeros cuerpos, vemos los muros en los que se abren

huecos con arcos de medio punto y entre los arcos semicolumnas adosadas de estilo dórico-

toscano en el primero, jónico en el segundo y corintio en el tercero; el último cuerpo, más

macizo, presenta pilastras. La separación de cada cuerpo se hace por medio de

entablamentos y cornisas.

En el interior, con capacidad para unos cincuenta mil espectadores, la cávea o gradería

se dispone en tres pisos comunicados por corredores abovedados. Debajo de la arena hay

toda una infraestructura de subterráneos donde se guardaban las jaulas de las fieras y las

armas de los gladiadores; enfermerías y depósitos de cadáveres etc. El piso de la arenasituado encima de los subterráneos era de madera y por medio de máquinas se elevaban a la

escena las fieras.

El material de construcción es la piedra (travertino), dispuesta en sillares, el hormigón

y el ladrillo. En los tres primeros cuerpos predomina el vano sobre el macizo, en la que

parece infinita sucesión de arcos. La planta helicoidal junto a las arcadas le da una sensación

dinámica al conjunto.

La época imperial fue el periodo de mayor esplendor de la civilización romana, cuando

llegó a la máxima expansión territorial alrededor del Mediterráneo o “Mare Nostrum". La

sociedad romana tenía, más que la griega, un sistema de producción esclavista, basada sobre

todo en prisioneros de guerra; del gran número de esclavos obtenían los romanos su gran

producción agrícola, artesanal, comercial y también la producción de las grandes obras de

arquitectura e ingeniería ya citadas; sin este sistema sería impensable la construcción de

estas grandes y numerosas obras. Los que disfrutaban de ellas eran los ciudadanos romanos

que se dividían en dos grupos: los patricios, que eran la clase dominante, y los plebeyos, que

no tenían todos los derechos y privilegios. El comercio, al igual que los griegos, también fue

principal actividad económica, junto a la continua conquista de territorios, que aportaban no

sólo las tierras sino también los necesarios esclavos.

http://es.wikipedia.org/wiki/Dinast%C3%ADa_Flavia

http://es.wikipedia.org/wiki/Coloso_de_Ner%C3%B3n

http://es.wikipedia.org/wiki/Coloso_de_Ner%C3%B3n

http://es.wikipedia.org/wiki/Dinast%C3%ADa_Flavia



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Como ya se ha dicho, este tipo de arquitectura era de tipo funcional. En este caso

estaba destinada al ocio y a los espectáculos como batallas navales (naumaquias) y luchas de

gladiadores.

Por otra parte, el Coliseo también fue escenario del martirio de los primeros

cristianos, en los inicios de una religión que terminaría por convertirse, años más tarde, en lareligión del imperio con Constantino. Emperadores y patricios no tenían remilgo alguno en

disponer de vidas de esclavos y prisioneros, en muchas ocasiones en condiciones atroces,

para entretener a los ciudadanos.

Roma había comenzado siendo una Ciudad-Estado situada en el centro del

Mediterráneo para luego construir un vasto imperio que va a asumir la cultura griega: su

estética, su pensamiento, su lógica y raciocinio. Roma fue fundada por los latinos en el 753

a.C. y se siente cautivada por el refinamiento y la belleza griega. Cuando conquista Grecia a

partir del siglo II a. C, cargamentos enteros de escultura y de elementos arquitectónicos

griegos, se trasladan a Roma, con ellos llegan también artistas que pronto tendrán unapoderosa clientela. Gracias a las copias que realizan estos artistas, conocemos mejor la

escultura griega. Como hemos visto, el arte romano puede considerarse con un continuador

del griego, pero con una personalidad propia, que viene dada principalmente por su carácter

práctico y utilitario, que se reflejó sobre todo en la arquitectura.

Roma hereda de Grecia los principios de su arquitectura, pero añadiendo su espíritu

práctico. En la arquitectura romana se funden los sistemas arquitrabados griegos con las

soluciones en arco y bóveda. A diferencia de Grecia, es más importante es espacio interno

que el exterior, la captación y modelación de ese espacio. La estructura del anfiteatro

podemos decir que viene de la unión de dos teatros, cuya estructura original la encontramosya en Grecia, aunque aquí no eran edificios exentos, sino pegados a las laderas de un

terreno, aprovechando su desnivel para hacer su graderío.

Roma heredó de los etruscos, como ya se dijo, el arco y la bóveda.

Los consecuentes de la arquitectura romana los podemos encontrar occidental hasta

nuestros días: desde el Románico, como su propio nombre indica, hasta el Renacimiento, el

Barroco, el Neoclasicismo, etc.



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4. Mezquita de Córdoba. Arte islámico

La obra objeto de análisis es una arquitectura, concretamente el interior de un edificio

de función religiosa (sala de oración o haran) perteneciente al mundo musulmán: la

Mezquita de Córdoba.

Tras la muerte de Mahoma (632) se produce un proceso de expansión política y

religiosa de la civilización islámica más allá de la península arábiga, hacia el norte de África y

la Península Ibérica y hacia oriente llegando a la India. Todo ello determina una cultura

homogénea fuertemente influida por los pueblos que domina. La capacidad de adaptación y

de síntesis que tiene el Islam, da como resultado una nueva expresión artística, un arte

ecléctico, es decir, una mezcla de estilos artísticos. Este arte ecléctico en la parte occidental

de su Imperio, en el Al-Ándalus da como resultado un arte islámico que mezcla elementosclásicos, bizantinos, griegos, romanos e incluso de pueblos bárbaros como los visigodos,

junto con elementos islámicos.

El arte islámico se debe interpretar desde un punto de vista religioso propio de una

sociedad teocéntrica como es la musulmana donde el poder político y religioso recae en la

misma persona. La cultura musulmana está impregnada de religiosidad hasta el punto de no

existir diferencia entre lo laico y lo sagrado. Esta mentalidad se refleja en la expresión

artística que deja ver la fe y su concepto de divinidad, así, como el influjo que sobre la vida

del creyente ejerce el Corán, libro sagrado del Islam. Entre las consecuencias que tiene sobre

el arte esta concepción religiosa de la vida se encuentra en que el arte musulmán esiconoclasta. No es posible conocer la imagen de Dios y por ello su representación resulta



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imposible. Tampoco se conciben otras imágenes porque en el Islam sólo Dios es la única

esencia de su religión. Por tanto estamos ante un arte simbólico e idealizado que no

pretende reflejar la realidad. El arte islámico pretende acercarse al misticismo, a la

experiencia religiosa y por ello deforma la realidad en forma de imágenes geométricas, en el

uso de formas estilizadas, incluso en representaciones esquemáticas, pero nunca reales nifigurativas.

Los árabes llegaron a la Península en el 711, logrando dominarla, debido en parte a los

problemas internos del Reino Visigodo. Casi toda la Edad Media en España se caracterizó por

los enfrentamientos entre cristianos y musulmanes, fenómeno conocido con el nombre de

Reconquista. La ocupación musulmana pasó por diferentes etapas: Emirato dependiente de

Arabia (711-756); Emirato independiente (756-929); Califato de Córdoba (929-1031), periodo

de máximo esplendor; Reinos de Taifas, que se forman tras la desintegración del Califato,

con dos periodos: Almorávide y Almohade (siglos XI al XIII); Periodo del Reino Granada hasta

finales del siglo XV, cuando fue conquistado por los Reyes Católicos, finalizando así eldominio musulmán en España.

Políticamente, primero los Emires y luego los Califas, controlaron todos los poderes en

Al-Ándalus, centralizados en Córdoba hasta la desintegración del Califato. Socialmente

convivieron en la Península diferentes culturas y grupos étnicos: cristianos, musulmanes y

judíos. (Conviene distinguir entre mozárabes, muladíes y mudéjares). La base de la economía

era el comercio, la artesanía y la agricultura. La ciudad se convirtió en el centro de

intercambios y mercancías; la parte principal era la Medina, donde se localizaba el zoco y la

mezquita; por fuera estaban los arrabales donde se asentaba la población según las

diferencias étnicas y religiosas.La obra objeto de análisis pertenece al arte hispanomusulmán del periodo del Emirato

y del Califato. Las características básicas son que lo esencial es la arquitectura, quedando la

escultura y la pintura relegadas a un segundo plano por cuestiones religiosas. Las principales

construcciones fueron las mezquitas y los palacios.

No es una arquitectura original, exceptuando la decoración. Generalmente los árabes

aprovechaban elementos arquitectónicos de los pueblos dominados. En España, por

ejemplo, el arco de herradura ya lo habían utilizado los visigodos.

La arquitectura islámica como toda su producción artística es ecléctica. Los edificios

suelen tener poca altura y están en armonía con el paisaje. Tal vez donde mejor se aprecia el

eclecticismo es en el arte desarrollado en el Al-Ándalus, la parte más occidental del Imperio

islámico.

Los materiales utilizados en las construcciones son pobres como el ladrillo, yeso,

estuco (cal, polvo de mármol y yeso). Es una arquitectura en la que se aprecia un gran

contraste entre la pobreza exterior sencilla y simple, y el interior ricamente decorado.

Hablar de arquitectura islámica es hablar preferentemente de espacios cúbicos en los

que sobresalen unas semiesferas, las cúpulas. Utiliza como elementos sustentantes

columnas y pilares que son delgados pues las techumbres que soportan son ligeras.



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Utilizan diversas bóvedas: bóvedas de crucería, bóvedas gallonadas y las bóvedas

caladas que están llenas de fantasía. Así, como diversos tipos de arcos: por influencia del

arte visigodo utilizan el arco de herradura, además de los arcos polilobulados y los arcos de

herradura apuntados.

El arte islámico está íntimamente ligado a la religión y ésta prohíbe la representaciónde la figura humana. Estamos ante un arte iconoclasta. La realidad se deforma en imágenes

geométricas, en formas estilizadas, y epigráficas (versos del Corán escritos con trazos rectos

o cursivos) pero nunca reales ni figurativas. Todo ello produce un gran desarrollo de los

recursos ornamentales: juego de luces y de sombras, a través sobre todo de celosías y juego

de brillos logrado a través de la cerámica. Disposición repetitiva de los elementos

decorativos que se multiplican hasta el infinito. La repetición, unida a la densidad

ornamental (horror vacuii) produce efecto de movilidad y agitación espacial que generan

juegos de fantasía, formas abstractas. El interés por reflejar la naturaleza lleva a los artistas a

dominar las líneas y los colores.Elementos básicos de esta decoración son: la caligrafía, los motivos vegetales y los

geométricos. Se diferencia dos tipos de escritura: la cúfica (signos angulosos y sobrios) y la

nasjí: rasgos más libres y cursivos.

La mezquita se localiza en Córdoba. Las obras se iniciaron en el siglo VIII sobre el solar

de la antigua basílica visigoda de San Vicente, de la que se aprovecharon algunos elementos,

pero fue ampliándose en los siglos posteriores. La mezquita consta de las siguientes partes:

El patio, a cielo descubierto y rodeado de arquería. En él se sitúa la fuente de

las abluciones, donde los musulmanes se lavan los pies antes de entrar a la

mezquita.

El alminar o minarete. Es la torre desde donde se llamaba a los fieles a la

oración.

La gran sala de oración o haran. Está dividida en diecinueve naves, separadas

por columnas y pilares superpuestos, orientadas perpendicularmente hacia la

quibla, muro que da al sur, en dirección a La Meca.

El Mihrab. Es una capilla situada en la quibla, Estaba ricamente decorada, ya

que era un lugar destinado al califa.

La macsura. Es el espacio situado frente al Mihrab, habitualmente cercado por

motivos de seguridad para aislar por motivos de seguridad al Califa y su familia.

La parte más antigua se debe a Abd Al Rahman I. Constaba de once naves separadas

por columnas aprovechadas y pilares superpuestos unidos por una doble arquería. Comienza

su construcción en el siglo VIII. Sus sucesores fueron ampliando su recinto, para dar cabida a

una población cada vez más numerosa. En su construcción se aprovecharon tramos de

muros de una iglesia que ocupaba ese mismo espacio y numerosas columnas visigóticas e

incluso romanas. El Haram o sala de oraciones es prácticamente cuadrado y consta de once

naves perpendiculares a la quibla, que mira al Sur en vez de al Este; algo típico en las

mezquitas hispanomusulmanas. En el interior aparece como novedad un nuevo sistema desoportes para resolver el problema de la altura y la luminosidad: superposición de soportes,



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columnas en la parte inferior y pilares encima situados sobre una pieza cruciforme con

modillones de rollo, unidos por arcos de herradura sobre los que se superpone en la parte

superior un arco de medio punto. Estos arcos alternaban dovelas de colores rojo y blanco

que produce un bello efecto decorativo.

La primitiva mezquita fue ampliada varias veces: la primera por Abd Al Rahman II (833-848). La ampliación realizada por este en el siglo IX derriba el antiguo muro de la quibla y

prolonga la longitud de las naves hacia el sur. En el siglo X Abd Al-Rahmán III amplia el patio

o sah, lo dota de pórticos y construye el alminar de planta cuadrada.

Es ampliada nuevamente por Al-Hakam II en el siglo X quien realiza la reforma más

importante. Derriba el antiguo muro de la quibla y amplia la longitud de sus naves hacia el

sur. Para resaltar el espacio construye cuatro cúpulas gallonadas, tres en línea frente al

mihrab y la cuarta sobre la nave central. El actual mihrab y la maxura con su extraordinaria

cúpula, decorado todo con mosaicos bizantinos de tema epigráfico y vegetal. Se combinan

arcos polilobulados, que se entrecruzan y se superponen en el aire.El muro de la quibla se construye doble, con cinco habitaciones a ambos lados del

mihrab. Dicho mihrab es octogonal, decorado con mármol y revestido de mosaicos.

La última reforma es realizada por Almanzor en el siglo X. Amplió hacia el este ocho

naves con las que suman un total de 19 naves. Esta ampliación ocasionó la pérdida de la

posición central que tenía el mihrab.

Con la conquista de Córdoba por los cristianos, la mezquita se convirtió en templo

cristiano, y en el siglo XVI, empezó a construirse la Catedral de Córdoba en el mismo corazón

de la Sala de Oración.

Junto a la mezquita de Córdoba, otras construcciones importantes del artehispanomusulmán fueron la Torre del Oro, antigua albarrana o fortaleza defensiva para la

defensa de la ciudad. La Mezquita de Sevilla de la que sólo queda el alminar (La Giralda),

ambas de la época de los almohades; y la Alhambra de Granada, palacio residencia de los

reyes granadinos, perteneciente al periodo nazarí.

Casi toda la Alhambra está hecha con materiales pobres como la mampostería, el

ladrillo, el yeso y entramados de madera cubiertos de yesería. La decoración cubre esa falsa

arquitectura. El arco más frecuente es el de medio punto peraltado, cairelado con finísimos

lóbulos: las dovelas quedan ocultas tras el ornato. Los arcos de colgadura se decoran con

mocárabes.

El arte granadino crea un tipo de columna muy fino y con capitel precedido de varios

collarinos. Este capitel se compone de un cuerpo cilíndrico decorado con cinta continua y

ondulada, y de otro cúbico encima, decorado a veces con mocárabes.

Para cubrir el edificio emplearon la madera y el yeso. Las paredes de la Alhambra están

colmadas de inscripciones: zócalos alicatados, paredes cubiertas de yesería a base de

atauriques, lacerías y motivos epigráficos, armaduras de las más variadas formas, etc.

constituyen los principales elementos decorativos de este edificio.



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Rasgo curioso es la perforación de los muros. La ligereza del yeso permite tratar las

paredes como celosías. Todos los motivos se pintaban de vivos colores, adquiriendo una

mayor luminosidad gracias al uso del dorado, dando así una sensación de riqueza.

Como residencia veraniega, los monarcas granadinos construyeron El Generalife,

situado frente a la Alhambra. Venía a ser una especie de mirador, desde donde secontemplaba el paisaje. En este palacio se mezclaba el agua y la vegetación; lo importante

eran los jardines y las fuentes que dieron a este monumento su verdadera fama.

Para la construcción de esta obra se empleó la piedra labrada en forma de sillares,

construyéndose los muros con arreglo al sistema de a soga y tizón utilizado por los romanos.

También se utilizó el ladrillo, la mampostería, la madera y el yeso para la decoración. En

general, los árabes empleaban materiales pobres cubiertos de yeserías, pero en la mezquita

usaron la piedra, lo que nos denota la importancia económica de Al Andalus durante la

época del Emirato y del Califato de Córdoba.

Los elementos sustentantes que se observan en la sala de oración son las columnas ylos pilares superpuestos. Las columnas son de fuste delgado, con capiteles corintios, algunos

de ellos aprovechados de una construcción anterior, la Basílica visigoda de San Vicente. Para

conseguir mayor elevación superpusieron a las columnas unos pilares. Todo el conjunto está

trabado por una doble arquería: la de encima, que sostiene el techo, está formada por arcos

de medio punto; la de abajo, por arcos de herradura, cuya finalidad es trabar los pilares

entre sí y evitar el derrumbamiento de las naves.

En el exterior se utilizó el muro, reforzado con contrafuertes y ordenado según el

sistema romano de a soga y tizón.

Los principales elementos sustentados son los arcos, las bóvedas y las pequeñascúpulas para cubrir pequeños espacios. Los arcos utilizados fueron muy variados,

destacando los de medio punto y herradura explicados anteriormente, los de herradura

apuntados, los lobulados, los mixtilíneos, etc. Muchos de esos arcos cumplen función

arquitectónica, pero otros simplemente decoran. Era costumbre entre los arquitectos

musulmanes la decoración de las dovelas; en la sala de oración se observa la alternancia del

blanco y el rojo (piedra y ladrillo respectivamente) o superficie lisa y superficie decorada con

atauriques. También solían enmarcar determinados arcos en un alfiz, decorando las

albanegas, como ocurre en la entrada del Mihrab. La cúpula del Mihrab es gallonada y está

decorada con mosaicos bizantinos. La de la macsura está formada a base de arcos que se

cruzan dejando oquedades a modo de celosías que luego se rellenan.

En la Sala de Oración de la mezquita podemos comprobar que en los muros predomina

claramente el macizo. Esta situación, unida a la amplitud de la Sala, provoca una gran

oscuridad en el interior.

En la mezquita se utilizó una exquisita decoración, realizada con yesería formando

arabescos: (atauriques, lacerías, epigrafías).También destacan los modillones en rollo en el

arranque de los pilares, arcos entrecruzados en la macsura, dovelas de colores o decoradas,

mosaicos en las cúpulas, etc.



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La función de la mezquita es religiosa, el lugar sagrado donde acudían los musulmanes

para hacer la plegaria en común. Por lo tanto, es el centro de oración y religioso por

excelencia de los musulmanes.

El arte árabe nace en el Próximo Oriente, recogiendo la influencia de Roma y Bizancio,

extendiéndose con rapidez y alcanzando un amplio desarrollo geográfico. Esta amplitudgeográfica y el no tener en un principio un estilo propio, serán los dos condicionantes que

influyen en las aportaciones que los pueblos conquistados tienen sobre el arte árabe. Dentro

del Islam existe diversidad de escuelas según las regiones, con caracteres propios, pero hay

algo que las une: la religión, que impone una serie de directrices en el arte musulmán.

Como consecuentes podemos hablar del arte mudéjar, desarrollado por los arquitectos

árabes que permanecieron en territorio cristiano después de la Reconquista; la arquitectura

románica en España también recibe cierta influencia del arte árabe. En el siglo XIX,

concretamente en la época del Romanticismo, tras el descubrimiento del ferrocarril y el

barco a vapor que permitía viajar a países lejanos, muchos intelectuales y artistas seinteresaron por las culturas exóticas (árabes, hindúes) copiando o imitando edificios

inspirados en la arquitectura árabe. También muchos arquitectos volvieron la vista a la Edad

Media para recuperar estilos como el románico, el gótico o el mudéjar (neomudéjar). Es la

arquitectura historicista que luchaba contra la arquitectura ingeniería de la época industrial.

En los países árabes se siguen construyendo mezquitas similares a las medievales.



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5. Planta y alzado de la Catedral de Santiago de Compostela.

Arte Románico

La obra que se va a comentar pertenece al alzado y a la fachada de una de las

construcciones más destacadas del románico en España

El románico en su apogeo se encuentra entre los siglos XI y XII, para muchos

historiadores está considerado el primer estilo europeo, ya que hay más elementos comunes

que divergentes. Sin embargo, no hay que obviar las diferencias regionales europeas con sus

particularidades.

El arte románico surge en la Alta Edad Media en Europa. En este período, entre lossiglos IX al XIII, el sistema social es el feudalismo, de carácter rural. La sociedad feudal era

estamental. Estaba constituida por tres grupos: nobleza, clero y campesinos.

La cultura de la época se centraba en torno a los monasterios. El monacato llegó a

Occidente a través de San Benito que en el siglo VI fundó la abadía de Montecasino. Y dio a

sus monjes una regla basada en la oración y el trabajo. La Iglesia tuvo un importante papel

cultural y pacificador; aunque también difundió el espíritu de las cruzadas para recuperar

países cristianos y los Santos lugares.

Una práctica común fueron las peregrinaciones, especialmente a Jerusalén, a Roma y a

Santiago de Compostela, principal centro de peregrinación europeo en el siglo XII.



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Entre los siglos X y XII se producen las reformas cluniacense y cisterciense. La reforma

cluniacense se origina en la abadía de Cluny (Francia, Borgoña) en el año 910, desde se

expandió el primer arte románico por toda Europa. Se centraron en la liturgia y la oración.

En los siglos XI y XII salieron formados príncipes, papas y obispos.

En 1098 el abad de Molestes quiso restablecer la austeridad primitiva de la regla deSan Benito y se retiró al monasterio de Citeaux. Siguiendo las directrices de San Bernardo de

Claraval, esta reforma promueve el retorno a la pobreza absoluta y a la austeridad. Este

espíritu se relejó en el arte.

La arquitectura románica es ante todo una arquitectura religiosa definida por dos

principios: la monumentalidad y la perdurabilidad. Se pretende que sea perdurable puesto

que la religión cristiana se considera una religión eterna y por ello sus edificios también

deben serlo. El románico construye en piedra, incluso son de piedra sus bóvedas lo que

obligará a adoptar nuevas técnicas constructivas para poder sostener sus techumbres

pesadas. Es por tanto una arquitectura sólida y duradera. Es también una arquitecturamonumental pues responde al interés por imitar los grandes edificios romanos.

Como planta más común tenemos la basilical, con crucero destacado o no en planta y

cabeceras de ábsides semicirculares. Progresivamente este modelo de planta basilical irá

agrandando el crucero, hasta configurar la planta de cruz latina, característica de la

arquitectura medieval. Las peregrinaciones afectarán a la evolución de las plantas, obligando

a la construcción de girola o deambulatorios, que permitieran el tránsito de los fieles, y la

multiplicación de capillas y altares para realizar más misas simultáneamente. Una variante

poco común serán las iglesias de planta centralizada, normalmente circular u octogonal.

Todo el conjunto mira a hacia la cabecera orientada hacia el este. Es aquí donde se celebra laeucaristía.

La obra comentada, planta y alzado de la Catedral de Santiago se encuentra en la

ciudad de Santiago de Compostela, provincia de A Coruña, en Galicia.

Se han encontrado referencias a algunos maestros constructores franceses de

nombres Bernardo y Roberto, y a discípulos de estos, el maestro Esteban y Bernardo el

Joven, sin olvidar al maestro Mateo a quien se le ha atribuido la realización del Pórtico de La

Gloria.

La planta es de cruz latina con gran proporción y armonía. Un nártex antecede a las

tres naves longitudinales, la central es doble de ancha que las laterales, cortadas por el

transepto, que a su vez se divide en otras tres naves, con dos absidiolos en cada brazo de la

cruz y en ellos dos portadas, y sobre el crucero una cúpula.

Las naves laterales se prolongan en la cabecera del templo dando lugar a la girola,

donde existen cinco capillas radiales.

La bóveda de la nave central es de cañón y las bóvedas de las naves laterales son de

aristas. Como elementos sustentantes destacan los pilares compuestos, los muros macizos y

los grandes contrafuertes. La portada principal queda enmarcada en dos torres de base

cuadrada.



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En el alzado se distinguen dos alturas o plantas: La primera planta corresponde a la

nave lateral cubierta por una bóveda de aristas. En la segunda planta se aprecia una tribuna,

elevada sobre una gran arcada de medio punto que separa la nave central de la lateral,

sustentada sobre pilares con columnas adosadas.

Destacan las columnas que se prolongan por ambas plantas e inician los arcos fajones,que sostienen la bóveda de cañón de la nave central.

La tribuna recorre el templo permitiendo una mayor capacidad de acogida de

personas, que pueden asomarse a la nave central y seguir los oficios religiosos a través de los

grandes vanos de medio punto, divididos a su vez por dos columnas pareadas.

Otros aspectos importantes a considerar: los sillares de piedra como material

empleado en la construcción; la oscuridad del edificio a pesar de su grandiosidad, debida

ésta a las técnicas constructivas empleadas, las ventanas son estrechas y no dejan pasar

suficientemente la luz.

La catedral por todo lo anteriormente descrito se encuadra en el estilo románico, y porsus dimensiones se adscribe a las iglesias de peregrinación. Esta expresión artística es

eminentemente religiosa, rural y ligada a los monasterios, salvo el tipo de iglesia de

peregrinación que se puede encontrar en lugares o ciudades determinadas. Sus

características son:

La planta de cruz latina, tres naves en sentido longitudinal cortadas cerca de la

cabecera por otra u otras naves transversales, el transepto, que forman los brazos de la cruz.

El lugar donde se cruzan las naves es el crucero lugar donde se suele colocar una cúpula o un

cimborrio. El ábside, en la cabecera, es de forma semicircular, en las grandes iglesias suele

presentar un deambulatorio o girola.

Las cubiertas románicas son abovedadas, utilizándose el arco de medio punto, que

dará lugar a la bóveda de cañón. Además, el cruce de dos bóvedas de cañón dará lugar a la

bóveda de aristas y, para cerrar el espacio del crucero se recurrirá a las trompas o las

pechinas que soportarán el peso de la cúpula o del cimborrio.

Los soportes son diversos: en el exterior, los contrafuertes, macizos pilares que

apuntalan los muros gruesos que han de cargar las enormes presiones de las cubiertas; en el

interior, los pilares compuestos a los que se adosan columnas, algunas de ellas recogen los

arcos fajones que refuerzan el peso de la bóveda.

Los interiores son oscuros debido a los estrechos y escasos vanos, ya que el muro no

se puede abrir porque se debilitaría. Los maestros arquitectos idearon un sistema de

ventanas abocinadas, que se abren de forma oblicua hacia el interior, mientras que vistas

desde el exterior son estrechísimas, convirtiéndose en saeteras.

Las portadas reúnen el máximo interés decorativo y se encuentran representados los

dogmas cristianos.

El templo tenía la función de congregar a una inmensa multitud de fieles que llegaban

desde toda Europa para rezar ante la tumba del Apóstol Santiago. El templo tiene, como

todos los medievales una simbología. Ejemplo, la orientación de la construcción: la cabeceraestá orientada hacia Oriente y representa el nacimiento de la luz divina; la fachada principal,



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orientada al Occidente representa el ocaso; el crucero es el tránsito de la vida; la fachada

norte representa el frío y lo oculto; la fachada sur, la calidez y el optimismo. Otro ejemplo es

su carácter didáctico y la disposición de los personajes, ante una sociedad analfabeta, las

imágenes en las portadas, capiteles y pinturas murales instruía a los fieles.

Los antecedentes históricos de la catedral se localizan en el siglo IX, cuando el reyasturiano Alfonso II el Casto mando construir una basílica sobre los restos olvidados de una

tumba romana descubierta siglos antes, de la que se decía que guardaba los restos del

Apóstol Santiago. La basílica sirvió para unir los territorios del rey ganados a los

musulmanes, y Santiago se convirtió en lugar de peregrinación de los europeos. No

obstante, la basílica fue destruida por Almanzor, por lo que fue construida de nuevo bajo el

impulso de los obispos Diego Peláez (s. XI) y Diego Gelmírez (s. XII).

Los antecedentes estilísticos se encuentran en los monasterios, abadías y basílicas

construidas en estilo románico por los monjes de Cluny quienes lo difundieron a través del

Camino de Santiago. Se han encontrado similitudes entre las iglesias de peregrinaciónfrancesas y Santiago, no solo en las plantas, sino también en las portadas. Así, se le relaciona

con San Martín de Tours y Saint Sernin de Toulouse. La catedral es uno de los mejores

ejemplos del románico europeo.



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6. Catedral de Notre Dame (Fachada). Arte Gótico

La obra que se va a comentar es una de las más destacables de toda Francia del arte

gótico y símbolo ineludible de su capital. Su fachada, de orientación Oeste, mira hacia la

plaza Notre Dame, que alberga el punto cero desde el que se cuentan todas las distancias del

país.

El gótico se desarrolla entre mediados del siglo XII y principios del siglo XVI, salvo en

Italia, donde el Renacimiento se inicia a principios del siglo XV.

A partir del siglo XII Europa occidental asiste a un progreso generalizado que implica lasuperación de la etapa feudal en varios aspectos.

El siglo XII supone importantes transformaciones: se produce un aumento de la

producción agrícola gracias a los avances técnicos y a la extensión de las roturaciones. La

generación de excedentes agrarios, reactiva el comercio, y el crecimiento de las ciudades

(burgos). Europa se vuelve a poblar de ciudades. El gótico se ve favorecido por una intensa

actividad urbana y comercial, que convertirá a las ciudades en potentes focos culturales. Es

aquí donde aparecerán las universidades que poco a poco se liberarán de la tutela de la

Iglesia y se abrirán a todos los ciudadanos.

La actividad comercial es potenciada a partir del siglo XIII, tras las Cruzadas quepermiten abrir nuevas rutas comerciales hacia oriente hasta entonces en manos

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musulmanas. Se desarrolla un comercio creciente y una industria artesanal que se concentra

en las ciudades. En ellas se van configurando los gremios y los burgos.

La mayor parte de la población seguía siendo campesina, mientras la nobleza y el clero

formaban un estamento privilegiado. La Iglesia creó órdenes más apropiadas a las ciudades.

Surgen en el siglo XIII los dominicos y los franciscanos, fundados por Santo Domingo deGuzmán y San Francisco de Asís respectivamente. Aparece una burguesía urbana, una nueva

clase triunfante que desarrollará un arte urbano, de una sensibilidad más realista y más

naturalista. El edificio más emblemático será la catedral.

En lo político se prefiguraron los estados modernos. La guerra de los cien años 1339-

1453 consolidó Francia e Inglaterra. España se encaminaba a la unificación tras las sucesivas

victorias sobre los reinos musulmanes. Los monarcas, apoyados por la burguesía,

aumentaron su poder, dominando a la nobleza.

Con el desarrollo de las ciudades aparece una arquitectura civil. Los edificios más

característicos serán los palacios urbanos y los edificios municipales como ayuntamientos ylonjas.

La arquitectura gótica se caracteriza por su verticalidad y su luminosidad. Ganan altura

gracias a los nuevos avances técnicos que permiten rasgar los muros y sustituirlos por

vidrieras de colores que crean una luz coloreada y simbólica que contribuye a crear una

atmósfera irreal. Al contrario que en el románico el vano prevalece sobre el muro,

desaparece así, la pintura mural característica del período anterior.

En el tránsito del arte románico al gótico tuvo un papel destacado la reforma

cisterciense. Dicha reforma favoreció un nuevo concepto de arte caracterizado por la

sencillez arquitectónica y ornamental.La arquitectura cisterciense, que se considera protogótica, fue básicamente monacal.

Su principal aportación estriba en que, aunque mantuvieron elementos románicos como el

arco de medio punto y las bóvedas de cañón, utilizaron el arco apuntado y la bóveda de

crucería característicos del gótico.

Durante el gótico la arquitectura eclesiástica se convierte en la principal de las artes. El

interés de la arquitectura se centra en dos elementos con los que se consigue plasmar el

nuevo concepto de espacio religioso: la elevación y la luminosidad. El muro pierde su función

de soporte y se convierte en mero cerramiento traslúcido gracias a la apertura de grandes

vanos.

Los dos elementos fundamentales de la arquitectura gótica son el arco apuntado ojival

y la bóveda de crucería. La bóveda de crucería formada por el cruce diagonal de dos arcos

apuntados, transmite el empuje de la bóveda a cuatro puntos. Está formada por dos

elementos: el esqueleto y los elementos.

Los empujes que ejercen los nervios de las nuevas bóvedas son recogidos por los

pilares, a los que se van adosando finas columnas llamadas baquetones, para proyectarlos

hacia el exterior, donde se encuentran los contrafuertes. Los contrafuertes se separan del

muro a través de los arbotantes, arcos que transmiten los empujes laterales hacia ellos. A su

vez el contrafuerte suele rematarse con un pináculo. Este entramado de descargas permite



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la sustitución de los muros por grandes vidrieras decoradas que inundan de claridad los

espacios interiores. Con ello se consiguen los objetivos de ligereza y luminosidad que

sintetizan el concepto, los valores y el poder de la luz divina.

La arquitectura religiosa, con la catedral como principal exponente, fue la que más se

prodigó durante el gótico; sin embargo, también es importante la construcción civil; dondedestacan castillos, palacios urbanos, hospitales, ayuntamientos, lonjas.

En esta obra que comentamos estamos ante la fachada de la Catedral de Notre Dame,

realizada en granito, que se levanta en una isla del río Sena en París. El obispo Maurice de

Sully puso en el año 1163 la primera piedra y la catedral se finalizó en el año 1258.

La construcción se inicia en 1163 reflejando algunos trazos conductores de la abadía de

Saint Denis, subsistiendo aún dudas en cuanto a la identidad de quien habría «colocado» la

primera piedra, el Obispo Maurice de Sully o el Papa Alejandro III. A lo largo del proceso (la

construcción, incluyendo modificaciones, duró hasta mediados del siglo XIV) fueron varios

los arquitectos que participaron en el proyecto, esclareciendo este factor las diferenciasestilísticas presentes en el edificio.

La catedral fue restaurada por Eugène Viollet-le-Duc y Jean-Baptiste-Antoine Lassus

(1846), aunque Lassus muere y Viollet toma el mando. Entre las modificaciones que se

hicieron están: la inserción de gabletes en las ventanas, el rosetón sur es inventado por él,

cambia la piedra de los arbotantes por piedra nueva, reconstruye todas las capillas interiores

y altares, en la fachada, coloca estatuas nuevas en la Galería de los Reyes y como faltan

algunas cabezas en estatuas las copia de catedrales cercanas (incluso hay algunas que son

retrato de Viollet). Además de todo esto planeó un aislamiento de la catedral arrasando con

todos los edificios de los alrededores.Podríamos dividirla en tres calles y tres cuerpos. Se encuentra flanqueada y rematada

por dos torres. Estas no están rematadas por las típicas agujas góticas, por lo que no hay

tanta sensación de verticalidad. La verticalidad de las torres se equilibra con la

horizontalidad de las bandas y galerías decoradas. El vano predomina sobre el muro. Su

fachada es el prototipo de las francesas, con un esquema en “hache”, y está dividida en tres

puertas por el exterior, con lo que parece que tiene tres naves en vez de las cinco que

presenta. Su ornamentación es riquísima, perfectamente adaptada al marco arquitectónico y

cubre el tímpano, las arquivoltas, jambas, dintel y parteluz.

En el primer nivel de la fachada aparece la Portada que sigue siendo el lugar

preferente para colocar la escultura con una intención didáctica (arte relato). Los dos

portales laterales de la fachada, de proporciones asombrosas, fueron consagrados a la

Virgen María y a su madre, Santa Ana. Entre ellos, el Portal del Juicio Final domina la visión

con esculturas que representan la resurrección de los muertos, un ángel que coloca en una

balanza pecados y virtudes, y criaturas malditas que llevan las almas pecadoras rumbo al

averno.

Encima de la Portada, sobre los arcos apuntados se disponen las imágenes de los reyes

de Francia, como esculturas incorporadas plenamente al edificio.

http://es.wikipedia.org/wiki/1163

http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Maurice_de_Sully&action=edit&redlink=1

http://es.wikipedia.org/wiki/Alejandro_III_(papa)

http://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XIV

http://es.wikipedia.org/wiki/Eug%C3%A8ne_Viollet-le-Duc

http://es.wikipedia.org/wiki/Eug%C3%A8ne_Viollet-le-Duc

http://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XIV

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http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Maurice_de_Sully&action=edit&redlink=1




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Mas arriba, en el segundo nivel aparece, un rosetón y ventanas a ambos lados con

decoración en tracería. Las nuevas técnicas constructivas permiten rasgar el muro y abrir

ventanales. El edificio gana en luminosidad.

En el tercer nivel una arquería formada por arcos apuntados entrelazados y muy

estilizados da ritmo y movimiento a la fachada. Por último en las torres se abren unos vanosalargados y estrechos acentúan la verticalidad del edificio.

El interior consta de cinco naves y un doble deambulatorio dividido en tramos

triangulares, con una serie de capillas cuadradas que lo circundan, con lo que resulta un

enorme presbiterio. La nave central es de mayor altura que las laterales, y observamos como

elemento sustentante columnas en vez de pilares, algo que suele aparecer en el primer

gótico. Los elementos sostenidos son arcos apuntados bastante abiertos, bóvedas sex

partitas en la nave principal y de crucería en las laterales separadas por fajones. Sobre las

naves laterales se encuentra la tribuna y, sobre ella, una serie de ventanales organizados por

dos arcos con un óculo entre ellos y abrazados por otro mayor, con lo que presenta trespisos en altura. Todos los huecos de ventanales y rosetones (que aparecen en las fachadas)

aparecen decorados por vidrieras, con lo que la luz en el interior remite al ideal de espacio

místico perseguido por los arquitectos de la época.

La Catedral gótica no es sólo el lugar de culto para el hombre de la época, también es

un lugar de enseñanza de la fe cristiana y de la estética del momento. En la plaza extendida a

su frente puede asistir a la representación de misterios sacros y, más adelante a obras de

teatro profano. Los alrededores de la catedral son también lugares de intensa vida social.

Es heredera de las iglesias románicas del siglo XI y sirvió de modelo para muchas

catedrales góticas posteriores y neogóticas.



27

7. Interior de la Catedral de Santa Ana. Las Palmas de Gran Canaria.

Arte Gótico

La obra que nos ocupa se eleva en la capital grancanaria veinte años después de

acabar su conquista, y apenas ocho desde que culminó el dominio de Tenerife (1496). El

lugar escogido por los conquistadores para establecer su primer campamento (El Real de Las

Palmas) fue la zona próxima a la ermita de San Antonio Abad (zona trasera de la catedral),

lugar éste que presentaba suelo firme, a diferencia de los arenales propios de La Isleta y

Alcaravaneras, así como abundante agua, que llegaba desde las medianías y cumbres de laIsla a través del barranco de Guiniguada, hoy cubierto en su tramo bajo por la carretera que

nos permite el acceso al centro de la Isla.

Desde aquél núcleo originario, la urbe grancanaria se expandirá hacia el norte, de

modo que pronto quedó limitada a los barrios de Vegueta y Triana, fajados al norte y sur por

las murallas que la protegían. El resto quedaba extramuros. El bastión norte discurría por la

actual calle de Bravo Murillo, mientras que el correspondiente al Sur se alzaba en la zona

que hoy ocupa la vía Hernán Pérez. El flanco interno quedaba parapetado por el escarpe o

risco, en el que pronto se levantó la fortaleza de San Francisco (trasera del actual Hospital

militar). Las indicadas murallas serían derruidas en la segunda mitad del siglo XIX parapermitir el avance de la ciudad hacia norte.

Al tiempo que la ciudad crecía, se poblaban tímidamente los espacios más incómodos,

esto es, los ubicadas en el escarpe.

Pronto la ciudad vio nacer ingenios para la obtención de azúcar de caña, que

aprovechaban las aguas aportadas por el Guiniguada.

La ordenación de la ciudad la refleja perfectamente en el siglo XVI Leonardo Torriani,

ingeniero militar itálico a las órdenes de Felipe II, y en el XVII Pedro Agustín del Castillo. De

esta última planimetría se ha realizado una maqueta bien didáctica, expuesta

permanentemente en la Casa de Colón (Vegueta). Las trazas de Castillo reflejanconvenientemente la obra que nos ocupa, así como la sede del Cabildo, Audiencia y cárcel,



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establecimientos hospitalarios, puentes que salvaban el ya reseñado barranco y toda una

multitud de ermitas e iglesias- incluidos los seis conventos que albergó la urbe-, aparte,

lógicamente, el entramado de viviendas. La capital grancanaria centralizaba asimismo el

Santo Oficio.

Resulta pertinente expresar que el edificio de la catedral de Las Palmas quedóenfrentado durante largo tiempo al poder civil, el Cabildo de la Isla, ubicado al otro lado de

la Plaza de Santa Ana. Con el régimen liberal, dicho sede pasó a acoger el Ayuntamiento de

la ciudad. Poco después sufriría un terrible incendio (década de 1840) que provocó su ruina,

de modo que se procedió a levantar la construcción actual. Como es bien sabido, las oficinas

del Ayuntamiento se trasladaron posteriormente a la calle León y Castillo.

Las construcciones canarias hasta finales del Setecientos vienen encuadradas en lo que

se conoce como el modo de construir mudéjar (gótico-mudéjar, renacimiento-mudéjar,

barroco-mudéjar). Los rasgos propios de estos estilos europeos quedan limitados a

determinadas zonas del edificio, en tanto que el resto sigue las pautas mudéjares. Contadasexcepciones existen a esta situación, tales son la iglesia de los jesuitas de Las Palmas de Gran

Canaria, o la de la Inmaculada Concepción en La Orotava, la primera alzada a mediados del

siglo XVIII, la otra concluida en 1788, ambas de esquemas barrocos, y la espléndida fachada

de lo que fue el Cabildo Civil palmero, hoy Ayuntamiento de la capital de la Isla.

Las manifestaciones góticas en Canarias conviven con las pautas mudéjares. Nos

vamos a encontrar, pues con construcciones que amalgaman los muros de mampuesto, las

cubiertas de madera en artesa (armaduras), los alfices..., con los arcos apuntados y

conopiales, las tracerías góticas, los vanos abocinados y aun las cubiertas abovedadas con

nervaduras. En cualquier caso, y en este contexto, sólo la catedral de Las Palmas puedeconsiderarse un edifico plenamente gótico en conjunto, pues presenta arbotantes y bóvedas

estrelladas, aparte otros rasgos propios del estilo. El resto de las construcciones muestran

únicamente elementos aislados del estilo, elementos que, por lo demás, se adentran en

ocasiones en el siglo XVII.

Las pautas góticas, por otra parte, serían introducidas en Canarias ya, antes de acabar

la conquista, por los normandos que emprendieron la conquista de Lanzarote y

Fuerteventura (primeras décadas del siglo XV).

La única sede catedralicia en Canarias hasta el siglo XIX es la de Las Palmas de Gran

Canaria, dedicada a Santa Ana, la Madre de María. La primera sede del obispado, sin

embargo, estuvo en Lanzarote, en la zona conocida como El Rubicón (municipio de Yaiza),

desde 1404, recién comenzada la conquista de esta isla. Una vez se acabe de dominar Gran

Canaria, en 1483, la catedral es traslada a esta Isla. Allí, en Vegueta, se levanta el primer

edificio. Este recinto debió de ser muy pequeño, por lo que, cuando clarea el siglo XVI, se

emprende la construcción de otro mayor. Los primeros trabajos se iniciaron, con toda

probabilidad, en 1504, esto es, sólo ocho años después de que acabara la conquista de

Tenerife. Ello explica que el pasado año 2004 se cumpliera el sexto centenario del

nacimiento de la Diócesis y el quinto desde el comienzo de las obras de nuestra catedral

actual.



29

Habrían de transcurrir varias centurias hasta que la actual provincia occidental (Santa

Cruz de Tenerife) consiga, también, el establecimiento de una catedral en su territorio. Esto

acontece en 1819, cuando regía los destinos de España Fernando VII. La catedral tinerfeña

tuvo como sede la prexistente iglesia de los Remedios de La Laguna, entonces capital de la

Isla, donde aún continúa, si bien el edificio anterior fue derribado a principios de siglo XXpara elevar en su suelo la construcción actual, neogótica, salvo su fachada, que se mantuvo,

realizada en el siglo XVIII bajo pautas neoclásicas.

Canarias cuenta, pues, con dos diócesis (sedes de obispos), la Canariense-Rubicense

(provincia oriental) y la Nivariense (provincia occidental).

En ocasiones leemos u oímos hablar de la catedral de Arucas. Se da tal nombre a este

edificio atendiendo a su estructura, pero no se trata realmente de una catedral, ya que no es

sede de obispo alguno. Es, por lo demás, un edificio que responde a esquemas neogóticos, y

fue realizado durante el pasado siglo XX.

La catedral de Santa Ana no se levantó de una sola vez, sino por fases. La primerabarca desde 1504 hasta 1570, fecha en la que se paralizan las obras. En esta etapa

intervinieron maestros foráneos (sevillanos, cántabros, vascos), pues Canarias no contaba

aún con artífices capaces de realizar un edificio de tal entidad. Los trabajos se realizaron

desde los pies hacia la cabecera, para así permitir el uso de la antigua sede mientras se

elevaba del nuevo edificio. El modelo que siguió esta obra fue, sin duda, la catedral sevillana,

elevada en el siglo XV sin girola y con bóvedas de nervios combados. Aún en el siglo XVI, la

obra de Santa Ana llegó hasta los pilares previos al cimborrio, y aquí pararon los trabajos.

Según el primer proyecto, el edificio iba a contar con tres naves y dos más de capillas, adesigual altura, esto es, la central más alta que las laterales. Luego se decide dejar las tres

principales a una elevación similar. Si deambulamos por el interior del recinto observamos

bóvedas nervadas de terceletes, todas iguales, y una estrellada de nervios combados, éstos

propios del gótico final, como se advertía en la catedral sevillana. Los pilares, en puridad

columnas, despliegan delicados baquetones. En el exterior percibimos los contrafuertes y

pertinentes arbotantes, éstos de escasa inclinación, habida cuenta de la igualdad de altura

en las naves principales.

Los materiales empleados en la obra fueron la cantería (gris, amarilla y parda),

mampuesto para los muros internos y zonas hoy encaladas – nos los advierten los

paramentos a la luz de la inconclusa iglesia del Sagrario-, así como piedra pómez, presentes

en ciertas zonas de bóvedas, habida cuenta de su escaso peso.

La fachada lució dos torres octogonales, elevadas ya en el siglo XVI, de claro recuerdo

portugués, hoy evidentemente desaparecidas. Nos queda, sin embargo, un testigo, la copia

que se realizó, a principios de siglo XVIII, para la iglesia del Pino en Teror. Las ventanas se

cierran con arcos apuntados, mientras que las primitivas, hoy ciegas, presentan arcos de

medio punto. Las vidrieras que luce el edificio son posteriores a 1920. En su momento, el

cabildo catedral planteó encargar algunas a Flandes, pero resultaban excesivamente caras,

por lo que tal proyecto fue aparcado.



30

El siglo XVII y la primera mitad del siguiente suponen un largo paréntesis, hasta que

llega a Canarias el racionero (religiosos secular que ocupa un cargo en el Cabildo Catedral)

Diego Nicolás Eduardo (Tacoronte, 1798), quien había aprendido los rudimentos de la

arquitectura a su paso por Granada y Segovia. Decide entonces este religioso continuar el

edificio. En vez de acudir a las pautas neoclásicas, imperantes hasta entonces, realiza laampliación hasta la cabecera actual siguiendo las estructuras góticas, para mantener así la

uniformidad de la obra. El edificio constituyó entonces una planta de cruz latina, con tres

naves a igual altura y dos más de capillas, y en el crucero se elevó e l sorprendente cimborrio

con linterna. En la zona sur quedaba el Patio de los Naranjos, que permitía el acceso al

edificio a través de una puerta de rasgos renacentistas elevada en el siglo XVII. Mientras, el

costado norte estaba reservado para realizar la capilla del Sagrario, obra nunca construida.

Es necesario adentrarse en el siglo XIX para ver concluida una parte de su fachada y el

exterior del testero, ahora sí en estilo bajo pautas clasicistas. La construcción continuaría a

principios del siglo XX, momento en que se realiza el templete.La fachada nos muestra la superposición de órdenes, pilastras corintias y compuestas y

un frontón curvo que engulle a otro triangular, solución que ya habíamos visto en la cúpula

de San Pedro del Vaticano (Miguel Ángel) o la fachada de la iglesia de Il Gesú (della Porta),

ambos ejemplos renacentistas. La zona central del segundo cuerpo acoge un rosetón,

verdadera antesala del que, realizado en el siglo XVI, se observa desde el interior del edificio.

La zona interna de la fachada nos deja ver, tras el adecentamiento que experimentó el

recinto en los primeros años del siglo actual, los accesos que tenían las ya indicadas torres

caracoles u octogonales, derribadas para hacer el frontispicio actual. En el hueco que se abre

en el lado del Evangelio cuelga una campana, regalada por la colonia neerlandesa en laciudad, en rememoración del ataque a la ciudad que, en 1599, llevó a cabo el pirata de ese

origen Pieter van der Does, quien se llevó las que tenía entonces el edificio

El primer maestro de obras que interviene en la catedral, Pedro de Llerena, fue

contratado en Sevilla en 1504. Éste diseña una nave central, más alta, y otras laterales más

bajas, hacia las cuales se abrían capillas. Las obras se paralizan más tarde por fal ta de dinero,

y serán remprendidas por Juan de Palacios, natural de Santander. Dicho maestro cambia el

esquema de Llerena, pues realiza unas trazas que suponen la elevación de las naves laterales

hasta dejarlas a la altura de la central y realiza pilares de sección circular, al tiempo que

levanta las primeras bóvedas nervadas. A mediados del siglo llegan los vascos Martín de

Narea y Pedro de Narea. El primero sigue levantando bóvedas de terceletes y estrelladas,

mientras que Pedro muestra ya rasgos del Renacimiento, como son los capiteles de la capilla

de la Antigua. El ingeniero militar italiano Próspero Cassola realiza la fachada clasicista,

flanqueada por las dos torres caracoles.

El siglo XVII supone pocos añadidos, prácticamente el patio de los Naranjos y la

llamada Puerta del Aire, ya plenamente renacentista, debidos a Juan Lucero.

Habrán de transcurrir más 150 años hasta que se reanuden las obras, dirigidas por

Diego Nicolás Eduardo, a quien ya citábamos. Este religioso se decanta, para el exterior, por

los rasgos neoclásicos. Diseña, así, una fachada y cabecera en este estilo. La primera fue



31

comenzada realmente por José Luján Pérez, quien la dejó inacabada. Las últimas

intervenciones se deben a los arquitectos Laureano Arroyo y Fernando Navarro. Este último

dirige la construcción del templete (principios del siglo XX).

La catedral canariense, pues, ofrece un interior de rasgos góticos, envuelto en un

caparazón neoclásico, en el que despuntan los contrafuertes y arbotantes. A pesar de losintentos por dejar un espacio desahogado en torno a la sede, poco se consiguió, pues, como

vemos, las viviendas se arraciman en torno al egregio recinto.

Esta construcción constituye la única obra realizada con pautas del gótico culto en

Canarias. Hasta el siglo XVIII no volveremos a encontramos con edificios cerrados bóvedas. El

primero de ellos lo fue el templo de la compañía de Jesús en la capital grancanaria (templo

de San Francisco de Borja). Algo más tarde, se emprendería la elevación de la iglesia que,

dedicada a la Inmaculada Concepción, se alza en La Orotava.

El resto de las construcciones acometidas en Canarias hasta entonces responden a las

pautas mudéjares, por lo que muestran cubiertas de madera, las armaduras, si bien puedenofrecernos alguna bóveda o arranques propios del gótico culto, localizados en determinadas

zonas (bóveda de nervios combados que cierra el cuerpo bajo de la torre de El Salvador en

Santa Cruz de La Palma, arranques ojivales localizados en el baptisterio del templo que

preside Nuestra Señora de Regla en Pájara, Fuerteventura).



32

8. Cúpula de Santa María de las Flores. Brunelleschi.

Arquitectura. Arte del Renacimiento

La cúpula de Santa María de las Flores, obra propuesta para comentar, marca el inicio

del Renacimiento en lo que al arte se refiere.

Se entiende por Renacimiento al fenómeno cultural que, en el inicio de la Edad

Moderna, retoma los principios de la cultura de la antigüedad clásica, actualizándola a través

del Humanismo, sin renunciar a la tradición cristiana, pero sustituyendo la visión religiosa del

mundo medieval por una afirmación de los valores del mundo y del hombre. El humanismoes el movimiento intelectual del Renacimiento, que revaloriza la dignidad del espíritu

humano, enlazando la cultura de la época con la de la antigüedad clásica. El humanismo es

pues, el aspecto filosófico y literario del Renacimiento. El humanista es el escritor, el

pensador que no se limita al estudio de la teología, como en los siglos anteriores, sino que

da gran importancia al estudio de las ciencias humanas. Estamos pues ante una cultura

antropocéntrica. La belleza no va a ser un reflejo de la divinidad, como en el arte medieval,

sino la expresión de un orden intelectual y profano (no religioso) basado en la medida, el

número y la proporción. La naturaleza será estudiada en sí misma, al margen de lo divino y

encontrará en la perspectiva, el modo adecuado de su representación. Se estudiará el



33

cuerpo humano desnudo, buscando la perfección como reflejo del antropocentrismo del

pensamiento humanista.

Debe señalarse la relevancia que vuelve a adquirir la Antigüedad Clásica, al socaire del

humanismo que ve en la época de Grecia y Roma una etapa de esplendor cultural que se

opone al período medieval. El atraso de las artes y la cultura durante el medievo es visto conpreocupación. A ello hemos de unirle el nuevo punto de vista de los prohombres del

Renacimiento que situaron al ser humano en el centro de la creación, gozando ahora de la

significación que merece. El antropocentrismo se convierte de esta guisa en una de las

características más relevantes del momento e impregnará con su espíritu la mayor parte de

las manifestaciones culturales del periodo.

La particular situación de la Italia bajomedieval caracterizada por ciudades

independientes que pugnan entre sí en pos de la supremacía socioeconómica, le permiten

erigirse en un territorio adaptado a la nueva realidad cultural que a partir del siglo XV se

atisba en territorio italiano. Debemos destacar la existencia de un entramado económicomuy complejo en el que las ciudades italianas florecían merced a su dominio de las técnicas

comerciales más avanzadas. A ello debemos agregarle la existencia de una amplia clase

media compuesta por comerciantes y artesanos que permiten extender su influencia por

todo el Mediterráneo.

En el campo artístico, destaca la concepción que posee el artista, que pasa de ser un

mero artesano a un creador. Su nombre aparece junto a su obra y su consideración social

aumenta de forma significativa. Se trata de una persona culta que se ha ido formando en

talleres de otros artistas, que ha adquirido un bagaje cultural estudiando obras de la

antigüedad in-situ y que estudian los tratados sobre arte que a partir de este momentoempiezan a proliferar por el solar europeo.

Aparece, además, la figura del mecenas que se convierte en uno de los elementos

fundamentales de la realidad artística. Nobles y burgueses enriquecidos, movidos por una

avidez de satisfacer sus necesidades culturales, a la par que de prestigio social, se rodean de

artistas y pensadores a los que amparan y sufragan. Los Sforza en Milán, los Gonzaga en

Mantua y, sobre todo, los Médicis en Florencia se convierten en algunos de los más

importantes impulsores de artistas renacentistas hasta que la primacía de la ciudad de Roma

empieza a ejercer su capacidad de atracción sobre los creadores y el papado se erige como

el principal símbolo de mecenazgo artístico. También adquiere una gran trascendencia la

figura del comitente, que dona obras mayoritariamente a instituciones religiosas por su

carácter devoto y por su intención de medrar socialmente y granjearse el respeto de sus

coetáneos.

Otro aspecto reseñable es la temática, que se amplía notablemente con respecto al

gótico. Si bien es cierto que los temas religiosos siguen ostentando un gran peso, aparecen

obras mitológicas, escenas de la vida cotidiana, retratos, etc. A esta variada casuística se le

une una mejora técnica notoria, que avanza rápidamente desde las creaciones más arcaicas

del primer Renacimiento hasta las más elaboradas del Manierismo.



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En arquitectura apreciamos una vuelta al empleo de las formas de la Antigüedad se

organiza en torno a dos principios:

La utilización de elementos constructivos de la antigüedad: bóvedas de cañón con

casetones, cúpulas de media naranja, entablamentos, arcos de medio punto, columnas y

pilastras con los órdenes clásicos... Pero utilizados libremente especialmente en lodecorativo como los grutescos.

La consecución de la unidad espacial, ya que se entiende el edificio como el resultado

de un cálculo matemático. En la estructura y en la planta se buscan efectos de calculada y

matemática perfección. Todo el edificio se basa en buscar la proporción matemática de sus

elementos. Se busca la claridad de los espacios, contrapuesta con la coloreada penumbra

gótica. Para lograr esa claridad en los espacios se utilizan diferentes modelos de plantas,

centralizadas y longitudinales, cúpulas semiesféricas u ojivales. La arquitectura renacentista

es racionalista y consecuencia de ello es que el edificio ideal es simétrico en todos sus ejes.

Proporción geométrica y equilibrio con el fin de crear un espacio unitario. Debeexistir una relación proporcional entre las partes y el todo. Se aprecia una tendencia a la

horizontalidad, frente a la verticalidad del gótico.

Libertad ornamental. El muro recupera su función tectónica (de soporte) aunque

recubierto con mármoles de colores o aparejo rústico. Predomina la libertad decorativa y

fantasía como en los “grutescos”: decoración a partir de seres fantásticos humanos,

vegetales y animales, completamente entrelazados. Destacan obras como San Pedro en El

Vaticano, en el que participan algunos de los mayores representantes de la arquitectura

renacentista italiana, como Miguel Ángel y Bramante. También, tendrán cabida las

edificaciones civiles, entre las que gozan de un gran protagonismo los palacios como el Pitti

de Brunelleschi o el Rucellai de Alberti.

La pintura empieza a mostrar un inusitado carácter propio e independiente, ya que no

se halla exclusivamente sometida a la arquitectura. Aunque sigue existiendo pintura al fresco

y obras como la Última Cena de Leonardo o la Trinidad de Masaccio constituyen un ejemplo

significativo a este respecto, lo cierto es que la tabla y luego el lienzo se convierten en los

soportes preferidos. Destacarán artistas como Botticelli, Miguel Ángel, Rafael, Leonardo…

En cuanto a la escultura, debemos mencionar que adquiere un mayor protagonismo, al

igual que la pintura, no viéndose sometida al marco en la que se inserta. Al contrario de lo

que ocurría en el gótico, muchas obras son ideadas para ser situadas en espacios públicos,

como ocurre con el David de Miguel Ángel o el Gattamelata de Donatello. Aparece una

concepción de los personajes mucho más humana y realista.

Tomando como referencia el arte italiano. El Renacimiento se divide en dos grandes

períodos: el Quattrocento y el Cinquecento. La división puede resultar arbitraria pues

muchos artistas participan de ambos períodos. En el siglo XV el núcleo de poder es la

Florencia de los Médicis, mientras que en el XVI estarán en la Roma papal.

El Quattrocento (siglo XV) es la etapa de experimentación artística. En este siglo se

advierte, especialmente en Italia, una explosión artística, que permite hablar de un períodopreciso en la evolución del Renacimiento.



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El Cinquecento (siglo XVI) es el segundo período renacentista que suele hacerse

coincidir con las primeras décadas del siglo XVI y que coincide con el período más clásico. A

partir del 1530 los artistas de la época evolucionarán hasta romper el lenguaje clásico.

Seguirán los elementos formales característicos del clasicismo, aunque empleados ahora al

margen de las normas. Esta etapa se la conoce como Manierismo.En el resto de Europa el Renacimiento queda centrado en el siglo XVI.

La obra propuesta para el análisis es la cúpula de la catedral de Florencia, Santa María

de las Flores, realizada por Brunelleschi entre 1420 y 1436.

La cúpula constituyó el elemento de cierre de la catedral gótica iniciada por Arnolfo di

Cambio y continuada posteriormente por Giotto. Después de concluida la mayor parte de la

edificación, sus constructores se encontraron con el problema de rematar el edificio. Debe

tomarse en consideración el enorme espacio requerido para cerrar el tambor de planta

octogonal, lo que suponía un gran reto para los constructores del momento. De hecho,

Brunelleschi es designado para enfrentarse a tan poderoso desafío pues había sido elganador del concurso convocado en 1418 por las autoridades florentinas para acabar la

catedral.

Brunelleschi va a aplicar la forma de cubierta empleada en el mundo romano: la

cúpula. Sin embargo, debe adaptarla a la naturaleza de la catedral, pues no puede realizar

una cúpula semiesférica, por lo que opta por emplear un perfil propio del gótico,

proyectando una cúpula apuntada. Con esta idea, Brunelleschi hace confluir los logros

conseguidos por los constructores góticos con los presupuestos clásicos.

La maestría del arquitecto le lleva a adoptar soluciones realmente ingeniosas para

solventar las dificultades de un edificio prexistente al que debe adaptarse. Así, el florentinopara poder aligerar el inmenso lastre que supone la enorme cubierta idea un concepto de

doble cúpula que le permite ahorrar peso y distribuir mejor los empujes. En el interior diseña

una cúpula más apuntada que la externa, y entre ambas deja una cámara hueca que permite

una mayor ligereza y construir un acceso a la parte superior de la misma para llegar a la

linterna. El sistema de presiones se mantiene en equilibrio merced a la doble cúpula, pues la

interior y la exterior se complementan para compensar sus fuerzas, permitiendo que el

conjunto se mantenga sobre el crucero de la catedral. A ello se le une la presencia de una

serie de semicúpulas de descarga bajo los óculos del tambor.

El material empleado por Brunelleschi, a diferencia de lo ocurrido durante el gótico, no

será la piedra, pues le restaría ligereza al conjunto y no podría sostener una cúpula de

semejantes dimensiones. Nótese que Brunelleschi realiza un proyecto que da como

resultado una de as cúpulas mayores de la cristiandad. Por ello la realiza en su mayor parte

con ladrillo y argamasa. En el interior se rodea de grandes anillos de vigas de madera a modo

de cimbra, unidas entre sí por barras de hierro.

La obra presenta una imponente apariencia con ocho aristas cubiertas de ladrillo rojo

que coinciden con cada una de las caras del tambor sobre el que se asienta. Presenta un

aspecto apuntado que es acentuado por el perfil que dibuja la curvatura de los nervios de

mármol blanco y que ascienden hacia la cúspide. Sin embargo, son las nervaduras interiores



36

las que adquieren una mayor relevancia en cuanto a la función de sujeción y distribución de

empujes, siendo las exteriores un elemento decorativo, factor que también es valorado por

el arquitecto toscano

Rematando la cúpula aparece una linterna, inspirada en los edificios circulares

romanos, y abierta al viento. Se convierte en punto de fuga de una obra que se sitúa a unaaltura superior a la del resto de las construcciones florentinas del momento. Con ello se

consigue dominar la perspectiva y organizar el espacio urbano. Debemos recordar a este

respecto que Brunelleschi fue el descubridor de la perspectiva moderna como lo atestiguan

sus enormes esfuerzos por mejorar los aspectos geométricos y matemáticos en sus obras, en

aras de aportar a las mismas una mayor sensación de realismo.

Una vez terminada la construcción se aprecia la capacidad de Brunelleschi para

adaptarse a la edificación prexistente, proyectando una obra en perfecta armonía con las

líneas góticas en las que se asienta.

La cúpula de Santa María de las Flores refleja con sus bellas líneas la nueva épocacultural y artística que ahora comienza, introduciendo novedades constructivas basadas en

el mundo clásico. Es por ello que se la considera la primera obra renacentista, ya que utiliza

los principios clásicos de forma notable. Brunelleschi aprende los fundamentos del arte

clásico en Roma, a donde acude con su amigo Donatello, y posteriormente trata de

aplicarlos a sus nuevas creaciones. Precisamente, la cubierta del Panteón en la capital

italiana se convirtió en el antecedente claro y el ejemplo a seguir para su creación.

Posteriormente, su obra tendrá influencias en otras posteriores, aunque será la cúpula de

San Pedro en El Vaticano, realizada por Miguel Ángel, su consecuente más directo.



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9. David . Miguel Ángel.

Escultura. Arte del Renacimiento

La obra a comentar pertenece al arte del Renacimiento y más concretamente a su

segundo período, el Cinquecento. Fue ejecutada en el siglo XVI, entre los años 1501 al 1504.

Los escultores de este momento buscaban el clasicismo y la monumentalidad, el

antropocentrismo estaba presente intentando mostrar la belleza del cuerpo humano a

través del desnudo.

Se entiende por Renacimiento al fenómeno cultural que, en el inicio de la EdadModerna, retoma los principios de la cultura de la antigüedad clásica, actualizándola a través


mundo medieval por una afirmación de los valores del mundo y del hombre. El humanismo

es el movimiento intelectual del Renacimiento, que revaloriza la dignidad del espíritu





antropocéntrica. La belleza no va a ser un reflejo de la divinidad, como en el arte medieval,sino la expresión de un orden intelectual y profano (no religioso) basado en la medida, el



38





Debe señalarse la relevancia que vuelve a adquirir la Antigüedad Clásica, al socaire delhumanismo que ve en la época de Grecia y Roma una etapa de esplendor cultural que se

opone al período medieval. El atraso de las artes y la cultura durante el medievo es visto con

preocupación. A ello hemos de unirle el nuevo punto de vista de los prohombres del

Renacimiento que situaron al ser humano en el centro de la creación, gozando ahora de la





independientes que pugnan entre sí en pos de la supremacía socioeconómica, le permitenerigirse en un territorio adaptado a la nueva realidad cultural que a partir del siglo XV se

atisba en territorio italiano. Debemos destacar la existencia de un entramado económico

muy complejo en el que las ciudades italianas florecían merced a su dominio de las técnicas

comerciales más avanzadas. A ello debemos agregarle la existencia de una amplia clase





aumenta de forma significativa. Se trata de una persona culta que se ha ido formando entalleres de otros artistas, que ha adquirido un bagaje cultural estudiando obras de la

antigüedad in-situ y que estudian los tratados sobre arte que a partir de este momento

empiezan a proliferar por el solar europeo.











coetáneos.



obras mitológicas, escenas de la vida cotidiana, retratos, etc. A esta variada casuística se le



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une una mejora técnica notoria, que avanza rápidamente desde las creaciones más arcaicas


Intelectuales italianos como Petrarca, Dante, o Boccaccio tienen un papel primordial

en la aparición del Renacimiento, no les interesa la Edad Media, monopolizada por la figura

de Dios -teocentrismo- donde el hombre quedaba eclipsado por la religión, de esta manera,estos pensadores vuelven la mirada hacia el mundo clásico: Grecia y Roma.



muchos artistas participan de ambos períodos. En el siglo XV el núcleo de poder es la

Florencia de los Médicis, mientras que en el XVI estarán en la Roma papal.


advierte, especialmente en Italia, una explosión artística, que permite hablar de un período

preciso en la evolución del Renacimiento.

El Cinquecento (siglo XVI) es el segundo período renacentista que suele hacersecoincidir con las primeras décadas del siglo XVI y que coincide con el período más clásico. A



margen de las normas. Esta etapa se la conoce como Manierismo.

En el resto de Europa el Renacimiento queda centrado en el siglo XVI.

La escultura renacentista nace apoyada en los modelos clásicos. Se advierte un gusto

por el desnudo, por la utilización de materiales nobles de la antigüedad (mármol y bronce) y

un interés por lo monumental y severo. Aplica un esquema racionalista de proporción y

simetría, con un detallado estudio anatómico que se fundamenta en un gusto por eldesnudo. Se amplía la temática y, además de religiosa, surge una temática profana que se

manifiesta tanto a través de la escultura funeraria cómo a través del retrato (ecuestre o

busto). Se exalta al individuo algo muy propio de la ideología humanista, y se va

sustituyendo la narrativa religiosa medieval por un arte que busca la belleza de las formas y

el placer estético. El hombre y la naturaleza serán los protagonistas. Reaparece el desnudo, y

los temas religiosos se presentan con tipos figurativos paganos. La escultura renacentista es

realista y naturalista, y utiliza composiciones caracterizadas por la curva y la contra curva.

Los materiales utilizados son diversos: piedra, mármol, terracota, madera, yeso y bronce.

Esta se independiza de la arquitectura, deja de ser un simple elemento decorativo para

cobrar vida propia. Busca la belleza y el equilibrio, teniendo al desnudo como una de sus

temas más recurrentes ya que exalta al ser humano como centro de la Creación. En cuanto a

los materiales destaca el mármol y el bronce. El relieve merece especial mención, pues están

muy trabajados e introducen la perspectiva en sus composiciones.

Artistas principales dentro del Quattrocento (siglo XV) son Ghiberti como buen

humanista es un ejemplo del nuevo artista que se diferencia del artesano medieval. Fue

arquitecto, escultor y pintor. Entre sus obras destaca “Las puertas del paraíso” realizadas en

bronce. Donatello, es el escultor más importante del “Quattrocento”. Cultivó la orfebrería y



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supo de arquitectura y pintura. Su escultura oscila entre la búsqueda del equilibrio clásico y

la belleza, y el cultivo de un cierto expresionismo, de valores dramáticos.

En el Cinquecento (siglo XVI) continúa el sentido clasicista de equilibrio y armonía. Pero

poco a poco surge una tendencia a la agitación en la composición, a la búsqueda constante

del movimiento y a la monumentalidad hasta llegar al manierismo. A partir de la segundadécada del XVI la tendencia será la búsqueda de la tensión frente al equilibrio clásico, la

volumetría frente a la gracilidad y la expresividad frente al idealismo. Inquietud, sorpresa y

zozobra frente al orden clásico.

El siglo XVI está marcado por la figura de Miguel Ángel. Es el máximo exponente del

clasicismo y, al mismo tiempo, el iniciador del lenguaje manierista.

En cuanto a la arquitectura renacentista, hay que decir que muchos elementos

constructivos se recuperan del mundo clásico: arcos de medio punto, columnas y pilastras

rematadas con los órdenes clásicos, cúpulas, bóvedas de cañón decorada con casetones… Se

aplica rigurosamente la geometría y la matemática, con el fin de conseguir la perfección delideal clásico, tal y como observamos en las villas y palacios urbanos o en las iglesias.

Por lo que respecta a la pintura renacentista, resalta el desarrollo de la técnica de el

fresco y del óleo, teniendo, este último, el lienzo como soporte básico. La temática es

religiosa o profana, predominando temas mitológicos, alegóricos o históricos. El retrato

adquiere gran importancia. Pero el logro principal de la pintura renacentista es el uso de la

perspectiva, al conseguir representar en un plano la tercera dimensión o profundidad,

logrado con la perspectiva lineal (líneas que confluyen en un punto de fuga) o aérea (que

difumina los contornos que están más alejados. Las figuras se enmarcan en fondos de

naturaleza o arquitectura, llamando la atención los acusados escorzos.La escultura es “El David” y el artífice de la misma fue Miguel Ángel Buonarroti (1475 -

1564). Era un auténtico “homo universale” renacentista, al destacar como arquitec to,

escultor y pintor. Se consideraba un perfeccionista que nunca estaba enteramente

satisfecho con su trabajo, lo que le hacía estar siempre de mal humor y en tensión, dicha

personalidad se reflejaba en los rostros de sus esculturas, su famosa “terribilitá”. Realiza la

talla con 26 años, por tanto, estamos ante una obra de juventud. Miguel Ángel estudió el

pasado clásico impactándole los restos arqueológicos, fruto de su estancia en Roma,

influencia que se reflejará en toda su obra. Su obra es variada y compleja pero donde

destaca es en la escultura. Utiliza siempre el mármol de Carrara blanco y, compacto por ser

para él, el material que más se acerca a la belleza. Su fuerte personalidad queda reflejada en

la escultura mejor que en cualquier otro campo. Dota a la escultura de una fuerza y viveza

excepcionales, conseguida a través de dominio de la técnica. Sus figuras son grandiosas,

verdaderos titanes, contienen una gran fuerza contenida que surge del interior y aplasta al

espectador. Destacan su “Piedad” obra maestra de equilibrio, y “David” donde refleja al

héroe con fuerza, vigor y tensión en contraste con el modelo delicado del Quattrocento.

Trabaja en “El Mausoleo de Julio II”, un enorme monumento de mármol con más de

cuarenta figuras de tamaño natural que por presiones políticas quedó reducido a tres figuras



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entre las que destaca la figura de Moisés. “El Moisés” es el ejemplo de la terribilitá

miguelangesca, de la fuerza contenida y la grandiosidad.

A fines del Renacimiento, Alto Renacimiento, los ideales clásicos se hicieron

insuficientes, hasta resultaban monótonos, se necesitaban nuevos retos artísticos y Miguel

Ángel trató de romper dichos moldes de: armonía, equilibrio, belleza serena o edificiosperfectos y simétricos. El artista huyó de estos principios, aunque bebiera de sus fuentes, y

perseguiría la belleza más allá de las formas, le interesaba su fuerza interior. Por tanto, su

lenguaje es más manierista que clásico.

En la obra a comentar nos enfrentamos ante una escultura individual y exenta, de

bulto redondo. Está esculpida en mármol de Carrara. La obra es estrecha y de considerable

altura ya que sus dimensiones son de 4´34 metros, con un peso de 5´5 toneladas.

La escultura está concebida para ser observada desde múltiples puntos de vista,

aunque domina el frontal, ya que el escultor recibe el encargo de tallar un bloque de mármol

-ya devastado- alto y plano que llevaba cuarenta años abandonado en el patio de la catedralflorentina. Observamos movimiento en la actitud del personaje que parece estar a la espera

de que ocurra un acontecimiento. La composición es cerrada, tendente al movimiento

centrípeto -hacia el centro- con líneas de fuerza que vuelven hacia el bloque de mármol,

como se muestra en ambos brazos mantenidos cerca del cuerpo. Es una estatua colosal que

representa al David como un joven desnudo, musculoso y atlético, con la mirada penetrante

y fija en busca de su enemigo Goliat al que va a enfrentarse con sus armas sencillas, una

honda, que le cruza sobre su espalda, y una piedra, elementos que sostiene con ambas

manos. Observamos cierta sobredimensión en las proporciones de la cabeza y las manos

robustas que las hacen más poderosas. El cuerpo desnudo se nos muestra en tensión, delque emana una fuerza contenida, la “terribilitá”. La figura es realista destacando su estudio

anatómico que nos lleva a la búsqueda de la belleza del desnudo clásico. Destaca su cabello,

musculatura, tendones y venas con exquisito detalle, sacándole el artista partido al estrecho

bloque de mármol, que casi tiene tratamiento de relieve, huyendo de la visión frontal al

mostrarnos al personaje con un giro de cabeza que nos invita a rodear la figura. Por último,

intuimos un claro contraposto clásico que rompe la rigidez de la pieza al apoyarse más en su

pierna derecha, que se fija a un pequeño tronco de árbol que ayuda a su sustentación, y

manteniendo la otra pierna en flexión.

La función de la obra que estamos comentando es decorativa, aunque también se

convierte en símbolo político de la ciudad de Florencia. En cuanto al significado, diremos que

nos encontramos ante el triunfo del Neoplatonismo, es decir, la fusión de lo cristiano (el

tema) y lo pagano (la representación a la manera de la Antigüedad). La obra muestra el

triunfo de la condición humana renacentista como expresión del valor del hombre en la

nueva sociedad, de la belleza, de su anatomía y de los sentimientos nobles. En esta obra se

representa al famoso héroe y rey bíblico David (símbolo de la razón y la lógica), tras su

victoria frente al gigante Goliat (símbolo de la fuerza bruta).

Los antecedentes quedan patentes en la estatuaria griega y romana, así como en otras

esculturas renacentistas como el propio David de Donatello. Los consecuentes se reflejan en



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obras posteriores pertenecientes al Manierismo, Barroco, Neoclasicismo e incluso anticipó el

Expresionismo contemporáneo del siglo XX, quedando patente en la “Piedad Rondanini” de

1564.

La obra se encuentra actualmente en la Galería de la Academia, de Florencia, aunque

su emplazamiento original se hizo para un espacio público, la Plaza de la Signoría, de dichaciudad, como símbolo cívico-patriótico de la República Florentina, donde en la actualidad se

emplaza una copia moderna de El David. Recordemos que estamos en el contexto histórico

en que los Médicis (gobernantes, mecenas y banqueros) están, momentáneamente,

exiliados de Florencia siendo sustituidos por el gobierno republicano de los ciudadanos. En el

Cinquecento, siglo XVI, la ciudad de Roma toma el relevo de Florencia como principal foco

artístico, el Renacimiento se va extendiendo por toda Europa occidental y se regionaliza. El

artista deja de ser un simple artesano para convertirse en un intelectual. Hace unos años, en

el 2004, con motivo de la celebración de su 500 aniversario, la obra fue sometida a una

profunda limpieza y restauración debido al deterioro que presentaba.



43

10. La Trinidad . Masaccio.

Pintura. Arte del Renacimiento

Además de iniciar la arquitectura del Renacimiento, Brunelleschi es el "descubridor" dela perspectiva. Hasta ahora no se habían formulado las leyes matemáticas por las que los

objetos disminuyen de tamaño a medida que retroceden hacia el fondo. Fue Brunelleschi

quien proporcionó a los artistas los medios matemáticos de resolver este problema. La

Trinidad de Masaccio es una de las primeras pinturas hechas de acuerdo con estas

matemáticas.

Se entiende por Renacimiento al fenómeno cultural que, en el inicio de la Edad

Moderna, retoma los principios de la cultura de la antigüedad clásica, actualizándola a través


mundo medieval por una afirmación de los valores del mundo y del hombre. El humanismoes el movimiento intelectual del Renacimiento, que revaloriza la dignidad del espíritu



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antropocéntrica. La belleza no va a ser un reflejo de la divinidad, como en el arte medieval,sino la expresión de un orden intelectual y profano (no religioso) basado en la medida, el





Debe señalarse la relevancia que vuelve a adquirir la Antigüedad Clásica, al socaire del

humanismo que ve en la época de Grecia y Roma una etapa de esplendor cultural que se

opone al período medieval. El atraso de las artes y la cultura durante el medievo es visto con

preocupación. A ello hemos de unirle el nuevo punto de vista de los prohombres delRenacimiento que situaron al ser humano en el centro de la creación, gozando ahora de la





independientes que pugnan entre sí en pos de la supremacía socioeconómica, le permiten

erigirse en un territorio adaptado a la nueva realidad cultural que a partir del siglo XV se

atisba en territorio italiano. Debemos destacar la existencia de un entramado económico

muy complejo en el que las ciudades italianas florecían merced a su dominio de las técnicascomerciales más avanzadas. A ello debemos agregarle la existencia de una amplia clase





aumenta de forma significativa. Se trata de una persona culta que se ha ido formando en

talleres de otros artistas, que ha adquirido un bagaje cultural estudiando obras de la

antigüedad in-situ y que estudian los tratados sobre arte que a partir de este momento

empiezan a proliferar por el solar europeo.












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coetáneos.



obras mitológicas, escenas de la vida cotidiana, retratos, etc. A esta variada casuística se leune una mejora técnica notoria, que avanza rápidamente desde las creaciones más arcaicas


Intelectuales italianos como Petrarca, Dante, o Boccaccio tienen un papel primordial

en la aparición del Renacimiento, no les interesa la Edad Media, monopolizada por la figura

de Dios -teocentrismo- donde el hombre quedaba eclipsado por la religión, de esta manera,

estos pensadores vuelven la mirada hacia el mundo clásico: Grecia y Roma.



muchos artistas participan de ambos períodos. En el siglo XV el núcleo de poder es laFlorencia de los Médicis, mientras que en el XVI estarán en la Roma papal.


advierte, especialmente en Italia, una explosión artística, que permite hablar de un período

preciso en la evolución del Renacimiento.

El Cinquecento (siglo XVI) es el segundo período renacentista que suele hacerse

coincidir con las primeras décadas del siglo XVI y que coincide con el período más clásico. A



margen de las normas. Esta etapa se la conoce como Manierismo.En el resto de Europa el Renacimiento queda centrado en el siglo XVI.

La pintura italiana renacentista participa también de las nuevas ideas. Hay una vuelta a

la cultura clásica, a la búsqueda de la belleza basada en la medida, el número y la

proporción. Se trata de una pintura preocupada por la representación de la realidad de la

Naturaleza. Por ello aporta un nuevo sistema visual: la perspectiva tridimensional, lineal y

aérea que hace posible la representación de lo real en las dos dimensiones. Hay un interés

por la representación naturalista, por la percepción de los volúmenes, así como por reflejar

la psicología de los personajes. La temática es predominantemente religiosa en los frescos

que decoran iglesias y en las tablas de altares y oratorios, pero se cultivan también temas

mitológicos o profanos. La pintura se practica sobre muro, tabla y lienzo y las técnicas más

comunes son el fresco, el temple y el óleo.

Después de Giotto (siglo XIV) hay que esperar hasta el siglo XV en el Quattrocento para

que la pintura se inspire en el mundo clásico, en la observación de la naturaleza y al estudio

de la plasmación de la perspectiva.

Durante algún tiempo, aún predomina un gusto lineal y cromático, un gusto cortés

propios del gótico internacional. Pero pronto se impone una reacción contra este estilo. Se

investiga en la plasmación del movimiento, la anatomía y el espacio



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En el Quattrocento destacan pintores como Masaccio, Castagno, Filippo Lippi,

Botticelli...

En el siglo XVI encontramos dos tendencias: la clasicista y la manierista. A lo largo de

esta centuria, la pintura evoluciona desde un clasicismo, hacia una pintura más dinámica y

menos monumental, caracterizada por un mayor juego de luces y sombras y más volumen.La luz adquiere una importancia nueva y con ella las sombras. El logro de la perspectiva hace

que las obras adquieran más profundidad. Aparece en el paisaje fondos nebulosos,

crepúsculos... La composición es clara y las figuras se relacionan entre ellas. Se introducen

elementos cotidianos (influencia flamenca). El lenguaje clásico característico de la primera

etapa, se distorsiona y pierde claridad, entramos así, en el Manierismo.

En el siglo XVI destacan pintores de la talla de Leonardo da Vinci, Rafael y Miguel

Ángel.

La obra que se está comentando es de la figura quattrocentista Tommaso di Ser

Giovanni di Mone Cassai, más conocido como Masaccio, es especialmente importantedentro del arte pictórico italiano de comienzos del s. XV dado que será él quien desarrolle

(en dicho campo y a partir de los conocimientos compartidos por Brunelleschi) la

perspectiva, creando escenas donde el espacio será real, "aéreo". Además, sus obras, de

rotundas imágenes impregnadas de un fuerte sentido volumétrico y naturalista, prefiguran

la evolución que culminarán pintores posteriores, sentando las bases para que este cambio

sea posible. Masaccio revolucionará la pintura aportando soluciones nuevas. Le preocupan

las proporciones, la perspectiva y la consecución del espacio racionalmente estructurado,

según las leyes de las matemáticas. En este espacio racional coloca las figuras, unas figuras

de volúmenes macizos y potentes. Busca la construcción de un espacio perfecto desde elpunto de vista técnico pero añadiendo un sentido humanista a sus personajes.

Sin duda, se puede considerar el ciclo de frescos compuestos para decorar la capilla

Brancacci en la iglesia del Carmine de Florencia como la obra más importante de Masaccio,

quien trabajará en su ejecución a lo largo de varios periodos.

Inicialmente reclamado por Masolino en 1924 para que le ayudara en dicha labor, la

marcha de éste en 1925 a Hungría pondrá fin a la colaboración, recogiendo Masaccio el

testigo del encargo en solitario hasta fecha cercana a su muerte (terminando el trabajo

Filippino Lippi posteriormente).

Masaccio va a conocer y aplicar las reglas de la perspectiva científica, distribuyendo las

escenas de un mismo episodio (que pueden ser varias a la vez) en función de un punto de

fuga, dotándolas de esta manera de una unidad e interrelación narrativa que poco tenía que

ver con obras anteriores. Además, el tratamiento de la luz en las diversas escenas es

maestro, logrando con el manejo del mismo una corporeidad en las figuras (ya de por sí

monumentales, debido a la influencia de Donatello) y una ambientación "física" plenamente

realistas.

Muy importante será en su obra, asimismo, el contexto, concediendo una especial

importancia a las arquitecturas marco, puestas siempre al servicio de ese realismo que, en

muchas ocasiones, constituye un auténtico juego visual (como se puede observar en el



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fresco de La Trinidad, cuya impresionante bóveda además supuso un impacto para los

coetáneos de Masaccio y que, a día de hoy, todavía deja boquiabierto al espectador).

El cuadro de La Trinidad es un fresco situado en uno de los muros laterales de la iglesia

de Santa María Novella, en Florencia. Representa la Trinidad con la Virgen y san Juan bajo la

cruz, y los donantes -un mercader y su esposa- arrodillados. Nos podemos imaginar lasorpresa de los florentinos al ver esta pintura mural, como si fuese un agujero en la pared a

través del que se pudiera ver una nueva capilla en el moderno estilo de Brunelleschi. Pero

quizás les impresionó más la simplicidad y la magnitud de las figuras. En lugar de la

delicadeza del gótico internacional, vemos pesadas y macizas figuras; en lugar de curvas

suaves, sólidas formas angulares; y, en lugar de pequeños detalles como flores y piedras

preciosas, arquitectura majestuosamente austera. Quizás sí que las figuras eran menos

agradables a la vista que aquellas a las que estaban habituados, pero eran mucho más

sinceras y emotivas.

El gesto sencillo de la Virgen señalando al Hijo en la cruz es muy elocuente eimpresionante porque es el único movimiento en el conjunto solemne de la pintura. Sus

figuras, efectivamente, parecen estatuas, lo que se realza mediante la perspectiva del marco

que las encuadra. Parece que las podamos tocar, y esta sensación es la que hace de ellas y

de su mensaje algo nuevo para nosotros.

Este representa a la Trinidad, cuyo símbolo es el triángulo, y la composición queda

rigurosamente inscrita en un triángulo. Pero si el pintor hubiese querido expresarse por

símbolos no se habría limitado a implicar el triángulo en la disposición de las figuras. El

símbolo, al que con tanta frecuencia recurría la pintura del Trecento, no interesa ya a

Masaccio: le interesa la idea, y ésta no se comunica mediante símbolos sino a través deformas clarísimas. La Trinidad es una idea-dogma, y no hay dogma sin revelación ni

revelación sin forma. En su eternidad, el dogma es también historia, y por ello las figuras,

incluso la del Padre, son figuras reales e históricas que "ocupan un espacio". Pero el espacio

que se revela y se concreta con el dogma debe ser un espacio verdadero, cierto, absoluto,

histórico (es decir, antiguo y actual) como el dogma mismo: y este espacio es, para

Masaccio, el espacio próspero de la arquitectura de Brunelleschi.

Lo que más destaca, sin embargo, a parte de las figuras, es la bóveda de medio cañón

dibujada en perspectiva y dividida en compartimentos cuadrados que contienen rosetones

escorzados y retrocedidos de manera tan habilidosa que la superficie parece estar dentada.

La gran cantidad de estudios que tratan sobre La Trinidad de Masaccio no han dado

ninguna importancia a cómo su iluminación y su perspectiva relacionan el mundo pictórico

con el real, y cómo, al situar a los donantes en un escalón inferior, delante de la capilla,

Masaccio pretende indicar que se encuentran en nuestro lado de la pared de la iglesia,

justamente dentro del espacio y la luz de la nave.

La arquitectura está iluminada desde la izquierda, o desde el sudoeste, que es de

donde viene la luz predominante en el conjunto general de la nave. En términos pictóricos,

el único hueco posible que podía permitir el paso de la luz en la capilla de la Trinidad es el

arco a través del cual vemos el fresco, lo que podía crear la impresión de que la iluminación



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del interior debería simular su procedencia del exterior, lo que resultaba nuevo en este caso

concreto es el concepto de luz pictórica entendido como extensión de la luz en la iglesia, lo

que hace que ésta no pueda llegar libremente a cualquier lugar del espacio pictórico por

estar condicionada por la distancia de éste respecto a la fingida obertura.

Pero la luz que ilumina al donante masculino tiene una consistencia distinta que la queilumina la arquitectura. Observemos cómo la nariz y la mejilla de María aparecen

sombreados como si estuvieran iluminados desde el lado derecho, y la parte inferior a la

izquierda de san Juan proyecta una sombra contra el muro. Todo ello implica que las figuras

están iluminadas no por la fuente de luz del interior de santa María Novella, sino por una

fuente sobrenatural, la que emana del halo de Cristo al interceptar los rayos dorados que

brotan de la cabeza del Espíritu Santo. Además, la sombra al lado de san Juan sirve para

destacar el rosa de su manto y si la cara de María se iluminase frontalmente perdería su

fuerza dramática. En cambio, Cristo y Yahvé reciben una luz frontal que resulta apropiada y

conforme con la presentación de ambos bajo una perspectiva frontal y no escorzados desdela parte inferior del cuadro. Masaccio concentra, pues, la luz en las figuras sumiendo el

interior de la capilla en una fuerte penumbra que domina la perspectiva arquitectónica (el

virtuosismo de la bóveda hubiese acaparado la atención del espectador) y dirige el punto de

mira del espectador hacia las figuras mismas, cuya pálida piel absorbe la luz.

La policromía aparece en las terracotas y en los rosas y azules de los casetones de la

bóveda; al unir estos colores con el rosa, el rojo y el azul oscuro de los vestidos, Masaccio

establece un equilibrio, abstracto en su orden pero enraizado con las cosas materiales -la

ropa, la piedra y la terracota.

En la época que pintó este fresco Masaccio era un pintor joven y de absolutaactualidad. Es por ello que una de las más poderosas familias florentinas después de los

Médicis le encargara su realización en un lenguaje que nadie aún había tenido oportunidad

de contemplar. Frente a la imagen plana del Gótico italiano, que bloquea la mirada sobre la

superficie a través del fondo dorado, lo que Masaccio y los pintores de su generación

planteaban era ni más ni menos que abrir una ventana imaginaria sobre una supuesta

realidad pictórica. Habían logrado abstraer la mirada humana para proporcionar un

ordenamiento racional del mundo visible; así, en este cuadro se finge abrir una capilla real,

con su altar y todo, donde tiene lugar ante el fiel el misterio de la Santísima Trinidad.

En el primer término situó el clásico altar que se construía en las capillas laterales de

las catedrales mediterráneas. En él se abre un nicho, con un sepulcro donde la figura de un

esqueleto se rodea de una inscripción que reza: "Fui lo que tú eres y serás lo que yo soy".

Sobre este espacio aparecen los donantes, el gonfaloniero, el más alto cargo cívico, con traje

rojo, y su esposa. Esto supone una ruptura total con el arte precedente, que adjudica a los

donantes un tamaño menor al de las figuras divinas en atención a su menor jerarquía en la

concepción teocrática del mundo.

Aquí, sin embargo, se respetan las recién aplicadas leyes de la perspectiva y la

proporción para plantear dos figuras de tamaño natural, similar al de los personajes divinos,

y pintados en escorzo al tener en cuenta la mirada del fiel, que los contempla desde el suelo.

http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/2674.htm

http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/estilos/27.htm


http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/2674.htm



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Sin embargo, sí existe una diferencia en el nivel de la jerarquía de los donantes y los santos,

pero se expresa en un lenguaje diferente: tras los donantes se abre una supuesta capilla real,

donde la Virgen y San Juan lloran a los pies de la cruz, donde Cristo aparece en eje con la

paloma del Espíritu Santo y la figura de Dios Padre. Los puntos de vista para unos y otros son

diferentes: punto de vista desde abajo para los donantes, que fingen pertenecer al espacioreal del espectador. Punto de vista frontal para el misterio cristiano, que adquiere así un

espacio sobrenatural. A la intención de realidad Masaccio suministra recursos tales como el

claroscuro, que proporciona sombras y luces en vez de un fondo plano, y un diestro manejo

de las texturas y las gamas tonales para dar tangibilidad y solidez a los cuerpos. No sólo se

realiza un manifiesto de la nueva pintura del Renacimiento sino que en la capilla

representada se recogen los elementos de la nueva arquitectura basada en los restos

romanos y románicos de Italia. Aun así, Masaccio traduce un gazapo de la época, que

consiste en el número de los casetones de la bóveda, pares, mientras que en Roma siempre

se realizaban en cifra impar.La interpretación más habitual de la Trinidad es que la pintura enlaza con la conexión

medieval tradicional de la capilla con el Calvario, Κρανιου Τοπος (Kraniou Topos) en griego o

Gólgota en arameo, palabras todas ellas que significan calavera. La tumba en la parte inferior

puede ser de los donantes o de Adán. También puede significar el viaje que debe realizar el

espíritu humano para alcanzar la salvación, alzándose sobre la vida terrenal y cuerpo

corruptible a través de la oración (los dos donantes) y la intercesión de la Virgen y San Juan

Evangelista ante la Trinidad. La pintura puede leerse en sentido vertical ascendente, como la

ascensión hacia la salvación eterna, desde el esqueleto (símbolo de la muerte) hasta la Vida

eterna (Dios Padre), pasando por la oración (los donantes), la intercesión de los santos (SanJuan y la Virgen), y la redención (Cristo crucificado).


http://es.wikipedia.org/wiki/Calvario


http://es.wikipedia.org/wiki/Calavera

http://es.wikipedia.org/wiki/Calavera





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11. El Éxtasis de Santa Teresa. Bernini.

Escultura. Arte Barroco

La escultura a comentar es una obra maestra del arte Barroco realizada por el artista

Gian Lorenzo Bernini entre 1647 y 1651 y por encargo del cardenal Federico Cornaro en

Roma.

El arte barroco supone un cambio formal con respecto al arte renacentista, los valores

clásicos y el equilibrio es sustituido por el movimiento y la libre expresión de los

sentimientos. Este nuevo estilo responde a un cambio de mentalidad tanto en la Iglesia tras

la reforma de Lutero como por la conformación de las monarquías absolutas.

Durante el siglo XVI las ideas protestantes se fueron extendiendo por toda Europa,

Roma perdía su hegemonía política y religiosa. La división que se produce en la Iglesiarequería una reafirmación de la Iglesia católica y el arte barroco será el vehículo ideal para

propagar y reafirmar el dogma católico. El arte barroco también se convertirá en el

instrumento de propaganda de las monarquías absolutas que se afianzan en Europa, su lujo

transmitirá al ciudadano la sensación de poder de sus reyes.

El arte barroco es pues, un arte de propaganda, su monumentalidad, la riqueza y el

lujo no es sino la expresión del poder y de la autoridad, tanto del monarca como de la nación

y de la Iglesia Católica. El urbanismo barroco hereda los esquemas teóricos del renacimiento,

racionalismo y una concepción conjunta de arquitectura y urbanismo. Aparecen espacios de

disfrute público como paseos, plazas y jardines; edificios de servicios como hospitales,escuelas, universidades etc.



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La escultura barroca es ante todo una escultura en movimiento en contraste con el

equilibrio y reposo del Renacimiento. La escultura barroca se proyecta dinámicamente hacia

fuera. Las figuras adoptan posiciones teatrales y los gestos son más expresivos. Aparecen las

composiciones en aspa, los paños flotantes en el viento y la gesticulación expresiva de

brazos y manos. Los giros en espiral y escorzos dan dinamismo a las obras. Para conseguir unefecto de riqueza es frecuente la combinación de varios materiales, fundamentalmente el

bronce y el mármol; la luz resbala sobre las superficies lisas y descubre la calidad de la carne

o la transparencia de las telas. Es una escultura naturalista que expresa emociones. En

muchas ocasiones se buscará la policromía: en Italia usando mármoles de diversos colores y

en España y Alemania con la madera pintada.

En Italia destaca Bernini cuyas características principales son: el naturalismo, el

movimiento exaltado, sorprendido en plena acción, y la violencia expresiva. Es capaz de

convertir el mármol en carne, telas o vegetales, demostrando un virtuosismo extraordinario.

Destaca “Apolo y Dafne” y “David”. Gian Lorenzo Bernini fue un artista italiano completo; escultor, pintor, decorador,

urbanista y arquitecto. Se trataba de un artista protegido y favorito del papa Urbano VIII,

pero su sucesor Inocencio X (1644-1655), le mantuvo temporalmente excluido de los

grandes encargos pontificios, aunque esta situación no se prolongó demasiado pues era

difícil resistirse al atractivo de sus proyectos. Pero fue precisamente durante esta etapa de

marginación, entre 1645 y 1652, cuando Bernini realizó esta obra del Éxtasis de Teresa de

Jesús. Formaba parte de un encargo del Cardenal Cornaro, que consistía en remodelar el

brazo izquierdo del transepto de la iglesia de Santa María de la Victoria en Roma, para

convertirlo en su capilla funeraria. Esta iglesia era de la orden de los carmelitas, a las quehabía pertenecido Santa Teresa, canonizada poco antes, en 1622. Con este encargo Bernini

posiblemente vio la ocasión de demostrar su valía como escultor y así dejar constancia de la

injusticia que se había cometiendo contra él.

Tanto por el tema representado (arrebato místico de una santa recientemente elevada

a los altares) como por el tratamiento que recibe (efectismo teatral, expresividad, agitación),

el «Éxtasis de Santa Teresa» es una manifestación inequívoca del arte barroco, cuyo carácter

propagandístico está, en este caso, al servicio de los valores ideológicos de Iglesia Católica

que pretende reafirmar su autoridad y su doctrina con fuerza en un momento de

incertidumbre general y crisis religiosa.

Su obra escultórica es un compendio de las características del estilo barroco. En ella

destaca el movimiento exagerado, el hondo naturalismo que emanan las figuras

representadas, las calidades texturales que superen el valor de lo «escultórico» dando a los

paños la sensación de ingrávidos que contrastan con el peso de la mujer que se desploma.

Bernini hace gala de dominio escultórico abordando el tema de las nubes (poco frecuente en

la escultura) con ese deseo de subvertir los valores de cada una de las técnicas. En un

momento del arte en que la sensación se impone al equilibrado renacimiento y donde la

curva y la contracurva, el retorcimiento de las columnas, la búsqueda de mil perspectivas, la

elección del momento más tenso o dramático o morboso hace gala en el arte, y donde los



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artistas se recrean en esta fiesta plástica destinada a aunar a la arquitectura con la escultura

o la arquitectura con la pintura en una unidad excepcional, es cuando hemos llegado al arte

Barroco, un estilo que los artistas italianos serán capaces de elevar a las más altas cotas de

belleza y esplendor durante el siglo XVII.

En estos años Europa era un conjunto de Estados enmarcados por el poder papal y porel poder real. Con una lógica basada en que la verdad está en quien detenta el poder, la

Iglesia Católica enseña el Evangelio con lo mejor del arte. Roma ha renunciado a las naciones

protestantes pero quiere controlar a las católicas y la exigencia de su palabra la basará en el

esplendor del oro y la riqueza. Por otro lado, el monarca, y con un razonamiento similar,

quiere imponerse a sus ciudadanos deslumbrándolos con su ostentoso palacio. Es el

momento de la exhibición en el arte. Pero el Barroco es un estilo italiano, y éstos jamás

olvidarán su herencia clásica, su optimista renacimiento, su tendencia al equilibrio, su

búsqueda de la armonía y la proporción, su natural ponderación en el arte. En eso se

diferenciará del Barroco francés tan dado a la frivolidad, o del español más dado a laexageración. También es cierto que en Roma viven los príncipes de la Iglesia y éstos serán los

principales mecenas.

La iconografía, por descontado, religiosa. El Éxtasis de Santa Teresa es un grupo

escultórico de bulto redondo. Representa a dos figuras en el interior de un retablo

transparente. Las dos figuras se comunican entre sí a través de sus movimientos, una está

levantada y la otra yace recostada a sus pies. Se trata de un ángel enviado por Dios a la

monja española Teresa de Cepeda y Ahumada. La capilla Cornaro, ideada por el maestro, es

una explosión de mármol y metal, blancos y dorados que llenan la composición. La

combinación de materiales que el artista utiliza permite un juego de contrastes muy afín a latipología del momento. La piedra dura y fuerte del mármol consigue la sorprendente

sensación de ligereza por ese cerco de nubes en el que se eleva la santa, y también ayuda la

combinación de rayos dorados que permiten la impresión de ascensión de las esculturas en

un marco abierto. El mismo contraste se puede vislumbrar entre la suavidad del cuerpo del

ángel, con la dureza de pliegues quebrados de la santa que no se sabe si cae o se incorpora

sobre la algodonosa y blanda nube.

La cúpula tiene frescos con un cielo de trampantojo, repleto de querubines, y con la luz

descendente del Espíritu Santo representado en forma de paloma. La luz es otro de los

efectos escenográficos buscado en esta composición. Hay una ventana en la parte superior

(tras el frontón) que ilumina de forma clara los rayos dorados consiguiendo un contraste de

luces y sombras entre éstos y las dos figuras que quedan en una semioscuridad propiciada

por la capilla. Estos contrastes resaltan el sensible momento que se vive.

Bernini trata que los fieles que observan la obra participen de la pasión de la santa. Por

eso toda la obra se representa como una escena teatral, muy propia del Barroco, donde

Teresa y el ángel son el acto principal y los miembros de la familia del cardenal Cornaro

observan desde los simulados palcos como espectadores de lujo. El punto de vista del grupo

escultórico es único y frontal. Sólo de frente podemos contemplar el milagro que allí tiene

lugar.



53

El conjunto representa un momento místico en la vida de Teresa de Jesús, la santa

española (1515-1582) que fue escritora y reformadora de la sociedad religiosa de su tiempo.

Se muestra un instante de éxtasis religioso. Dicho encuentro con Dios es narrado por la

propia Teresa en el libro de su Vida donde cuenta como un ángel le atraviesa el corazón con

un dardo de oro. Bernini escoge el momento en que el querubín saca la flecha del pecho ymuestra el arrebato de sentimientos en la mujer que se debate entre el dolor y el placer

según sus propias palabras.

Toda la obra destaca por su tensión dramática, la fuerza arrolladora de los personajes,

el sobrecogedor sentimiento que envuelve la escena. Bernini consigue en ella complementar

la arquitectura con la escultura en una sola. El conjunto escultórico y la capilla están unidos

de tal forma que no puede apreciarse el arrebato de la santa sin contemplarlo en un todo. La

propia composición de líneas cruzadas del Barroco marca el momento dramático entre una

santa en la parte inferior de la composición y el ángel en la superior. A través del

movimiento de estas figuras, de los pliegues que se mueven angulosos y zigzagueantes, delrostro de la santa que se contorsiona en su arrebato religioso y en la propia acción del ángel

de sacar el dardo del corazón, Bernini consigue resumir todos los elementos propios de la

escultura barroca. Es el valor de lo sensorial sobre lo racional. Es el tiempo para un arte

coherente y lúcido pero lleno de movimiento y creatividad. Es un tiempo para grandes

artistas. La perfección técnica de la obra es incuestionable. Los rostros de los representados

buscan el máximo del sentimentalismo en la acción. El ángel mira a la santa con alegría y

satisfacción. Pero la santa alcanza el paroxismo cuando a través de ella se contempla la

vehemencia del momento. Con la boca entreabierta, los ojos entornados y la mano al

corazón, el espectador es llevado de la mano de Bernini a participar en la emocionanteescena. Ya Bernini demostró su valía como retratista con el Busto de Constanza Buonarelli

donde destaca el naturalismo de la ejecución, pero quizás la obra que más nos recuerda a

ésta que nos interesa es la que Bernini realizó de la Beata Ludovica Albertoni que murió en

arrebato místico en Roma. El Barroco es un estilo artístico que durante mucho tiempo se

consideró «decadente» y de poco mérito al compararlo con su antecesor, el Renacimiento, y

su sucesor, el Neoclásico. El siglo XIX da un vuelco a esta interpretación. Obras como el

Éxtasis de Teresa de Jesús enseñaron la maestría del momento y la genialidad del artista,

Bernini.



54

12. Las Meninas. Velázquez.

Pintura. Arte Barroco

El cuadro que se va a analizar es uno de las pinturas más conocidas de la pintura

barroca española, siglo XVII titulada “Las Meninas” pintada por Velázquez.

El arte barroco supone un cambio formal con respecto al arte renacentista, los valores

clásicos y el equilibrio es sustituido por el movimiento y la libre expresión de los

sentimientos. Este nuevo estilo responde a un cambio de mentalidad tanto en la Iglesia tras

la reforma de Lutero como por la conformación de las monarquías absolutas.Durante el siglo XVI las ideas protestantes se fueron extendiendo por toda Europa,

Roma perdía su hegemonía política y religiosa. La división que se produce en la Iglesia

requería una reafirmación de la Iglesia católica y el arte barroco será el vehículo ideal para

propagar y reafirmar el dogma católico. El arte barroco también se convertirá en el

instrumento de propaganda de las monarquías absolutas que se afianzan en Europa, su lujo

transmitirá al ciudadano la sensación de poder de sus reyes.

El arte barroco es pues, un arte de propaganda, su monumentalidad, la riqueza y el

lujo no es sino la expresión del poder y de la autoridad, tanto del monarca como de la nación

y de la Iglesia Católica. El urbanismo barroco hereda los esquemas teóricos del renacimiento,racionalismo y una concepción conjunta de arquitectura y urbanismo. Aparecen espacios de



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disfrute público como paseos, plazas y jardines; edificios de servicios como hospitales,

escuelas, universidades etc.

En el siglo XVII español, el predominio de la escultura y la pintura, como creaciones

realmente originales, es patente sobre la arquitectura, anclada en antiguas formas o

imitativa de estilos de estilos exteriores. La pobreza de medios, en un país en crisis, influyónotablemente sobre los materiales, dimensiones y programas, véase la utilización de la

madera en escultura y el óleo en pintura. Esta situación de crisis, evidente en la nobleza y en

la Iglesia, unida al escaso peso de la burguesía, hizo que las obras fueran encargadas por

determinados conventos, iglesias locales o cofradías religiosas. Sólo la Corte, a través de sus

pintores reales, ejerció un notable mecenazgo.

No obstante y por lo que respecta a la pintura, se llegó a la creación de unos modos

pictóricos sumamente originales, a la plasmación de una pintura que, con personalidad

propia, rompe los moldes de lo español, para sobresalir en el panorama europeo.

La pintura barroca española. Se trata de un arte que, partiendo del naturalismo-tenebrismo, llega a fundir el estudio de tipos concretos con altos grados de misticismo.

En la temática, cabe destacar la religiosa. El retrato fue también muy abundante en el

ámbito real y nobiliario, no así el tema mitológico. También se practicó la pintura de género,

el bodegón, el paisaje y la pintura de Historia.

Encontramos dos direcciones fundamentales dentro de la pintura barroca: el

naturalismo y el clasicismo. El poder del absolutismo monárquico y la contrarreforma

católica se verán reflejados en las pinturas de los palacios y de las iglesias: grandes telas,

techos pintados que multiplican ópticamente las proporciones y el lujo de los recintos. El

realismo va a ser un principio. Destacan pintores como Rembrandt, Rubens, Caravaggio...Las características de esta pintura son el realismo, se plasma la vida en su totalidad

reflejando el dolor, la vejez, la tristeza, la fealdad. Aparecen nuevos temas y con frecuencia

el paisaje es el argumento exclusivo del cuadro. Bodegones, naturalezas muertas...

Predominio del color sobre el dibujo: la mancha de pintura define la forma. Profundidad

continua: se acentúa la selección delante-detrás y la pintura parece tener tres dimensiones.

Hegemonía de la luz: se plasma pictóricamente la luz. En consecuencia la sombra juega un

papel muy importante, especialmente en el estilo tenebrista. La forma se subordina a la luz

que cambia en función de su intensidad. Composición asimétrica y diagonal, se pierde la

simetría. Se prefiere el desequilibrio. Las figuras y formas se cortan para sugerir que la

escena continúa más allá del cuadro. El movimiento obtenido mediante las composiciones

en diagonal por las cuales se obtiene dinamismo; las figuras son desequilibradas e

inestables. Aparecen escorzos y ondulaciones que dan vida y ritmo al cuadro. Las técnicas se

diversifican. Hay frescos, óleos sobre lienzos, sobre tabla…

Entre los pintores barrocos italianos destaca Caravaggio y su pintura parte del

Tenebrismo. Esta técnica consiste en presentar los personajes y los objetos sobre un fondo

oscuro, destacándolos con una iluminación dirigida y violenta, como un foco de teatro, que

hace más evidentes los gestos y los objetos, trayéndolos hacia un primer plano. En este

estilo se aprecia como un foco de luz elevada y único, que normalmente cruza en diagonal la



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escena pintada y resalta ciertos aspectos mientras esconde en la penumbra otros. Ya no se

trata de una luz suave, sino de violentos contrastes de luces y sombras.

La pintura barroca española no fue un arte movido, sino todo contrario, de gran

estatismo y serenidad, aunque esta falta de movilidad física no excluye un dinamismo

compositivo que proviene de la tensión de su estructura (diagonales, escorzos) o de loscontrastes, bien lumínicos o temáticos. Una pléyade de pintores plagaron el siglo,

organizándose en escuelas (valenciana, madrileña y andaluza). Entre todos los pintores:

Ribera, Zurbarán, Murillo, Valdés Leal, destacamos el caso excepcional de Velázquez.

Diego Velázquez (1599- 1660) nació en Sevilla, donde recibió formación en el taller de

Francisco Pacheco. Convertido pronto en pintor del rey, Felipe IV, tendrá la oportunidad de

estudiar las colecciones reales y, a partir de sus viajes a Italia, a los grandes artistas “in situ”,

circunstancias que sabiamente sabrá aprovechar para ir elaborando un estilo cambiante y

evolutivo en el que se iba superando a sí mismo. Su técnica, utilizando el óleo, experimenta

una prodigiosa evolución desde la pincelada fina, de potentes volúmenes y calidadeshiperrealistas, hacia otra deshecha, verificada con grandes manchas, “impresionista”. Su

temática es abundantísima, pintando mitología, pintura de Historia, de género, paisaje,

retratos y religiosa.

Su estilo varía rotundamente desde sus primeras obras sevillanas, inmersas todavía en

el tenebrismo, hasta la aclaración total de su paleta, que lo eleva a la categoría de gran

intérprete de la perspectiva aérea. Asimismo, el autor, como buen barroco, sabe

contraponer personajes y situaciones distintas para producir un dinamismo que supla la

inexistencia del movimiento físico.

Por último, Velázquez no es un simple naturalista obsesionado por la representaciónde lo real tal y como es, sino que su excepcionalidad intelectual va mucho más allá, al

realizar una pintura que reflexiona sobre la realidad y la interpreta, poniéndola al servicio de

un ideal espiritual. La pintura de Velázquez resultó muy superior a la de sus

contemporáneos, a quienes superó en técnica, composición, innovación, reflexión moral,

variedad y prestigio. Así lo vio el pintor Manet, al visitar el Prado en 1865 “Velázquez por sí

solo, justifica el viaje. Los pintores de todas las escuelas que le rodean en el Museo de

Madrid, parecen meros aprendices. Es el pintor de los pintores”.

La obra de Velázquez evolucionó a través de varias etapas:

Etapa sevillana. Obras de intenso plasticismo, con cuadros ejecutados con pincelada

fina, de potentes volúmenes. Un buen ejemplo es La vieja friendo huevos (1618).

Primera etapa madrileña. Es nombrado pintor real. Su obra más importante es El

triunfo de Baco (1628).

Primer viaje a Italia. A partir de ahora, se intensifica la fluidez de su pintura, abandona

los restos del tenebrismo, estudiando particularmente el desnudo y la perspectiva aérea. La

pintura que resume todos sus logros es La fragua de Vulcano (1630).

Segunda etapa madrileña. Es de destacar el Bufón Pablos de Valladolid . Inicia la

decoración del Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, para el que ideó Las Lanzas



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(1635), El retrato de Felipe IV y el del Príncipe Baltasar Carlos. De 1634 es su famoso Retrato

del Conde-Duque Olivares.

Segundo viaje a Italia (1649-1651). Allí pinta el Retrato del papa Inocencio X, de

profunda captación psicológica y La villa de Médicis, donde la técnica impresionista aparece

plenamente formulada. De singular importancia en esta etapa es La Venus del espejo.Periodo final. Las Meninas (1656), conocida como “la teología de la pintura” es, no

sólo la obra más importante de Velázquez sino, también, una de las pinturas más famosas de

todos los tiempos. Actualmente en el Museo del Prado de Madrid. Su última gran obra Las

Hilanderas (1657), resultó asimismo un prodigio, constituyéndose en síntesis esencial de su

estilo maduro.

El cuadro de Las Meninas es un óleo sobre lienzo. En esta obra, que corresponde al

periodo final de la pintura de Velázquez, es cuando se llega al cénit de la vaporosidad con

una pintura donde abundan los tonos rosados y marfil.

El pintor no repasa una y otra vez los colores superponiendo capas sobre capas decolor, como hicieran los pintores flamencos, sino que definía con escasa materia y unas

pocas pinceladas lo que deseaba expresar “de suerte que de cerca no se comprendía y de

lejos es un milagro”

Las Meninas es el hito de lo que algunos han llamado “pintura tonal”. Es probable que

si Velázquez hubiese elegido colores más vivos y brillantes, no hubiese resultado un cuadro

igualmente verosímil. Al mismo tiempo, al colocar los colores sujetos a una tonalidad

general, éstos liberan momentáneamente al pintor y le permiten abordar un problema no

menos complejo: la iluminación dentro del cuadro.

La escena tiene lugar en una estancia del Palacio, iluminada por la derecha y concuadros que forran las paredes. Al fondo se abre una puerta por donde entra la luz.

Velázquez realiza un sublime tratamiento de la luz que, como un denso éter inunda la gran

altura de la sala.

El autor domina con perfección la perspectiva aérea, de manera que con la pincelada

suelta y con el tratamiento abocetado de las figuras proporciona una mayor sensación de

captación de la atmósfera y el ambiente. Esta pincelada abocetada acentúa la sensación de

realidad (un crítico francés al contemplar la obra, llegó a decir: “¿Dónde está el cuadro?”), de

modo que las figuras parecen tener vida.

Aparece en el centro la infanta Margarita, hija de Felipe IV y Mariana de Austria,

quienes están reflejados en el espejo del fondo. La infanta recibe la atención de sus dos

Meninas, una de ellas comienza a hacer una reverencia a los reyes. En segundo plano se

encuentra Dª Marcela de Ulloa, encargada del servicio de las damas de la reina. Al fondo, el

mayordomo del Palacio. La zona derecha la ocupa un enorme lienzo y, ante él, el propio

pintor. Los personajes más próximos a nosotros son dos bufones de la corte y un mastín. En

esta obra Velázquez supera el propio tema del retrato de los personajes representados, para

darnos una nueva interpretación de la pintura al presentar lo acontecido “al otro lado del

cuadro”, ya que las figuras ocupan el lugar del pintor y observan a los reyes –reflejados en el



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espejo- que se encuentran “junto al espectador”, haciendo a éste partícipe de la escena

desarrollada.

Las composiciones de Velázquez no poseen movimiento, pero las figuras se hallan

hábilmente dispuestas para obligarnos a contemplarlas a “golpes de vista”, generando

tensión en su observación.Inicialmente este lienzo constaba en los inventarios de palacio como “El cuadro de la

familia”. Una vez finalizado, el cuadro fue colgado en el despacho de verano de Felipe IV, un

lugar al que sólo el rey tenía acceso y que indica el cariz familiar y privado que tuvo esta obra

para él.

Pintor de retratos. La lucha artística de Velázquez consis tió en hacer del “retrato” un

método pictórico que no encontrara límites, que pudiera abarcar lo retratable, visual por

real, y lo no retratable; que diera naturaleza y visualidad natural a la realidad y a la ficción, a

lo visible y a lo imaginario, a lo posible o lo imposible: dándoles la apariencia de realidad, de

verdad, de vida natural, que podían faltarle. Apariencia, porque Velázquez era muyconsciente del artificio de su profesión, la de creador de imágenes de una nueva realidad

que se basaba en la apariencia de las manchas, de la luz y el color, y que podía disolverse-

cuando el espectador se acercara- y demostrar que lo que se tenía delante era la verdad del

artista, no la verdad de la naturaleza.

En este cuadro, tanto la posición en primer plano del perro, como el recurso el espejo

en el fondo, han sido comparados con el “Matrimonio Arnolfini” de Van Eyck. A partir del XIX

la pintura de Velázquez se convirtió en fuente de inspiración de los impresionistas,

concretamente Manet. En España Goya se insp iró en “Las Meninas” para pintar “La familia

de Carlos IV”. En el siglo XX su obra ha sido motivo de reflexión y reinterpretación porartistas como Bacon, Picasso y El Equipo Crónica.



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13. La libertad guiando al pueblo. Delacroix.

Romanticismo

La obra de arte que, a continuación vamos a comentar, representa una de las

manifestaciones artísticas más importantes para la Historia del Arte. Estamos ante una

pintura romántica francesa del siglo XIX y que se trata de El 28 de julio: la Libertad guiando al

pueblo de Delacroix.

A mediados del siglo XIX la burguesía se había convertido en la clase dominante tras el

triunfo de las revoluciones burguesas de 1830 y1848. La libertad había sido uno de losideales de las revoluciones burguesas y se convertirá en el lema del movimiento romántico.

Frente a la burguesía se alzará el movimiento obrero. El realismo será el movimiento

pictórico que denunciará las consecuencias sociales de la industrialización.

La Libertad guiando al pueblo, muestra los sucesos revolucionarios que se dieron

durante los días 27, 28 y29 de julio de 1830, y que pusieron fin al reinado de los Borbones en

Francia, dando paso a una monarquía constitucional. La Revolución Francesa (1789) y la

Revolución Industrial marcaron los últimos años del siglo XVIII y la totalidad del siglo XIX.

Ambas supusieron la aparición de dos nuevas clases sociales: la burguesía y el proletariado.

Todos estos acontecimientos se tradujeron en el fin del régimen absolutistamonárquico, surgiendo paralelamente una conciencia nacional que se materializó en la



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creación de nuevos Estados y la emancipación de las posesiones españolas en América.

Durante las primeras décadas del siglo XIX se consolidó la clase burguesa y el proceso de

industrialización provocó un aumentó de la población en las ciudades, los transportes y la

aparición de nuevas formas de energía. El crecimiento demográfico fue el resultado de

varios factores: retroceso de la mortalidad, aumento de la producción de alimentos y en lasmedidas higiénicas. Ello tuvo como consecuencia un fuerte proceso de transformación de las

ciudades y el urbanismo.

La reacción al neoclasicismo y al dominio de la razón vino de la mano del

Romanticismo. Este movimiento pictórico supuso la exaltación del color, la fantasía, los

sentimientos y la revalorización del individuo. El subjetivismo sustituye a la razón del

neoclasicismo. El romanticismo es ante todo un movimiento de reivindicación de la libertad

y ello se refleja en su pintura. Rinde culto a los sentimientos, al amor y a la naturaleza.

Frente al orden y la razón de la pintura neoclásica se contrapone la libertad y los

sentimientos. Asume los ideales revolucionarios de libertad, igualdad y fraternidad. Lospintores románticos realizan una representación subjetiva del paisaje que es capaz de

transmitir emociones y estados de ánimo. Supone también la exaltación del pueblo como

protagonista principal. Estas características se refleja en la “Balsa de la Medusa” de Gericault

o la “Matanza de Quíos” o “La Libertad guiando al pueblo” de Delacroix.

La pintura romántica rechaza las convenciones neoclásicas. Recupera la importancia

del color para sugerir estados de ánimo. Hay un predominio del color sobre el dibujo, la

mancha de color domina todo el cuadro. Al recuperarse el color reaparecen los juegos de

luces y sombras con luces vibrantes. Las composiciones son complejas, dinámicas y

desequilibradas frente a las composiciones equilibradas de la pintura neoclásica. Algo que leaproxima al Barroco. Ahora aparecen escorzos, gestos dramáticos a diferencia de las figuras

estáticas del Neoclasicismo. El paisaje adquiere mucha importancia, pero se trata de un

paisaje que expresa estados de ánimo. Aparecen paisajes nubosos, tormentas, oleajes

furiosos, etc. Los temas preferidos son los de las revoluciones políticas

El Romanticismo no es sólo un estilo artístico sino también una actitud vital que afecta

al arte, a la literatura, a la música y a otros ámbitos de la vida. Sus raíces ideológicas se

hallan en los grandes pensadores del siglo XVIII como Rousseau. Aplicado al arte, el concepto

“romántico” nace en contraposición al cálculo y las encorsetadas normas neoclásica.

En Francia, entre 1820 y 1840, se contrapusieron dos concepciones pictóricas: la

tendencia clasicista de Ingres, que prefería el dominio de la línea y el dibujo con formas

equilibradas por encima del color; y la romántica de Delacroix y Géricault, que apostaron por

un cromatismo vivo, que les sirviera como expresión de las emociones y los sentimientos.

Alemania tuvo en Otto Runge y Caspar David Friedrich a los dos máximos exponentes del

romanticismo alemán. El romanticismo inglés viene representado por William Turner y John

Constable, que percibieron los nuevos valores de la naturaleza como el color, la luz y la

atmósfera.

Considerado el máximo exponente del romanticismo, Delacroix fue uno de los

principales pintores de la temática exótica, mostrando gran riqueza cromática. Ello tuvo una



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gran repercusión e inspiró la obra de numerosos artistas como Renoir, Seurat y Van Gogh,

entre otros.

El autor de esta obra fue Eugène Delacroix (París, 1798-1863). Fue discípulo de

Géricault, y su formación se centró en la copia de los viejos maestros del Louvre, en especial

de Rubens y la escuela veneciana. El descubrimiento de la técnica y la atmósfera de la obrade John Constable le hizo viajar a Inglaterra. Atraído por lo exótico, visitó Marruecos, donde

descubrió la brillante luz y el color de sus paisajes. Cuando regresó a Francia recibió encargos

oficiales para pintar edificios públicos, llegando a ser, al final de su carrera, uno de los

pintores murales más conocidos del país. Otras obras destacadas de este artista son: La

matanza de Quíos (1824) y La muerte de Sardanápalo (1827) La Libertad guiando al pueblo

se encuentra en el Museo del Louvre de París y se erige como obra cumbre de la pintura

romántica, constituyendo una de las manifestaciones más trascendentales de la historia de

la Humanidad.

La obra comentada se trata de un óleo sobre lienzo cuyas medidas son 260x325 cm. Lacomposición de la obra se estructura a partir de una sólida pirámide, en la que la bandera

tricolor de Francia es el vértice superior, y los cuerpos muertos que introducen la escena en

primer término, la base. A su vez, la figura femenina se convierte en el eje central de la obra,

alrededor del cual se distribuyen el resto de personajes. Esta composición a base de

diagonales y gestos exaltados dan unidad al cuadro.

Destaca en esta obra la gran movilidad que el pintor consigue imprimir a la escena,

dando una mayor importancia a la línea curva, y elevando ligeramente la figura principal,

dejándola sin ningún obstáculo visual que permita detener su avance. Así se consigue que la

acción se dirija hacia el espectador, haciéndole partícipe de la escena. En segundo plano, seintuye la silueta de algunos edificios de París, así como las dos torres de Notre-Dame, lo que

nos permite situar geográficamente la acción.

Cromáticamente la escena se encuentra dominada por tonalidades oscuras y ocres. El

artista rompe esta monotonía con la inclusión de determinadas zonas del lienzo de los

colores de la bandera francesa: blanco, rojo y azul, que se encuentran iluminados a partir de

un foco irreal. La pincelada suelta y la luz violenta contribuyen a crear una atmósfera tensa

que refuerza el carácter combativo del cuadro.

La Libertad guiando al pueblo, muestra de modo alegórico, los sucesos revolucionarios

que se dieron durante los días 27, 28 y 29 de julio de 1830, y que pusieron fin al reinado de

los Borbones en Francia, dando paso a una monarquía constitucional. El lienzo tiene como

finalidad resaltar el espíritu combativo y de rebeldía que unió al pueblo francés. Para

destacarlo, en la tela aparecen representantes de varias clases sociales: la burguesía,

personificada en la figura que lleva una chistera y empuña un fusil; el proletariado,

representado en el personaje de camisa blanca, un sombrero con escarapela y un sable en

su mano derecha; los jóvenes que simbolizan el futuro cambio; o la gran masa popular que

llena el fondo de la obra. Guiando a todos ellos destaca una figura femenina armada con un

fusil que ondea la bandera tricolor de Francia, y que avanza imparable, como la revolución.



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Asume los ideales revolucionarios de libertad, igualdad y fraternidad. Se trata de la

personificación de la Libertad, y por asimilación, de la nueva Francia.

El gran impacto que tuvo la obra hizo que, con el tiempo, dejara de tener su inicial

función propagandística para pasar a adquirir un carácter más conmemorativo. En referencia

a los antecedentes y consecuentes de la obra de arte objeto de comentario, sabemos queDelacroix recoge la influencia de varios creadores: la fuerza dinámica de Rubens, la terribilità

de Miguel Ángel, el claroscuro de Caravaggio y el tratamiento del color de la escuela

veneciana, en especial de Tiziano. Asimismo, tampoco fue ajeno a pintores más cercanos

como Goya o su maestro Géricault, de quien parece haber sacado algunas de las figuras

moribundas de la parte inferior del lienzo, que recuerdan a las aparecidas en La balsa de la

Medusa.



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14. Los picapedreros. Courbet. Realismo

A mediados del siglo XIX la burguesía se había convertido en la clase dominante tras el

triunfo de las revoluciones burguesas de 1830 y1848. La libertad había sido uno de los

ideales de las revoluciones burguesas y se convertirá en el lema del movimiento romántico.

Frente a la burguesía se alzará el movimiento obrero. El realismo será el movimiento

pictórico que denunciará las consecuencias sociales de la industrialización. Una serie de

hechos de distinto orden: la revolución de 1848, el desarrollo de la industria y de los medios

de comunicación que cambiaron las condiciones de vida y ocasionaron la concentración de

masas obreras en los grandes centros, la evolución general hacia el positivismo, los

descubrimientos en todos los aspectos científicos, la toma de conciencia de la idea de

progreso social…. explican la aparición y el desarrollo de esta tendencia en la Francia de

mediados del S. XIX.

La burguesía una vez instalada en el poder olvida los ideales que alzó como bandera:

libertad e igualdad. Las consecuencias sociales de la industrialización: explotación infantil,

largas jornadas laborales, bajos salarios van a ser denunciados por los pintores delmovimiento realista.

Los pintores realistas reflejarán esta realidad social. El Realismo se niega a idealizar las

imágenes; los trabajadores, hombres y mujeres son representados realizando sus faenas y la

fatiga y sus condiciones de vida se convierten en tema artístico. Frente al subjetivismo y la

evasión de la realidad, que caracteriza al Romanticismo, estos pintores hacen hincapié en el

objetivismo, en la realidad algo que queda patente en los temas que pintan: campesinos

cansados, emigrantes, lavanderas, trabajadores etc. Hay un gusto por lo popular. La

aparición de la fotografía (técnicas fotográficas) permite reflejar la realidad cotidiana. Hay

una búsqueda de la verdad palpable.



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Desde el punto de vista técnico el Realismo no aporta nada nuevo; se utilizan las

técnicas y recursos utilizados por movimientos anteriores. El propio Romanticismo contiene

en germen las fuerzas que generan el movimiento realista. No existe un corte total entre

Romanticismo y Realismo, no deben pues ser considerados movimientos opuestos. El

Realismo busca que el arte refleje la “verdad” directa de los campos o de los ambientesciudadanos, interiores o retratos. La atención se dirige hacia el paisaje, los tipos populares,

lo particular, lo perecedero.

Donde primero se afirman las tendencias realistas es en el paisaje. Corot perteneciente

a la escuela de Barbizon, es su máximo representante. Observa la naturaleza pero no para

idealizarla sino para copiarla fielmente. Junto a los paisajistas aparecen pintores que pintan

al pueblo y sus miserias. Pero lo hacen con una frialdad y realismo que asombra a la

burguesía de la época. La pintura rompe con la pintura romántica rechazando las emociones

y razón.

Los pintores realistas mas destacados son Millet, cuyos cuadros reflejan la sencillez y lacalma que se plasma sobre todo en el paisaje, en los campos de cultivo, incluso cuando

reflejan el esfuerzo del trabajo duro del campo. Destacan entre sus obras: “El sembrador”,

“Las espigadoras” y “El Angelus”.

Daumier, se hace conocer a través de la litografía y de la prensa política. Destaca con

sus caricaturas políticas que le valen la cárcel. Sus personajes son gente del pueblo,

marginados que sufren la opresión de los poderosos. Sus dibujos en pro de la libertad y la

justicia social, los realiza con una técnica suelta y un gran vigor expresivo que queda

reflejado en su trazo sinuoso y rotundo. Tendrá una gran influencia en el Expresionismo.

Destacan “La Lavandera” y “Vagón de tercera”. Finalmente cabe mencionar a Gustave Courbet, que a diferencia de Millet, si era un

verdadero socialista. Considerado el padre del Realismo. Para él el Realismo consiste en

afrontar la realidad prescindiendo de todo prejuicio filosófico, teórico, moral, religioso y

político. Considera que la realidad no es para el artista nada distinto de lo que es para los

demás, es un conjunto de imágenes que capta el ojo.

La idea de un arte que debe tomar conciencia de su “misión social “aparece a partir de

1830, pero no se puede hablar de escuela realista hasta después de las sangrientas revueltas

de 1848.

Courbet es un pintor que mantiene un compromiso político personal muy firme.

Muestra la realidad en toda su crudeza para que compartamos con él los mismos

sentimientos de rechazo y, en consecuencia, reaccionemos en su contra.

La obra de Courbet se caracteriza por su fidelidad al natural, la fuerza del dibujo, el

detallismo y el estudiado uso del color. En esta línea se inscriben una serie de obras

maestras como “Entierro en Ornans”, “El taller del pintor” “Buenos días Sr. Courbet”

“Señoritas a orillas del Sena” y “Los picapedreros” de la que dijo Proudhon que inauguraba la

temática socialista en la pintura.

En su obra “Los picapedreros” (1849) presenta la dura realidad de las clases

trabajadoras; en “El entierro de Ornans” es un lienzo de grandes dimensiones que



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representa un entierro de pueblo. Se recrea en los rostros campesinos que parecen

construidos con la misma materia que la tierra. Este cuadro escandalizó a la sociedad

burguesa por la vulgaridad y fealdad de sus personajes. El pintor realiza un cuidado estudio

de los personajes que son auténticos retratos de campesinos del pueblo de Ornans, de los

vestuarios y de las actitudes. Destaca su detallismo y el uso del color entre los cuales destacael negro.

En Los picapedreros nos encontramos ante un óleo sobre lienzo (1,65 x 2,38) que

presunta un paisaje árido, duro, aparecen dos figuras de espaldas, en un primer plano, uno,

viejo de rodillas con un pico en la mano y el otro, un muchacho de pie.

La composición es muy simple, sólo las dos figuras, retratadas desde un punto de vista

ligeramente más alto se recortan en una colina en penumbra mientras únicamente en el

ángulo superior derecho se ve un pequeño trozo de cielo azul; se completa la escena con los

objetos cotidianos de los picapedreros.

La luz proviene de la parte frontal iluminando las figuras que proyectan leves sombrasy contribuye al efecto plástico de los personajes, aunque la línea tiene también un

importante protagonismo.

Los colores utilizados son toda la gama de los pardos y ocres, con algunos toques de

blanco sucio y el pequeño toque de color azul del fondo que nos sitúa la escena de día, pero

en la ladera de la umbría, que contribuye al efecto de tristeza y miseria al tiempo que

“empuja” a las figuras hacia el espectador.

La profundidad no se consigue sólo con el juego de luces y sombras sino también por

los escorzos que adoptan las figuras.

El dibujo tiene un marcado protagonismo con las figuras perfectamente delimitadas,sin embargo el color domina el paisaje.

El tema de la obra nos la explica el mismo autor en carta a su amigo Wey: “Me dirigía

al castillo de Saint-Denis para pintar un paisaje, me paré cerca de Maisières para observar a

dos hombres que partían piedras en la carretera. Es difícil imaginar una indigencia más

completa y más manifiesta…, así es como me vino la idea al espíritu de hacer de ello un

cuadro… Por una parte hay un viejo de setenta años, encorvado por el trabajo, con el pico

levantado, la piel quemada por el sol, la cabeza protegida por un sombrero de paja; sus

pantalones de tela burda, estaban todos remendados y en los zuecos rotos se veían los

calcetines, que debieron ser azules, rotor por los talones. A su lado un joven con los cabellos

llenos de polvo, la piel grisácea, la camisa sucia y desgarrada, deja al descubierto los

costados y los brazos; un tirante cuero le sujeta lo que le queda de unos pantalones y los

zapatos llenos de barro se entreabren por todas partes…”

Los picapedreros representa, pues, un hecho real pero intrascendente: el trabajo de

los picapedreros, la dura existencia física de dos peones camineros. Seres totalmente

anodinos a los que no se le ve el rostro, de modo que no expresan nada, ninguna idea ni

emoción alguna, sólo equivalencias formales de ciertas cualidades inherentes a este tipo de

trabajadores: fuerza, taciturnidad, cierta torpeza y pesadez. Visten ropas raídas,

apreciándose claramente los parches de los pantalones o los agujeros de las camisas.



66

Las piedras, la cacerola del fondo, los útiles de trabajo toman un papel tan

protagonista como los de los propios personajes en la composición, recogiendo el pintor con

el mayor realismo posible lo que observaron sus ojos.

Con esta obra Courbet quiere democratizar el arte, analizar la sociedad para corregirla

ya que el pintor tiene una misión que cumplir: la transformación de la realidad



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15. Impresión, sol naciente. Monet. Impresionismo

Nos encontramos ante la obra pictórica de Monet, Amanecer, sol naciente. Con ella

comienza el movimiento artístico del Impresionismo ala que debe su nombre.El contexto histórico de la Europa de la segunda mitad del siglo XIX es bastante

complejo. Para Francia, 1870, es el momento del enfrentamiento con Prusia, se proclama la

III República, del sufragio censitario se pasa al sufragio universal. El Marxismo había

expuesto la defensa de los trabajadores, pero el panorama no mejoraba para ellos. El

Positivismo, como pensamiento busca la verdad, investigando sobre las cosas concretas y

descubriendo leyes naturales que rigen la existencia. Especial relevancia tuvieron las teorías

de Darwin, sobre el origen de las especies.

Renouvin, historiador francés expone que esa época fue la de” la cultura de la opinión

pública”, con distintas corrientes de pensamiento. Para unos, el avance de la ciencia y l atécnica junto a la potente burguesía avanzarían hacía un mundo más satisfactorio. Para otros

los conflictos sociales y la guerra citada, junto a la miseria de la mayoría de los trabajadores,

hacían pensar con escepticismo. El arte es, la expresión de esas ideas, desde el materialismo

a los anhelos, preocupaciones y sentimientos. Surgen entonces distintas corrientes artísticas

El desarrollo del movimiento impresionista abarca desde 1874 (primera exposición en

el estudio del fotógrafo Nadar) a 1886 (fecha de la última exposición, ya bajo la dirección de

Pisarro).

El Impresionismo no es una escuela, ni un grupo que se uniera en torno a un

manifiesto o programa. Supone es el encuentro de varios artistas con unas actitudes y



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preocupaciones comunes. El impresionismo destaca por la acusada individualidad de sus

miembros.

El Impresionismo se corresponde con una transformación social y filosófica; por un

lado, el florecimiento de la burguesía, por otro, la llegada del positivismo. La burguesía,

como nuevo fenómeno social, trae sus propios usos y costumbres; unos afectan al campo,que deja de ser lugar de trabajo para convertirse en lugar de ocio: las excursiones

campestres. Es el mundo retratado por Monet y Renoir. La ciudad, por el contrario, se

convierte en nuevo espacio para la nueva clase social: aparecen los paseantes ociosos que se

lucen y asisten a conciertos en los boulevard y los jardines de París. También cobra

relevancia la noche y sus habitantes, los locales nocturnos, el paseo, las cantantes de

cabaret, el ballet, los cafés y sus tertulias. Es un mundo fascinante, del cual los

impresionistas extraen sus temas, en especial Degas.

El positivismo acarrea un criterio científico a la hora de pintar. Según esto, cualquier

objeto natural, visible, afectado por la luz y el color, es susceptible de ser representadoartísticamente. El cuadro impresionista se vuelca pues en los paisajes, las regatas, las

reuniones domingueras, etc. Están alejados de cualquier compromiso social. Casi todos los

impresionistas se fueron de vacaciones al campo o a Inglaterra durante la represión de los

movimientos obreros de la década de 1880.

El Impresionismo es la culminación en la evolución de la historia del arte por la

captación de la luz. Este estilo lo forman una serie de artistas como Monet, Renoir, Degas,

Sisley, Pisarro, Morisot...

Este movimiento artístico se caracteriza porque para ellos existen tres colores

primarios (amarillo, rojo y azul) y tres complementarios (violeta, verde, y naranjarespectivamente). Asociados los colores primarios dan el complementario. Por ejemplo: la

unión de amarillo y rojo produce naranja; pero en vez de fundirlos en el pincel ha de ser el

ojo del espectador el que perciba mediante toques próximos de los colores.

Además la luz es la protagonista: los objetos sólo se ven en la medida en que la luz

incide sobre ellos. El color no existe, ni tampoco la forma pues cambia dependiendo de la

luz. De este modo la luz y sus efectos cambiantes es el verdadero tema del cuadro.

Un mismo tema es pintado repetidas veces a diferentes horas del día. Las formas y los

objetos cambian en función de la intensidad de la luz. Sin más cambio que matices en la

iluminación de los colores, de intensidad solar o de espesor de la niebla. El cuadro es

simplemente un efecto de luz.

Los cuadros impresionistas presentan una coloración de las sombras: las sombras no

son negras, son espacios coloreados con las tonalidades complementarias. Por ejemplo luces

amarillas y sombras violetas; en consecuencia desaparecen los contrastes de claroscuro, y el

dibujo se extingue o se reduce.

Se usa una pincelada suelta: prefieren la mancha pastosa y gruesa. Utilizan toques

yuxtapuestos de colores para producir un efecto a cierta distancia.

Los pintores dejan los talleres y se van al campo, algo imprescindible tanto por los

temas que pintan como por su preocupación por captar la luz.



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También presentan una nueva valoración del espacio que se consigue con ángulos y

encuadres mucho más atrevidos, Las figuras, a veces, no ocupan “el centro” del cuadro y

están cortadas por los bordes del cuadro: se trata de un modo de ver próximo al de la

fotografía.

El espectador ya no es un objeto pasivo; tiene que participar: el cuadro se ofrece comoalgo inacabado (una impresión) que es preciso reconstruir mentalmente.

Por último, la fotografía influye en su pintura con la captación del momento, y con

unos encuadres muy atrevidos.

Esta obra pictórica impresionista de 1872 que se encuentra en el museo Marmottan de

París, Impresión, sol naciente es del pintor Monet. Obras de este y de otros pintores

franceses rechazados por sus ideas revolucionarias pictóricas fueron expuestas por

Napoleón III. Fue una exposición poco visitada en la que muchos espectadores se mostraron

divertidos. La crítica se dividió, alguna pensó que la pintura fue puesta a pistoletazos sobre

los lienzos, otra admiró la fugacidad de los cuadros. Estaba clara la intención de Monet:llamar la atención.

Monet fue un pintor muy prolífero, al que se le calculan mucho más de dos mil

cuadros. También fue el único de los impresionistas que permaneció fiel a los principios del

movimiento durante toda su vida. Su máxima preocupación es la captación de la luz en la

superficie del agua. Sus series es decir, la pintura de un mismo motivo a diferentes horas del

día: “Catedral de Rouen”, “Acantilados”, “Vistas de regatas” etc. Plasman las modificaciones

de la atmósfera; los efectos de la luz sobre las formas, sobre el paisaje. En sus series elimina

paulatinamente las formas, evolucionando hacia una pintura abstracta, donde todo es color.

En su “Impresión, sol naciente” coinciden críticos al señalar la mayor expresiónpoética de la pintura, el lirismo visual de colores, formas y ritmos. Este óleo sobre lienzo (48

x 63 cm), es una obra figurativa realizada con un nuevo lenguaje artístico, que dará nombre

a un movimiento de gran trascendencia: el Impresionismo.

El tema representado es la salida del sol en el mar que refleja los rojizos rayos

solares. Se nos muestra un puerto con un fondo nebuloso en el que, con dificultad, se

adivinan los grandes barcos mercantes al fondo, con sus mástiles y, las chimeneas

humeantes de las fábricas del puerto. El sol, representado por una intensa bola naranja, se

abre paso, iluminando las tranquilas aguas marinas. Acercándose al espectador navegan tres

pequeñas embarcaciones a remo.

En este cuadro el autor se aleja de los criterios convencionales de la representación

pictórica, obedeciendo a lo emocional que le proporciona la contemplación de los diferente

elementos del paisaje, tanto naturales como los que dejan ver los tiempos modernos barcos

mercantes, fábricas, humos….

Las pinceladas no perfilan, no detallan los objetos. Las pinceladas son brillantes y

dinámicas, unas muy distintas a otras, así, el cielo tiene distintos trazos que las aguas del

primer plano dónde las pinceladas se superponen o aparecen sueltas. El resultado es la

insinuación de un instante, dando una sorprendente sensación de boceto: la pincelada ha

sustituido al dibujo, por lo que los contornos se difuminan y pierden entidad.



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Los colores, que pretenden recoger el instante de una atmósfera efímera, el amanecer

cambiante, son azules grisáceos y también rosáceos, para captar la neblina y humos. En

paralelo contrasta el naranja del sol, su reflejo lumínico en el cielo y en las aguas del puerto.

Recuerda la atmósfera matutina que el pintor norteamericano, Whistler, pintara en 1870 de

la vista del Támesis. Esta obra fue conocida por Monet en Londres.La elección de los colores no es casual, responde al conocimiento del pintor de la ley

de contrastes de colores simultáneos descubierta en 1839 por el francés, Ëugène Chevreul:

La utilización de los colores primarios cercanos en el lienzo, darán lugar a los secundarios en

su visión. También señala que la yuxtaposición de tonalidades complementarias hace que la

intensidad de ambas sea mayor, permitiendo abandonar el tradicional sistema del

claroscuro.

La luz es la verdadera protagonista de esta obra, la que hace vibrar los colores: el agua,

el cielo y todos los demás elementos del paisaje cobran forma y color con la luz naciente. El

color también adquiere autonomía, unida a la emoción del artista, creando así una nuevarealidad. La composición presenta una dinámica diagonal indicada por las pequeñas

embarcaciones que según su lejanía nos da sensación de profundidad, mientras, en el fondo,

ancladas y casi desdibujadas las naves mayores proporcionan algo de verticalidad en sus

mástiles, junto a sus chimeneas y las de las fábricas. El sol es el punto de fuga: su forma, la

más definida del cuadro y su color, el más fuerte lo remarcan.

El resultado es un conjunto de formas imprecisas, que abandonan el Interés por el

objeto, el espectador se ve ,así, comprometido ante la contemplación de la obra , que le

hará alejarse un poco de ella para acabar el cuadro en su retina.

Sus fuentes se remontan a pintores clásicos de pinceladas sueltas como Rembrandt,Velázquez y Goya, más cercano, el romántico francés Delacroix, enseñó la fuerza de las

pinceladas libres y de colores brillantes.

Su obra influirá en numerosos artistas posteriores: la desatención del motivo pictórico

a favor de la autonomía del color y de la luz convertirán al cuadro en un valor en sí mismo.

Abrió las puertas a postimpresionistas y simbolistas, a los fauvistas y a los primeros

abstractos.



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16. Los jugadores de cartas. Cézanne. Postimpresionismo

El cuadro a comentar se trata de los “Jugadores de cartas”, realizado por el pintor

francés Paul Cézanne un ejemplo claro del postimpresionismo.

A partir de 1870, las relaciones entre los países europeos, a pesar de la falsa apariencia

de paz, se tornaron cada vez más tensas. Se realizaron una serie de alianzas entre los

distintos Estados que sólo sirvieron para complicar aún más el panorama internacional. Se

intensifica el imperialismo de Europa sobre el Pacífico, Asia y especialmente África,

anexionando territorios y formando colonias. Esta expansión fue consecuencia de la

búsqueda fuera de Europa de mercados y materias primas para la revolución industrial. Losconflictos producirán desembocarán en la Primera Guerra Mundial en 1914.

Los pintores postimpresionistas forman un tronco común del que arrancarán las

diversas tendencias artísticas, las vanguardias, a partir de principios de siglo XX.

En la etapa siguiente al triunfo de los grandes maestros del impresionismo, se origina

cierta oposición al carácter fugaz de los objetos, a su visión momentánea debido a la

importancia que dan a la luz del sol, pues cambia la apariencia de los objetos.

Estas críticas han de conducir a la búsqueda de un lenguaje artístico diferente: se

recupera la importancia del dibujo y la preocupación por captar no sólo la luz sino también la

expresividad.



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Él quiere representar al objeto, su volumen, su densidad, hallar la forma sin recurrir al

contorno. Comienza a geometrizar y simplificar las formas. Busca en la naturaleza las formas

esenciales, las figuras geométricas: el prisma, la esfera, la pirámide. Una montaña puede ser

esquematizada como una pirámide, los árboles son cilindros, un fruto como una esfera; en

definitiva, trata de plasmar la estructura de los objetos. Subraya la forma mediante el color,en vez de diluirla como los primeros impresionistas. Para lograr forma y volumen recurre a la

gradación tonal, de ahí que juegue más con los contrastes de colores que con los juegos de

luz; el dibujo se obtiene con el color, es la pincelada coloreada la que proporciona forma y

volumen, luz y espacio.

En obras como “Las grandes bañistas”, “Los jugadores de cartas” resuelve el problema

de la luz y el espacio rompiendo el sistema de perspectiva: remonta los planos, amontona

los objetos mostrándolos desde diferentes puntos de vista y de este modo nos revela su

estructura y no su apariencia. Cezanne será fundamental en movimientos pictóricos como el

Cubismo.Esta obra la comenzó estando en Suiza y la acabó en Aix-en-Provence. Esta obra

pertenece a la época de madurez en la que Cézanne produce sus principales lienzos. Sobre el

mismo tema de la partida de cartas, pintó cinco cuadros diferentes, entre 1890 y 1896, de

los cuales éste es el más sobrio. Fue pintado entre 1889 y 1892. Es un periodo en que

Cézanne fue invitado a exponer con el grupo Les XX en Bruselas y, más tarde, celebró su

primera exposición en París. La obra corresponde con el estilo posimpresionista, que se

extiende entre 1880 y 1905 aproximadamente, coincidiendo con la última exposición

impresionista y la exposición de las Señoritas de Avignón, que marca el camino al cubismo.

Cézanne se forma con los impresionistas pero pronto inicia un camino que le lleva a lareconstrucción de las formas, de las líneas y los volúmenes, a la vez que conjuga la búsqueda

de la belleza: el posimpresionismo.

París constituye el marco en el que se mueven estos artistas. Reúne a una serie de

pintores que se forman en el impresionismo, pero superan sus investigaciones y contribuyen

a importantes avances en el arte del S.XX. Se convierte en una revisión de las ideas

impresionistas. Reaccionan contra el abandono de la forma y del volumen que el

impresionismo había practicado y quieren recuperar el dibujo aunque sin renunciar al color.

Quieren captar no solamente la luz sino también la expresividad de las cosas y personas

iluminadas: buscan el análisis de aquello sobre lo que la luz incide.

También se relacionan con otros artistas, poetas, literatos, músicos, que enriquecen

sus experiencias. París era un bullicio centrado en los cabarets de Montmartre que llenaban

de animación, color y luces de la vida nocturna.

Otros autores postimpresionistas fueron Gauguin y Van Gogh.

Gauguin busca una pintura que exprese sensaciones interiores, que le permita evadirse

de la sociedad de su época, por lo que dirige su búsqueda hacia una naturaleza y una

sociedad no contaminadas por el progreso, en culturas más ingenuas y primitivas. Para

Gauguin el cuadro debe ser comunicación mediante la percepción del color. En sus Mujeres

de Tahití sus colores son puros y planos como en la pintura japonesa.



73

La pintura de Van Gogh es reflejo de su búsqueda personal y en ella trata de

manifestar los sentimientos humanos. En sus primeras obras los temas son

fundamentalmente campesinos, ejecutados con tonos sombríos y pincelada brusca y pastosa

(Comedores de patatas). Al entrar en contacto con los impresionistas sus colores se hacen

más claros y su pincelada más ligera, aunque pronto sustituye la pincelada menuda de losimpresionistas por amplias superficies de color plano, un color de enorme intensidad

cromática (sobre todo azules y amarillos) que dan a su obra una gran vitalidad. Debido a su

mala salud mental, su visión de la naturaleza cambia. Ahora será reflejo de una visión

atormentada que refleja su propio drama interior, que se reflejará en su obra ( Noche

estrellada).

Jugadores de cartas es un óleo sobre lienzo. Representa a dos figuras masculinas

jugando a las cartas, alrededor de una mesa sobre la que apoyan los codos. La escena ha

sido abordada de un modo distinto del habitual. Situados frente a frente están concentrados

observando sus propias cartas en actitud sosegada.Se presentan tocados con sendos sombreros típicos de las clases sociales humildes de

la Provenza (región francesa de donde procede el autor). El hombre de la derecha viste una

chaqueta de tonalidades grises amarillentas que tiene su continuidad en el pantalón de su

compañero, vestido éste con una chaqueta de tonalidades malvas que se mezclan con

diversos colores. La gran masa cilíndrica del jugador de la pipa se ve entera y detrás tiene el

vacío; la masa más suelta y luminosa del otro jugador está cortada por el borde del cuadro.

El espectador se convierte en uno de los frecuentes observadores que contemplan estas

partidas en las tabernas, al situarnos en un plano cercano a la escena y no hacer apenas

referencias espaciales. Una alta botella nos da paso hacia la cristalera del fondo, por la quese intuye un abocetado paisaje.

El reflejo blanco de la botella es el eje del cuadro, que no coincide en la mitad exacta,

de tal manera que la composición es ligeramente asimétrica. El ambiente de taberna casi ha

desaparecido, reduciéndose a la mesa en la que apoyan sus brazos los jugadores. La escena

está iluminada por luz artificial, cuyos reflejos se aprecian en el mantel de la mesa, la botella

y la pipa. Es el color el que la produce. “La luz no es una cosa que pueda reproducirse, sino

algo que puede representarse con colores”.

El protagonista del lienzo es el color que inunda todos los rincones de la tela. El fondo

se obtiene gracias a una mezcla de tonos aunque abunden los rojizos, en sintonía con la

mesa y el mantel.

El color azul tiene para él la propiedad de dar al espacio profundidad y altura, de

“hacer sentir el aire”, como el mismo pintor dice. Con el color intenta destacar el relieve,

modelando, no con claroscuros, sino mediante los contrastes de tonos cálidos y fríos. Realiza

los contornos con trazos violetas, rechazando el negro. La aplicación del color se realiza a

base de fluidas pinceladas que expresan volumen.

Actualmente la obra se encuentra en el Museo d´Orsay (Paris). Se desconocen las

razones por las que Cézanne pintó la serie de los jugadores de cartas; aunque no busca



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mostrar una imagen de la vida cotidiana sino experimentar sobre cuestiones relacionadas

con la forma y el color, sus obsesiones pictóricas que se convertirán en vitales.

Durante la década de 1890 pintó una serie de cuadros con la temática de los jugadores

de cartas, siendo este lienzo que contemplamos el más famoso de la serie.

Cuando el artista mostró este trabajo en una sociedad local de pintores aficionados,fue recibida con incomprensión por parte de todos, excepto el joven poeta Joachim Gasquet.

Cézanne firmó la pintura y se la regaló en agradecimiento. Dos años después de su muerte

en 1906, Gasquet lo vendió por la sorprendente suma de 12.000 francos.

Puede decirse que Cézanne crea el puente entre el impresionismo del XIX y el nuevo

estilo de principios del siglo XX, el cubismo.

Cézanne seguramente había visto en el museo de Aix-en-Provence, su ciudad natal, Los

jugadores de naipes atribuido a los hermanos Le Nain. También ha sido un tema plasmado

por Caravaggio. Durante muchos años la obra de Cézanne sólo fue conocida por sus antiguos

colegas impresionistas y por unos cuantos artistas jóvenes radicales de la línea delpostimpresionismo, entre los que se incluían Vincent van Gogh y Paul Gauguin. Esta

generación posterior aceptó prácticamente todas las rarezas de Cézanne.

Fueron las exploraciones de Cézanne de simplificación geométrica y fenómenos

ópticos los que inspiraron a Picasso, Braque, Gris, y otros para experimentar con múltiples

visiones aún más complejas del mismo tema, y, con el tiempo, a la fractura de la forma. Hay

una frase, atribuida tanto Matisse como a Picasso, según la cual “Cézanne es el padre de

todos nosotros”. Matisse admiraba su utilización del color y Picasso desarrolló la estructura

de la composición plana de Cézanne para crear el estilo cubista.



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17. La Sagrada Familia. Gaudí. Modernismo

La obra que se va a comentar pertenece a la arquitectura modernista del siglo XIX., es

“La Sagrada Familia” realizada por Gaudí. El arquitecto la concibe dentro de un cierto

neogoticismo muy personal. Está obra de carácter religioso estás sustentada en una

profunda fe religiosa que le lleva a diseñar este templo en honor de la Sagrada Familia.

Aunque inacabada, este templo nos recuerda a la construcción de las grandes catedrales de

la Europa medieval.En la 2ª mitad del s. XIX se producen una serie de cambios sociales y culturales

consecuencia de las revoluciones liberales (1820,1830, 1848). Al mismo tiempo se desarrolla

el movimiento obrero y se extienden las ideas anarquistas y marxistas. Se produce la

expansión imperialista y en el terreno económico, algunos países europeos viven la II

Revolución Industrial.

En España el Modernismo coincide con los reinados de Alfonso XII, la regencia de Mª

Cristina y Alfonso XIII. La industrialización española fue lenta y tardía con respecto al resto

de Europa y se redujo a determinadas zonas: Cataluña y País Vasco. Como consecuencia de

esta industrialización en Cataluña se desarrolló de forma importante una nueva clase social:la burguesía que serán los principales clientes de este estilo artístico.



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El Modernismo convive con otras corrientes arquitectónicas: la arquitectura del hierro

y la escuela de Chicago. En las artes figurativas se desarrollan el impresionismo y post

impresionismo y las primeras vanguardias históricas (expresionismo, fauvismo, cubismo).

Se distinguen dos grandes líneas dentro del Modernismo. La primera tiene su

desarrollo en Bélgica, Francia y España y se caracteriza por la utilización de algunos motivoshistóricos (gótico), además de insistir en el carácter plástico, vital y emotivo de los espacios

construidos.

La segunda corriente alcanza su apogeo en Inglaterra y en Austria: su concepción es

más severa, basada en la línea recta, la composición planimétrica y, tendiendo a utilizar

ornamentos de carácter geométrico. De aquí partirán los arquitectos y diseñadores que

elaboran el funcionalismo moderno.

El Modernismo tiene diversas denominaciones según los países: en Francia Art

Nouveau, en Inglaterra Modern Style, Secession en Austria o Jugendstil en Alemania,

Modernismo en España. Tiene en común, en todos los países, que rompió con la tradiciónhistórica y aprovechó las ventajas de la tecnología y de la industria. Es un arte que dio

respuesta a las necesidades de una burguesía enriquecida con la industria y el comercio. En

Francia, España y Bélgica predominaron las líneas ondulantes y los motivos orgánicos, con

referencias a la naturaleza; todos sus elementos están dotados de una gran plasticidad y

dinamismo, con especial predilección por la línea curva, tanto en lo estructural como en lo

decorativo (motivos vegetales, figuras femeninas de largos cabellos y sinuosas vestimentas).

Sus figuras más destacadas fueron el belga Víctor Horta y el catalán Antoni Gaudí. En Gran

Bretaña, Austria y Alemania predominó un Modernismo de formas más rectilíneas, que

enlaza con el racionalismo del siglo XX. Su concepción más severa, se basa en la línea recta yen una decoración de carácter geométrico. Una de sus figuras más sobresalientes fue el

escocés Charles Rennie Mackintosh.

Este estilo se desarrolló no sólo en la arquitectura sino también en la pintura y en las

artes decorativas. Los artistas modernistas deseaban unificar las artes y por eso no sólo

diseñan el edificio sino también lo que contiene: muebles, lámparas…

Se utilizan y combinan materiales tradicionales (piedra, ladrillo) y nuevos (hierro,

acero, vidrio), que se aplican indistintamente, según la conveniencia, a los elementos

constructivos y a los decorativos. Las estructuras metálicas sostienen el edificio y con

frecuencia quedan a la vista.

La decoración, muy variada y rica en colores, es abundante, pero no trata de ocultar la

estructura del edificio, que se nos muestra de forma abierta. Es más, los elementos

constructivos, incluidos los elaborados con los nuevos materiales, a menudo cumplen

también una función decorativa: columnas de fundición con formas de tallos, vanos y

cubiertas con vidrieras policromadas.

El espacio interior adopta plantas libres, que huyen de la simetría. La luz adquiere un

gran protagonismo, penetrando a través de las ventanas, miradores, vidrieras y claraboyas.

El aspecto exterior presenta la misma libertad de volúmenes y formas, en un deseo de

transmitir el entorno urbano una sensación de alegría y variedad.



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El Modernismo catalán se asocia a un intento de recuperar la cultura catalana, junto a

una firma voluntad de modernizar el país. Recurren a un lenguaje neogótico, asociado a la

Edad de Oro catalana. El dinamismo económico de una rica burguesía va a impulsar el

modernismo catalán.El Modernismo no es un movimiento unitario. Pese a ello tiene algunos elementos

esenciales comunes. Estamos ante una estética joven y optimista.

Las características principales son: línea ondulada, sinuosa y delicada y una gran

originalidad en sus creaciones. El colorido es variado y suave. Se inspira en la naturaleza. El

resultado son construcciones casi orgánicas, invadidas por una sensación de crecimiento

vegetal incontrolado. En muchos aspectos imitan la propia naturaleza.

En el terreno de la arquitectura sobresalen las figuras de los españoles Antonio Gaudí y

Luis Doménech y Montaner. Aunque a Gaudí hay que considerarlo como un artista único, un

genio.Antoni Gaudí (1852- 1926) es una de las figuras más universales de la cultura catalana

y de la arquitectura internacional. Su obra se incluye en el estilo conocido como

Modernismo. Nació en el Baix Camp (Reus), pero fue en Barcelona donde se formó, trabajó y

vivió con su familia. También es en esta ciudad donde encontramos la mayor parte de su

obra. Cultivó principalmente la arquitectura, pero también el diseño de muebles y objetos, el

urbanismo y el paisajismo, entre otras disciplinas. En todos estos campos, desarrolló un

lenguaje propio muy expresivo y consiguió crear una obra que se dirige directamente a los

sentidos.

En su obras recurre a estilos medievales especialmente el Gótico del que coge susbóvedas; de la arquitectura islámica tomará el manejo de la luz y la decoración con azulejos

que dan gran plasticidad a sus obras. Se inspira en la naturaleza, en plantas, flores y árboles

pero interpretadas a través de la geometría. Así se explican las formas helicoidales, las

parábolas y las líneas curvas. Tiene una gran preocupación por el color, la luz y la armonía de

las proporciones. Utiliza materiales de desecho como la cerámica o el vidrio para revestir sus

edificios. Tiene un lenguaje personal plagado de fantasía en el que las formas se retuercen

en una línea ondulante, continua y orgánica, donde la forma y la estructura se confunden

llegando a crear una naturaleza fantástica.

Entre las obras más destacadas de Gaudí están: el Capricho en Comillas, el palacio

episcopal de Astorga , el Parque Güell , la Torre de Bellesguard, la Casa Batlló, la Casa Milà, y

la Sagrada Familia en Barcelona, la obra que se va a comentar.

Esta construcción barcelonesa está emplazada en el centro de un gran solar que

ocupaba toda una manzana del Eixample. Se trataba de una iniciativa de la Asociación

Josefina, fundada por Josep María Bocabella en 1860. Iniciada en un estilo neogótico

convencional en 1882 por el arquitecto diocesano Francisco de Paula del Villar y Lozano,

Gaudí se hizo cargo de ella a partir de 1883 y proyectó un templo grandioso, en el que

intentó aplicar todos sus conocimientos arquitectónicos, y que dejó inacabado.

http://d/HISTORIA%20ARTE%202%C3%82%C2%BA/4176_LA%20SAGRADA%20FAMILIA.doc










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Gaudí dedicó la mayor parte de su carrera profesional a construir el Templo Expiatorio

de la Sagrada Familia, obra encargada a finales de 1883 y que le ocupó toda su vida. El

templo siempre ha sido expiatorio; es decir, desde sus inicios, hace ahora más de 127 años,

se construye a partir de donativos. En este sentido, el propio Gaudí dijo: «El Templo

Expiatorio de la Sagrada Familia lo hace el pueblo y se refleja en él. Es una obra que está enlas manos de Dios y en la voluntad del pueblo.» La construcción continúa y se podría

terminar durante el primer tercio del siglo XXI.

El Templo Expiatorio de la Sagrada Familia es una iglesia de cinco naves con crucero de

tres, que forman una cruz latina. Además posee tres inmensas fachadas: La fachada de la

Gloria, de la Natividad y de la Pasión. De estas, las dos últimas están terminadas y se

corresponden con los extremos del crucero. Las naves longitudinales terminan en un gran

ábside con siete capillas. Sus dimensiones interiores son: nave y ábside, 90 m; crucero, 60 m;

anchura de la nave central, 15 m; naves laterales, 7,5 m cada una (la nave principal en total,

45 m); anchura del crucero, 30 m. Un claustro cierra el conjunto.El ábside o cabecera del templo tiene forma semicircular y está formada por siete

capillas distribuidas alrededor de un deambulatorio y del espacio central, donde se

encuentran el altar y el presbiterio. Hay dos escaleras de caracol, una en cada extremo.

Estará coronado por una torre.

El claustro, situado perimetralmente alrededor del templo, constituye un espacio de

comunicación entre las fachadas, las sacristías y las capillas.

La nave transversal que une la fachada del Nacimiento con la de la Pasión está dividida

en tres espacios: los transeptos, que conectan directamente con las dos fachadas, y el

crucero, que es el ámbito central y está coronado por cinco torres.La cripta es una planta subterránea que ocupa el espacio de debajo del ábside y que,

por lo tanto, comparte la misma estructura.

La fachada de la Gloria es la fachada principal del templo, orientada al Sur, de cara al

mar, formada por cuatro torres que quedan unidas por un gran pórtico o nártex. La fachada

de la Gloria será la más grande y monumental; es la fachada principal, la que da acceso a la

nave central. Las obras comenzaron en 2002. Dedicada a la Gloria celestial de Jesús,

representa el camino ascensional a Dios: la Muerte, el Juicio Final y la Gloria, así como el

Infierno, para todo aquel que se aparta del dictado de Dios.

La fachada del Nacimiento es una fachada del transepto orientada al Este y está

formada por cuatro torres y tres portales. Está dedicada al nacimiento de Jesús y fue la

primera que se construyó, con la intervención directa de Gaudí. Al estar dedicada al

acontecimiento gozoso del nacimiento de Jesús, esta fachada presenta una decoración

exultante donde todos los elementos son evocadores de la vida. Se centra en la faceta más

humana y familiar de Jesús, con una amplia profusión de elementos populares, como

herramientas y animales domésticos. Está compuesto por tres pórticos separados por dos

grandes columnas:

El pórtico de la Caridad es el mayor de los tres, y está dedicado a Jesús.

Simulando ser el Portal de Belén desarrolla una serie de escenas sobre el




http://es.wikipedia.org/wiki/Infierno

http://es.wikipedia.org/wiki/Infierno






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nacimiento de Jesús: la Anunciación, la Adoración de los Reyes, la Adoración de

los pastores y la Coronación de María.

El pórtico de la Esperanza está dedicado a San José, encontramos las escenas

de los Esponsales de la Virgen María y San José, la Familia de Jesús (con San

Joaquín y Santa Ana), la Muerte de los Santos Inocentes, La huida a Egipto y Labarca de San José.

El pórtico de la Fe está dedicado a la Virgen María, percibimos las escenas de la

Inmaculada Concepción, la Visitación, Jesús en brazos de Simeón, Jesús

trabajando de carpintero o El hallazgo de Jesús en el templo.

La fachada de la Pasión es una fachada del transepto orientada al Oeste, formada por

cuatro torres unidas por un gran porche, dedicada a la pasión, muerte y resurrección de

Cristo. Dedicada a la Pasión de Jesús pretende reflejar el sufrimiento de Cristo en su

crucifixión, como redención de los pecados del hombre. Por ello concibió una fachada más

austera y simplificada, sin ornamentación, donde destacase la desnudez de la piedra,semejando un esqueleto reducido a las líneas simples de sus huesos. Tan sólo figuran los

grupos escultóricos del ciclo pasional de Jesús, obra de Josep Maria Subirachs, que ideó un

conjunto simple y esquemático, con formas angulosas que provocan un mayor efecto

dramático.

Cada fachada constaría de cuatro torres, símbolos de los doce apóstoles, y en el centro

se alzarían otras cuatro que representarían a los evangelistas y en el centro de estas, la torre

cimborrio dedicada a Jesús, de 170 metros de altura. Sobre el ábside habrá otro cimborrio

dedicado a la Virgen. Las torres tienen perfil parabólico, y disponen de unas escaleras

helicoidales que dejan la parte central hueca para situar allí unas campanas tubulares

dispuestas como carillón.

Gaudí concibió el interior de la Sagrada Familia como si fuese la estructura de un

bosque, con un conjunto de columnas arborescentes divididas en diversas ramas para

sustentar una estructura de bóvedas de hiperboloides entrelazados. Las columnas las inclinó

para recibir mejor las presiones perpendiculares a su sección; consiguió una sencilla forma

de soportar el peso de las bóvedas sin necesidad de contrafuertes exteriores.

Los materiales utilizados son piedra y hormigón en bóvedas y fachadas y los remates

superiores de las torres son dorados y esmaltados con brillantes colores de cerámica de

Murano. En el alzado destaca la verticalidad marcada por las altas torres y las vidrieras que

rasgan sus muros y crean una sensación lumínica de diafanidad resaltando las audaces

formas constructivas.

No hay que olvidar la incorporación del sonido, las torres en sí mismas ya son

elementos acústicos (las escamas se colocan de manera adecuada para que suene el viento)

pero también se integran en la arquitectura un gran órgano y las campanas.

Para Gaudí, la Sagrada Familia era un himno de alabanza a Dios, en que cada piedra era

una estrofa. El exterior del templo representa a la Iglesia, a través de los apóstoles, los

evangelistas, la Virgen y Jesús, cuya torre principal simboliza el triunfo de la Iglesia; el

http://es.wikipedia.org/wiki/Crucifixi%C3%B3n

http://es.wikipedia.org/wiki/Josep_Maria_Subirachs

http://es.wikipedia.org/wiki/Cimborio

http://es.wikipedia.org/wiki/Jes%C3%BAs

http://es.wikipedia.org/wiki/Carill%C3%B3n

http://es.wikipedia.org/wiki/Columna_(arquitectura)

http://es.wikipedia.org/wiki/%C3%81rbol

http://es.wikipedia.org/wiki/B%C3%B3veda

http://es.wikipedia.org/wiki/Perpendicularidad

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http://es.wikipedia.org/wiki/Crucifixi%C3%B3n



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interior alude a la Iglesia universal, y el crucero a la Jerusalén Celestial, símbolo místico de la

paz. Gaudí diseñó personalmente muchas de las esculturas.

En los últimos años, Gaudí se dedicó al proyecto exclusivamente y en los últimos

meses vivió a pie de obra. Cuando empezó a dirigir la construcción del templo, sólo estaba

construida la cripta, en la que modificó los capiteles, que pasaron de ser de estilo corintio aotro estilo inspirado en motivos vegetales. Gaudí evolucionó desde el primer proyecto

neogótico hacia su estilo particular naturalista, orgánico, adaptado a la naturaleza.

Gaudí definía muchos aspectos a medida que la construcción avanzaba, en lugar de

haberlos concretado previamente en sus planos e instrucciones. Del proyecto del edificio

sólo se conservaban planos y un modelo en yeso que resultó muy dañado durante la Guerra

Civil española. Desde entonces han proseguido las obras: actualmente están terminados los

portales del Nacimiento y de la Pasión, y se ha iniciado el de la Gloria, y están en ejecución

las bóvedas interiores.

Gaudí dejó terminado, antes de su muerte, la fachada del Nacimiento, la cripta y unatorre. Después se hizo cargo de las obras su ayudante Domènec Sugrañes, durante los años

1926-1936, acabando las tres torres que quedaban en la fachada del Nacimiento. Durante la

Guerra Civil Española quedó destruido en su mayor parte el taller en el que Gaudí había

trabajado, y donde se encontraban sus esbozos, maquetas y modelos. Por esta causa y por la

particular manera de trabajar de Gaudí, no quedaron planos ni directrices acerca de cómo

debía terminarse el templo. Por ello, cuando en 1944 se remprendió la construcción de la

Sagrada Familia, tuvo que definirse en primer lugar cómo debía procederse, para edificar el

templo de la forma más fiel a las ideas de Gaudí. Al frente de esta gigantesca tarea

estuvieron los arquitectos Francesc Quintana, Isidre Puig i Boada y Lluís Bonet i Garí, mientras que de la obra escultórica se encargó Jaume Busquets. Posteriormente, cuando se

construyó la fachada de la Pasión, el conjunto principal de las figuras escultóricas le fue

encargado a Josep Maria Subirachs. Las obras de este último han originado cierta polémica,

debido a que ha creado esculturas totalmente contemporáneas alejadas del estilo realista

que Gaudí incluyó en la fachada del Nacimiento. El escultor japonés Etsuro Sotoo ha

colaborado en algunas esculturas de la fachada del Nacimiento. Desde 1987 las obras están

bajo la dirección de Jordi Bonet i Armengol.

Las reminiscencias góticas son claramente contrastables, estructuras como el rosetón,

las bóvedas y los pináculos y la iconografía utilizada son los más destacables antecedentes

de la obra. Los consecuentes vienen dados por las propias formas de construcción en la

continuación de la obra siguiendo en lo posible las ideas de Gaudí y por lo tanto en los

seguidores del modernismo.

La Sagrada Familia ha sido declarada patrimonio de la humanidad por la UNESCO.

http://es.wikipedia.org/wiki/Iglesia_Cat%C3%B3lica

http://es.wikipedia.org/wiki/Nueva_Jerusal%C3%A9n

http://es.wikipedia.org/wiki/Capitel

http://es.wikipedia.org/wiki/Corintio

http://es.wikipedia.org/wiki/Guerra_Civil_espa%C3%B1ola


http://es.wikipedia.org/wiki/Dom%C3%A8nec_Sugra%C3%B1es



http://es.wikipedia.org/wiki/Guerra_Civil_Espa%C3%B1ola


http://es.wikipedia.org/wiki/Francesc_Quintana

http://es.wikipedia.org/wiki/Isidre_Puig_i_Boada

http://es.wikipedia.org/wiki/Llu%C3%ADs_Bonet_i_Gar%C3%AD

http://es.wikipedia.org/wiki/Jaume_Busquets


http://es.wikipedia.org/wiki/Jap%C3%B3n

http://es.wikipedia.org/wiki/Etsuro_Sotoo


http://es.wikipedia.org/wiki/Jordi_Bonet_i_Armengol

http://es.wikipedia.org/wiki/Jordi_Bonet_i_Armengol


http://es.wikipedia.org/wiki/Etsuro_Sotoo

http://es.wikipedia.org/wiki/Jap%C3%B3n


http://es.wikipedia.org/wiki/Jaume_Busquets

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18. El grito. Munch. Expresionismo

La pintura que se va a comentar se trata de la obra titulada El Grito (1893), de Munch,

pintor noruego perteneciente a la primera generación expresionista. Está realizada sobre

tabla con la técnica del témpera-pastel (91 x73’5 cm).

Eduard Munch pintó el Grito en 1893 en París, sin duda una de las cunas del

pensamiento contemporáneo y de las reacciones sociales que siguieron a la Revolución

industrial. La sociedad se subordinó a la economía. En este marco es donde se origina una fuerte disputa acerca de cómo debería volver a

organizarse una sociedad. Y a partir del cual surgen movimientos sociales que reivindican uncambió de las estructuras socio-económicas. París vivía envuelta en un clima de constante

protesta social, una época de boicots, sabotajes y huelgas generales contra la clase

burguesa. Así pues el Grito fue pintado en este clima social. ¿Podría Munch abstraerse de

esta atmósfera al pintar su cuadro?

Con el término Expresionismo se denomina una pintura en la que prima la «expresión

subjetiva» sobre la representación de la objetividad ; la obra se convierte así en un vehículo

de comunicación entre los sentimientos del pintor y el público. Se plantean las angustias

vitales del hombre; tiene, en consecuencia, una carga dramática, pesimista y crítica. Según esto, más que un estilo, es una actitud ante la pintura, marcada por un espíritu

de rebeldía y oposición a todo lo establecido. A nivel formal la expresión de estos



82

sentimientos suele recurrir a los rasgos anteriormente señalados: colores hirientes, ritmos

lineales fuertes y, a veces, a un afán de ruptura con toda norma pictórica.

El término Expresionismo se viene utilizando aproximadamente desde 1910 aunque

refleja una realidad anterior. Su significado supone una clara contraposición frente al

término Impresionismo; como dice Hamilton, éste supone un movimiento de fuera aadentro mientras que el Expresionismo implica un movimiento de dentro a afuera en la

relación del artista con lo que le rodea.

Todo esto ayuda a explicar la extensión en el tiempo del Expresionismo, de modo que

hay varios movimientos y, también, personalidades aisladas que, ocasionalmente, formaron

parte de distintos grupos. Este es el caso de pintores como Ensor, Rouault, Nolde o el propio

Munich; hombres que abrieron este camino pero que sólo temporalmente se integraron en

grupos.

La fuerte personalidad de los autores citados ejercerá gran influencia en artistas

posteriores, sobre todo en Alemania, donde el expresionismo arraigará mucho. De hecho,será en este país donde surjan dos movimientos importantes:

Die Brücke (El Puente). Se constituye en 1905, en Dresde, integrado por artistas como

Kirchner, Schmidt-Rottluff, etc. Admiran la obra de Gauguin, Van Gogh, Munch y el arte

primitivo, africano o de Oceanía. En general, sus características formales son muy parecidas

a las del fauvismo, con colores agresivos, hirientes, vivos, planos y violentamente

contrastados. Sus obras muestran un claro desinterés por el espacio, el volumen, el detalle o

los estudios de luz o atmósfera. Es una pintura figurativa, antinaturalista, con fuerte carga

simbólica.

Der Blaue Reiter (El Jinete Azul). Se crea algo más tarde, 1912, en Munich. Lo integranartistas como Vasily Kandinsky, Paul Klee, Franz Marc y August Macke. Su pintura refleja la

influencia de otros movimientos como el cubismo y el futurismo, sigue siendo

preferentemente colorista, y se aprecia una clara tendencia hacia la abstracción y la no

objetividad.

Eduard Munch (1869-1944) era hijo de un piadoso médico de enfermos pobres, Munch

vio morir de tuberculosis a su madre y a su hermana mayor cuando tenía catorce años.

Su pintura rechaza los temas neutros del impresionismo y se dedica a la expresión de

estados de ánimo intensamente subjetivos, morbosos y turbadores. Su finalidad es explorar

el mundo interior de la conciencia humana.

Este pintor noruego cree en la capacidad de transmitir emociones del arte y lo plasma

a través de una línea sinuosa y el ritmo de su pincelada. Sus figuras son etéreas, sus

personajes solitarios, utilizando el color de forma arbitraria. La fuerza del color y su línea

permiten al artista reflejar su angustia. Su arte es fundamental para entender las corrientes

expresionistas del siglo XX. Es el auténtico precursor del expresionismo alemán, de hecho, su

obra “El Grito” realizada en 1893, se convierte en la portada del Manifiesto del grupo “Die

Brucke”, El Puente.

La obra analizada es considerada como precursora del expresionismo término que se

viene utilizando desde aproximadamente 1910, aunque refleja una realidad anterior. No



83

obstante, podemos decir que surge a principios del siglo XX y se desarrolla en diversos

grupos (los ya citados El Puente y El Jinete Azul más la Nueva Objetividad y La Escuela de

París).

En fechas más recientes, después de 1975, se han desarrollado corrientes

expresionistas en Alemania, Estados Unidos e Italia en los que se ha denominado connombres diferentes: Nuevos Salvajes, Nueva Imagen y Transvanguardia, respectivamente.

Los elementos plásticos de la obra que analizamos se supeditan a la marcada

expresividad de la obra. La personalidad depresiva e inestable del pintor le hace plasmar el

grito más expresivo de la historia del arte contemporáneo. Todo el cuadro es un grito de

angustia, de dolor que expresa el estado de ánimo del pintor. Este reflejo de la angustia la

obtiene a través de la línea, del color y de la pincelada.

Efectivamente, en lo que a la línea se refiere, hay una fuerte contraposición entre las

rectas -diagonales- de la baranda y las ondulaciones constantes del resto de la obra. Tantounas como otras dinamizan la representación, haciendo moverse al ojo constantemente por

toda la superficie del lienzo.

En cuanto al empleo de los colores, existe, de nuevo, una contraposición entre las

gamas cálidas y frías que contrastan entre sí. Tantos unos como otros son, por completo,

antinaturalistas.

El color se independiza del objeto: lo importante no es representar la realidad sino

transmitir el estado de ánimo. Y es que el color adquiere aquí un valor expresivo.

En cuanto a la pincelada, predomina la mancha sobre el dibujo, valiéndose solamente

de la línea para contornear determinadas partes de la figura. La pincelada es suelta, nerviosay curva, transmitiéndonos –como ya hemos indicado- sensaciones del estado de ánimo del

pintor.

También la luz es antinaturalista, sin un foco determinado. No emplea el claroscuro. En

cuanto a la profundidad, gracias a las diagonales y las líneas onduladas (así como por la

diferencia de tamaño entre las figuras) se tiene una fuerte sensación de espacio que nos

lleva desde el primer plano hasta el fondo sin puntos intermedios, comunicando así figura

con fondo y creando un cierto desasosiego a la hora de contemplar la escena, llevándonos

con movimientos rápidos de un lugar a otro. El paisaje, el mar, el cielo y la tierra se

construyen a base de ondulaciones que parecen prolongar el grito que se escapa de la figuracentral, proporcionando movimiento a la obra. La asimetría del cuadro contribuye a

transmitir inquietud y desequilibrio. En lo que a la composición se refiere, en primer plano,

un individuo se lleva las manos a la cabeza y abre la boca para gritar con toda su energía y

expresar así su angustia.

El personaje principal permanece quieto mientras las otras dos figuras humanas

pasean indiferentes en el otro extremo del puente. Más allá del puente todo parece

solidarizarse con el protagonista, pues adquiere la misma sinuosidad que él.

La baranda separa los dos ambientes. Al fondo de la composición se puede apreciar un

fiordo (elemento típico del paisaje noruego) y dos siluetas de barcos.



84

El simbolismo es patente en el rostro agitado del protagonista en primer plano, que es

casi una calavera que se aprieta el cráneo con las manos para que no le estalle. La figura

abocetada ocupa la posición central del cuadro y se forma a base de una línea que se

retuerce sobre sí misma. Su angustia se ve reforzada por la propia posición de sus manos. El

autor estira la figura hasta deformarla. Desgarra el cuerpo y el paisaje hasta convertirlo enun grito de desesperación y dolor.

No le interesa, como ya se ha indicado, reproducir la realidad sino distorsionarla a

través de la figura y el paisaje para expresar un estado de ánimo interno. Su mirada se dirige

hacia el espectador, entrando en comunicación directa con él, y transmitiéndole su angustia.

De esta manera el espectador participa de la desesperación y soledad del personaje.

Munch quiso reflejar en sus obras los rincones más ocultos del alma humana. Sus

cuadros partían del principio de que, si la auténtica realidad -la interior- no se corresponde

con la palpable, había que adaptar ésta última para poder exteriorizar la que llevamos

dentro. Así pues, El grito es un reflejo del mundo interior del artista que entronca con lasoledad del ser humano en la civilización moderna.

En unas notas del año 1882, el propio Munch describió la situación que le llevó a pintar

e cuadro El grito: "Iba caminando con dos amigos por el paseo - el sol se ponía - el cielo se

volvió de pronto rojo - yo me paré - cansado me apoyé en una baranda - sobre la ciudad y el

fiordo azul oscuro no veía sino sangre y lenguas de fuego - mis amigos continuaban su

marcha y yo seguía detenido en el mismo lugar temblando de miedo - y sentía que un alarido

infinito penetraba toda la naturaleza". Teniendo esto en cuenta es cierto que no podemos tener la certeza de lo que quiso

expresar a través del Grito, pero considerando los aspectos anteriores, el grito que Munchdirige a la ciudad no sólo transmite una angustia personal del pintor sino además una cierta

incomprensión y crítica hacia la nueva forma de organización socioeconómica de la época.

Una estancia en París permitió al noruego Munch entrar en contacto con las obras de

Van Gogh, Gauguin y Toulouse-Lautrec, que influenciaron su pintura de manera

determinante. Sus obras también guardan un marcado paralelismo con las pinturas negras

de Goya por el uso de colores oscuros y atmósferas tétricas. En el campo conceptual, las teorías filosóficas de Nietzsche y Kierkegaard dejaron

huella en su producción artística. Este último había dejado escrito: "Es tanto el peso de mi

alma que ningún pensamiento puede transportarla, y no hay alas capaces de elevarla a lo

inmaterial. Si se conmueve, parece acariciar el suelo con sus alas, como el vuelo bajo de los

pájaros cuando presienten la tormenta. En mi pecho anida una opresión, un temor que

adivina un terremoto". La influencia que tuvo el Grito y la obra de Munch en general, sobre el expresionismo

alemán, fue como ya hemos indicado, muy fuerte hasta el punto que esta obra se convierte

en la portada del Manifiesto del grupo “Die Brucke” (El Puente). Artistas como Kirchner,

Nolde, etc. criticaron la sociedad regida por el trabajo industrial y por el sistema socio-

económico de Guillermo II, de forma más directa y clara. Ellos tomaron el testigo de Eduard

Munch.



85

19. Formas únicas de continuidad en el espacio. Umberto Boccioni.

Futurismo

La obra a comentar es Formas únicas de continuidad en el espacio, escultura futurista

(126 x 89 x 40 cm) realizada por Umberto Boccioni en 1913. Se elaboró con materiales

tradicionales (barro y modelo de yeso), pero después de la muerte del artista fue fundida en

bronce. Se encuentra en el MOMA , en Nueva York.

A comienzos del siglo XX fue como si la velocidad y la fuerza inéditas de la maquinaria

engendraran una energía social radical. Más tarde las nuevas tecnologías y su ideario

revelarían aspectos amenazadores, pero para artistas futuristas como Boccioni fuerontremendamente tonificantes.

Los pintores futuristas, conducidos por el poeta Filippo Tommaso Marinetti, trabajaron

en Italia desde 1906 a 1916, aproximadamente en el mismo período que los cubistas en

Francia. Este grupo, entre quienes se contaba Umberto Boccioni, Gino Severini y Giacomo

Balla opinaban que Italia estaba anclada en las glorias del pasado y que era preciso que

entrase en el futuro. Su objetivo más general era introducir la cultura europea en lo que

consideraban como el nuevo y glorioso mundo de la tecnología moderna.

Los futuristas parten de planteamientos cubistas (fragmentación del plano), surgen

como una vanguardia casi exclusivamente italiana, cuando sus integrantes, bajo lainspiración del poeta Marinetti, firman el Manifiesto Futurista. El grupo estará vinculado al



86

nacionalismo belicista italiano del momento. Podemos entender el futurismo como un

cubismo puesto en movimiento. Lo importante no es fragmentar el objeto sino captar su

movimiento. De ahí que para conseguirlo acudan a técnicas como la fotografía (corrido

fotográfico). A estos artistas el cubismo les permitía la posibilidad de representar

simultáneamente algo que sólo podemos ver de manera sucesiva en el tiempo. Representarlas diferentes fases, el movimiento, tratando de representar la velocidad. El concepto básico

del grupo es el de velocidad. Hay que expresar el mundo moderno, el mundo de la máquina,

los objetos inmóviles no tienen sentido.Iintentaron con todas sus fuerzas negar el pasado.

Les interesaba mucho lo publicitario, y su Primer Manifiesto, escrito por Marinetti en 1909,

era una alabanza a la juventud, las máquinas, el movimiento, la potencia y la velocidad. El

Segundo, un año después, atacaba las técnicas clásicas de pintura y lo que denominaron el

"modernismo superficial" del arte de la Secesión. En esta época tenía mucha fuerza la idea

del futuro como algo excitante y glorioso. La pintura de Picasso, la música de Igor Stravinsky,

la tecnología moderna, todo parecía conducir a una era nueva y excitante. La palabra clavede este nuevo movimiento era dinamismo, una fuerza universal, y esto es lo que la pintura

debía mostrar. Los futuristas usaron el dinamismo para glorificar la violencia; su Manifiesto

proponía prender fuego a los museos, guardianes del pasado, y consideraban la guerra como

algo rápido, ruidoso y teatral.

Los críticos del futurismo, muchos de ellos defensores del cubismo, les acusaban de ser

fotográficos, y comparaban su obra con las fotografías de exposición múltiple a alta

velocidad. Sin duda, los futuristas conocían la obra de Muybridge, fotógrafo inglés que

trabajaba en Norteamérica, y de Marey, fisiólogo francés, pero negaban su influencia. Aun

así, cuando contemplamos obras futuristas, no podemos dejar totalmente de lado lainfluencia de la fotografía.

En esta escultura ha desaparecido el rostro para dar lugar a una serie de volúmenes

cóncavos y convexos. Se desconoce el sexo de esta figura, presenta ausencia de brazos, por

lo que se piensa que Boccioni pudo haber "ilustrado" la célebre interpretación de Marinetti.

Este dramaturgo había escrito en el manifiesto fundacional del futurismo que un automóvil

lanzado a toda velocidad era "más hermoso que la Victoria de Samotracia". Se trataba de

una declaración contra la tradición clásica, reverenciada en todas las academias, pero esa

comparación encandiló a los seguidores del poeta italiano.

En 1912 Boccioni había denostado la ambición de la escultura a “la imitación ciega y

cerril de las fórmulas heredadas del pasado”, y sobre todo, al “peso oprobioso de Grecia”.

Pero Formas únicas de continuidad en el espacio tiene un parecido profundo con una obra

clásica de hace más de dos mil años, la Victoria de Samotracia. Allí, sin embargo, la velocidad

está impresa en los paños de piedra que envuelven la figura. Aquí es el propio cuerpo lo que

se remodela, como si las nuevas condiciones de la modernidad alumbraran un hombre

nuevo.

En la obra de Boccioni parece haberse fundido el cuerpo, las ropas y el aire

circundante. Presenta unos planos dentro de otros y elementos puntiagudos que sobresalen

hacia atrás, para sugerir la fuerza incontenible del movimiento. En esta escultura el maestro



87

Umberto Boccioni se nos muestra con toda su fuerza, dominando los espacios y el

movimiento magníficamente, con multitud de formas y estructuras. Vemos claramente

como consigue una continuidad en los espacios y una reconstrucción abstracta con un

significado figurativo

La simultaneidad y el dinamismo de Umberto Boccioni busca capturar una sensaciónno solo de espacio y movimiento, sino también de tiempo. De hecho fue uno de los

fundadores del movimiento Futurista italiano en 1910, que rechazaba el pasado y buscaban

su inspiración en la tecnología, plasmando en sus obras la vida moderna con todo su

dinamismo y vitalidad.

En la obra Formas Únicas en la Continuidad del Espacio , vemos una figura que avanza

potentemente hacia el futuro, la figura tradicional del desnudo heroico se hace aquí

agresivamente moderna. La superficie brillante y pulida del bronce hace que esta figura

parezca más una máquina, potenciado por las formas angulares que la componen.

Boccioni además ha acentuado la sensación de espacio y movimiento perenne, graciasa la multiplicación de las formas y a que la figura aparece con unas extensiones, a modo de

alas o de ropajes movidos por el viento en contra, que permiten al espectador sentir cómo la

figura avanza con fuerza, de hecho el motivo esencial de la escultura no es la figura en sí

misma o la forma, sino la captación del movimiento y la fuerza.

Boccioni se propuso la abolición de la línea finita y de la estatua cerrada. Entendía con

ello que la forma escultórica no había de cerrarse sobre sí misma, sino desarrollarse en su

periferia. El bloque plástico se dotaba de un impulso centrífugo en la medida en que trataba

de dar síntesis a la actividad misma del objeto en movimiento, en este caso una figura que

camina.En “Formas únicas de continuidad en el espacio” Boccioni da forma escultórica a la

velocidad y la fuerza. La figura avanza, y sus líneas desbordan los límites del cuerpo, se rizan

en banderas curvas y aerodinámicas, como moldeadas por el viento de su paso. Boccioni

estuvo dos años desarrollando esas formas en pinturas, dibujos y esculturas, estudios

rigurosos de la musculatura humana. El resultado es un retrato tridimensional de un cuerpo

poderoso en acción.

La escultura de Boccioni, “Formas únicas de continuidad en el espacio” , presenta con

una gran vehemencia el dinamismo de la figura humana. Parece que encarna el movimiento

en forma tridimensional, con luz e incluso sonido. Boccioni habló de la necesidad de romper

los rígidos contornos de la figura, de crear una continuidad dinámica en el espacio y de

fusionar la figura con su medio ambiente. El título de la cronofotografía de Marey es Fases

sucesivas de un salto de longitud; se hace difícil crecer que estas dos obras sean meras

evoluciones paralelas.

Es tan grande el valor significativo que esta obra tiene para el pueblo italiano, que en

2002 su imagen fue acuñada en la moneda italiana de 20 céntimos de euro.

En conclusión, Formas únicas de continuidad en el espacio no sólo representa la

temprana incursión de la Escultura dentro de las artes vanguardistas, sino un influyente

legado para las artes plásticas del siglo pasado, y aún de nuestro tiempo.



88

20. Las señoritas de Avignon. Picasso. Cubismo

La obra a comentar es “Las Señorita de Aviñón” cuadro realizado por Picasso en 1907

que revolucionará la pintura de este siglo. Es un óleo sobre lienzo (243’9 x 233’7 cm).

En 1906 Picasso abandona sus temas de la época azul y rosa y sigue un camino propio

ajeno a las modas artísticas del momento. Este camino le llevará a crear un nuevo lenguaje

artístico fuertemente influido por Cezanne y la escultura ibérica y africana. Este nuevo

lenguaje se concreta a la hora de interpretar de una manera muy personal, la forma, el color

y el espacio. Este cuadro no sólo se le considera el antecedente directo del cubismo, sino

también el arranque de las vanguardias en el siglo XX.

El cubismo es un movimiento que se inicia hacia 1907 y cuyos principalesrepresentantes son Pablo Ruiz Picasso, Juan Gris y Braque. Está basado en muchas corrientes

y es uno de los movimientos más importantes del siglo XX. El cubismo está influenciado por

las esculturas africanas. Los cuadros cubistas tienen muchos ángulos. Suelen ser figuras

geométricas. Las principales figuras geométricas que usan los pintores cubistas son el

cilindro, el cono y el cubo. El color es lo menos importante, suele ser aleatorio. Este

movimiento es una introducción a la pintura abstracta.

El cubismo se inspiró en la obra de P. Cézanne (quien afirmaba que todo en la

naturaleza podía ser reducido a formas geométricas) y de los posimpresionistas, y en el

estudio del arte negro. En el periodo pre-cubista se recogen todas las corrientes anteriores yeso es lo que nos permite entender el cubismo. Los cubistas tenían conciencia de que el



89

hombre moderno se desplaza cada vez con mayor rapidez y, consecuentemente, la idea que

se forma de las cosas es compleja. Para traducir toda esa complejidad pintan distintas caras

de un mismo objeto, reuniendo en una sola imagen lo que la mirada solo logra percibir

sucesivamente. Resaltan así la idea de “simultaneidad”. Los artistas cubistas, al introducir

una visión tridimensional del espacio, representaban de forma simultánea varios aspectos deun mismo objeto visto desde todos sus ángulos. El cubismo representa una ruptura con la

pintura tradicional: desaparición de la perspectiva (profundidad), utilización de una gama de

color apagada (grises, tonos pardos y verdes suaves), introducción de la visión simultánea de

varias configuraciones de un objeto (vista de frente y de perfil, por ejemplo) con lo cual

desaparece el punto de vista único y, finalmente, atención a la cuarta dimensión (el tiempo)

como un factor más de la pintura.

Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o del

Fauvismo. En lugar de ellos utiliza como tonos pictóricos los apagados grises, verdes y

marrones. Los pintores cubistas utilizaron como modelos los temas de la naturaleza yrepresentaron rostros y figuras humanas. Pronto centraron su temática en naturalezas

muertas. Estas eran composiciones formadas con objetos usuales, agrupados casi siempre

sobre una mesa, que carecían de profundidad y en los que los elementos ocupaban el primer

plano, gracias a una descomposición en facetas.

El cubismo pretende representar la “cuarta dimensión” de los objetos. Nosotros

conocemos las tres dimensiones (altura, anchura, y longitud). Pero las vemos desde una

determinada perspectiva, por ejemplo, no vemos la parte de atrás. Si queremos conocer

bien un objeto tenemos que dar vueltas alrededor de él, y luego abrirlo para ver cómo es por

dentro. La cuarta dimensión vendría a ser la suma de todas las perspectivas. Los cubistastratarán de representar los objetos uniendo los diferentes puntos de vista. En un cuadro

cubista una persona puede aparecer de frente y de perfil. A veces se recurre a la

transparencia, otras se despedaza el objeto, que se convierte en un rompecabezas, y se

colocan sus partes desordenadas por el cuadro. Se trata de un arte cerebral.

Las características generales del cubismo son:

Rechazo del modelado clásico y de la perspectiva.

Disección de objetos, con el fin de recomponerlos geométricamente en sus

elementos esenciales.

Multiplican los puntos de vista, apareciendo con ella la cuarta dimensión.

El objeto, se representa de un modo total, lo que determina una visión

múltiple, y para conseguirlo yuxtapone planos fragmentarios.

Primacía total de la línea y de la forma, puesto que se trata de crear volúmenes,

en detrimento de la luz y el color. El cubismo es construcción.

La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista

inmediato. Todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos

críticos que los explicaban.

Por todas estas características el cubismo es un estilo muy racionalista cuya fase inicialy la más ortodoxa se desarrolla entre 1909-1911 como resultado de las investigaciones de



90

Picasso y Braque. Es el llamado Cubismo analítico: las formas y las figuras están tan

fragmentadas y descompuestas que se hacen irreconocibles. No existe distinción entre el

fondo y forma, se produce la desaparición de la perspectiva tridimensional; los objetos se

descomponen estructuralmente, se fragmenta el tema en todos los puntos de vista posibles,

utilizando una gama cromática muy limitada. El color pierde importancia y se limita almínimo. Sin ser obras abstractas la visión del cuadro nos resulta muy difícil, de ahí que a

partir del cubismo analítico se llega a la abstracción geométrica.

A Partir de 1911 hasta 1914 aparece el cubismo sintético: los cuadros empiezan a

perder el aspecto fragmentado y la realidad se reconstruye a base de planos de color. Los

objetos se pueden ver desde diferentes puntos de vista, desde dentro y desde fuera.

Picasso es un artista prototipo de las vanguardias del siglo XX. Posee una enorme

vitalidad y nunca perdió la capacidad de sorprender y de innovar. Su enorme capacidad

creativa le lleva a explorar continuamente multitud de estilos en donde el cubismo es uno

más de los que explora a lo largo de su carrera artística.Es considerado uno de los mayores artistas del S. XX, participó desde la génesis de

muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran

influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Pintó más de dos mil obras sobrevivientes

en museos de toda Europa y el mundo. En lo político, Picasso se declaraba pacifista y

comunista. Fue miembro del Partido Comunista Francés.

Hacia finales de 1906 Pablo Picasso empezó a trabajar en una composición de gran

formato que iba a cambiar en decurso del arte del siglo XX: Las señoritas de Avignon. En esta

obra confluyeron numerosas influencias. En compañía de otro pintor, Pablo Picasso se

adentró en la herencia plástica vigente desde el Renacimiento, especialmente en el ámbitode la representación pictórica del volumen: fue el inicio del cubismo. En 1906 descubrió el

arte primitivo español a través de una exposición en el Louvre que exponían esculturas

ibéricas entre ellas la Dama de Elche. En estos momentos realizó los primeros bocetos de

esta obra, luego hay que considerar el período africano o protocubismo (1907-1909). En

1907 visitó el Museo de Etnografía en París y fue su primer contacto con piezas africanas y

oceánicas. Este hecho dio un nuevo empuje a las Señoritas de Avignon. Características del

Cubismo. Está basado en muchas corrientes y es uno de los movimientos más sobresalientes

del siglo XX. Asimismo está influenciado por las esculturas africanas.

Los cuadros cubistas tienen muchos ángulos. Suelen ser figuras geométricas: el

cilindro, el cono y el cubo. El color es lo menos importante, suele ser austeros. En el periodo

pre-cubista se recogen todas las corrientes anteriores y eso es lo que nos permite entender

el cubismo. El cubismo representa una ruptura con la pintura tradicional. Utilización de una

gama de color apagada (grises, tonos pardos y verdes suaves). El cubismo busca escenas

cotidianas. Se renuncia a la perspectiva tradicional y a los colores reales.

El cuadro representa a cinco mujeres desnudas en actitudes sinuosas en un prostíbulo

barcelonés. Todo está violentamente geometrizado, a base de triángulos, con agudos

esquivamientos, y no es fácil determinar en todos los casos los límites entre el fondo y las

figuras. Es un trabajo que se aleja de la tradición occidental, sentando las bases de una



91

pintura completamente nueva: el cuadro se rige por leyes que nada tienen que ver con la

perspectiva renacentista. El espacio se desintegra y el tratamiento descoyuntado de las

figuras femeninas rompe con el modelado tradicional. Utiliza el color de una manera

intelectual. Son superficies lisas de color, influencia de Gauguin, mientras que la tendencia a

geometrizar parte de la obra de Cézanne.Así, vemos en la cara de la figura de la izquierda de perfil y con el ojo visto de frente,

parece una figura egipcia, mientras que el rostro de las dos mujeres de la derecha reflejan el

impacto de las máscaras africanas, y a todo ello hay que sumar las dislocaciones de los

cuerpos y el uso simultáneo de diferentes puntos de vista. Hay una total despreocupación

por la belleza.

La obra fue concebida como una sátira erótico-alegórica-literaria relacionada con la

arcadia. La aparición de las máscaras tiene un significado que Leo Steinberg ha querido

probar como un contenido filosófico indiscutible, quizás lo que más tarde se ha elaborado

como significado de la máscara es la seducción que toda la cultura del fin de siglo ibaprácticamente negando, lo primitivo.

Las bases de esta obra están influenciadas de las figuras del Greco, El baño turco de

Ingres y Las grandes bañistas de Cézanne. La trascendencia posterior de la obra es

extraordinaria ya que se considera la iniciadora del cubismo y de las leyes de perspectiva.



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21. Composición en rojo, amarillo y azul. Mondrian. Abstracción

La obra que se va a analizar es “Composición en rojo, amarillo y azul” realizada por

Mondrian. Se trata de una pintura abstracta encuadrada dentro de la abstracción

geométrica, conocida como neoplasticismo o constructivismo perteneciente a vanguardia

abstracta del siglo XX. (1921)

El mundo del arte en el siglo XX va a experimentar una revolución hasta el punto de

que desaparezca la representación de la realidad. El artista es libre para experimentar

nuevos lenguajes artísticos. En el Siglo XX los movimientos artísticos se suceden y

simultanean con rapidez. El arte no es ajeno a su época. Las guerras mundiales, la fuerza de

nuevas ideologías y sentimientos, los avances en el campo de la técnica e ingeniería, el

estudio del subconsciente, la efervescencia de las ciudades o la cultura de masas y el

consumo daban lugar a un sentimiento de vivir nuevos tiempos. Éste de una u otra manera

tendría su eco en las vanguardias que se iban sucediendo.

Con la generalización de la fotografía, el realismo pictórico tal y como se concebía engeneraciones anteriores quedaba algo obsoleto. La personalidad del artista, la expresión de

su realidad individual habían dado lugar a movimientos subjetivos de fuerza arrolladora

como el expresionismo, el surrealismo…

La abstracción pictórica supone en la Historia del arte el momento culminante en el

que la expresión plástica se valora por sí misma, es decir por los valores que le son

consustanciales al lenguaje de la pintura y no por su relación con la realidad circundante. Es

un paso revolucionario, porque hasta entonces la historia de la pintura, como la de la

escultura, había seguido una relación íntima con el naturalismo figurativo, que servía como

nexo de unión entre la obra pictórica y el entendimiento del espectador. Aun cuando lapintura siguiera tendencias más simbólicas que naturalistas, como en caso del arte egipcio o



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del arte románico por ejemplo, el soporte figurativo y la representación de la realidad

seguían sirviendo de base a la expresión plástica. Ahora todo eso desaparece de un plumazo,

y la pintura sólo se expresa a través de sus elementos esenciales: forma, composición, línea,

color, luz, trazo, pincelada... Se considera que de esta forma, el arte alcanza su

manifestación más sublime, porque lo mismo que la música transmite sus emociones através de los sonidos, sin referencia ninguna con la realidad, de forma abstracta por tanto, y

es capaz de sublimar nuestros sentimientos como el mayor de los artes, así también la

pintura, despojada de todo aquello que le sería superfluo, alcanza por fin esa plenitud

artística.

Fueron muchas las experiencias abstractas que se desarrollaron a partir de los

primeros ensayos de W. Kandinsky, pero habrá una evolución constante en esos primeros

años a reducir en la medida de los posible la utilización de esos elementos del lenguaje

pictórico, como si de esa forma se obtuviera una mayor pureza en la expresión artística.

Cuanto más simples y más sencillos fueran esos recursos, más libre y más puro el resultadofinal. De ahí, el desarrollo del Neoplasticismo liderado por P. Mondrian. En este caso no

bastaba con la abstracción, sino que además había que simplificar las imágenes como los

cubistas, en formas geométricas, para que de esta forma la pintura se redujera

definitivamente a lo más esencial: abstracción y además, geométrica. Sin olvidar el color,

igualmente simplificado: colores básicos, sin mezcla y sin sombreado, planos. Con todo ello

se obtenía así el estado más "puro" de la pintura. La plenitud intelectual del arte.

El neoplasticismo es una vanguardia intelectualista que busca la armonía y la pureza

plástica total, como la música y las matemáticas. Se inicia en Holanda, en 1917, de la mano

de Mondrian y Theo Van Doesburg en torno a la revista De Stijl (El estilo). Colaboran en estemovimiento pintores arquitectos y decoradores que intentan fusionar todas las artes en una

armonía universal que consiga mejorar el convulso mundo que les rodea. Desde el grupo De

Stijl (el estilo) se analiza la armonía y el equilibrio en estado puro, desde la línea y el color. La

abstracción ya había encontrado nuevos caminos para el arte, sin la necesidad de ser

“medio” de “representación”.

Su purismo eleva a las máximas cotas el modelo intelectual de la obra de arte. A pesar

de ello, sus presupuestos y la simplicidad de su lenguaje han influido notablemente en el

diseño y la arquitectura del siglo XX.

Mondrian busca ahora la universalidad de la misma sin referencia figurativa alguna. El

rigor, la precisión matemática y control crea retículas elementales de colores básicos. En

esta obra se utiliza simplemente los colores primarios, rojo, amarillo y azul, los separa

mediante gruesos trazos negros (el color que se consigue al mezclar éstos tres básicos), y por

cuadros de no color blanco. Formas puras, planos y líneas rectas para buscar la esencia y el

absoluto. Este movimiento tendría una gran repercusión e influencia posterior dentro del

diseño industrial y la arquitectura.

La abstracción y en general todos los movimientos racionalistas entran en crisis tras la

Primera Guerra Mundial, resurgiendo con fuerza leguajes expresionistas y surrealistas que

retoman la estética de lo figurativo.



94

La obra analizada es un óleo sobre lienzo (49’5 x 45’5 cm). Construye sus cuadros

abstractos con la utilización de colores primarios (rojo, amarillo y azul) más el blanco y el

negro, dispuestos en franjas delimitadas por líneas horizontales y verticales. Utilizan

preferentemente líneas rectas, verticales y horizontales. La representación debe limitarse a

las dos dimensiones, rechazando cualquier idea de profundidad y de figuración.Su planteamiento teórico busca un arte no individualista, es decir, que tenga un valor

universal.

Se pierde el tema y la figura humana. No interesa representar la realidad, la

naturaleza, sino plasmar la fuerza expresiva del color y de la forma. Si el arte figurativo

descubre la apariencia de las cosas, el neoplasticismo rechaza la descripción e intenta ser

vehículo de valores universales.

El artista realiza una serie de composiciones muy parecidas, en las que el ritmo de la

composición está establecido por un conjunto de cuadros realizados en colores primarios

(rojo amarillo y azul) delimitados por gruesas líneas negras. Algunos cuadros interiores seterminan en gris y blanco para causar un limpio contraste. Por su composición conecta con el

cubismo y por el uso de colores planos con el fauvismo. Los tres colores puros ordenan la

realidad física. Cada rectángulo constituye un módulo estático; La yuxtaposición de los

módulos y el contraste de las manchas cromáticas dan ritmo a la obra.

En oposición al cubismo, que no se identificaba con sus propios descubrimientos y

cambiaba constantemente. Mondrian se identifica con el cuadro de fondo plano. El marco

blanco, o gris se divide creando efectos de insospechado lirismo e intensidad. El color está

aplicado con gran delicadeza. El rojo y el azul son delicadamente pesados con sumo cuidado,

como si se tratase de un sistema de equilibrio. El resultado es una expresión más dinámicaque estática.

Al intentar representar el cuadro en sus dos dimensiones, evita crear la ilusión de

profundidad, omitiendo toda línea curva o diagonal. Mondrian al dividir la superficie

mediante coordenadas horizontales y verticales (trabaja la altura y la anchura), hace

desaparecer la tercera dimensión, la profundidad. El cuadro se limita a las dos dimensiones.

También elimina toda referencia al movimiento. La poética del lienzo radica en las

formas rectangulares, que limitan los colores primarios sin aislarlos. Sin embargo, estos

colores son objetivos, sin ningún tipo de carga emocional. La simplificación de formas llega a

anular la voluntad decorativa. Nada es superfluo. El resultado es una composición

completamente equilibrada, donde el color, forma y disposición están estudiados según un

perfecto orden mental.

Es muy importante para comprender el estilo de Mondrian que ninguno de los cuadros

es idéntico a otro, que cada uno funciona (como las panorámicas de ciudades del

impresionismo) como un objeto independiente dentro de una conglomeración urbana. La

abertura o estrechamiento de las líneas en la cuadrícula produce una impresión de oleada,

flujo, constricción, sensación de distintas velocidades.

Es muy habitual que al contemplar un cuadro de Mondrian, una obra característica del

Neoplasticismo pictórico, surja inevitable una sonrisa burlona que venga a desprestigiar la



95

obra, precisamente por su propia simplicidad. ¡Cuántas veces habremos oído decir que un

cuadro así lo puede hacer cualquiera y qué mérito tiene hacer un cuadro que podría pintarlo

un niño! Pero precisamente es el desconocimiento del lenguaje que define la pintura el que

nos puede llevar a semejantes conclusiones. El mérito de una pintura no está en su mayor o

menor dificultad técnica, ni en su mayor o menor proximidad a la realidad visual, sino en elresultado final que es capaz de provocar en el espectador. En este caso habrá de tratarse de

un espectador sin prejuicios, que se olvide de las referencias naturalistas para valorar la

pintura y que sea capaz de distinguir sobre un lienzo la verdad de la pintura, su sintaxis

conseguida de colores, formas, trazos y líneas en armonía: la pintura pura. Todo ello sin

olvidar que cualquier ruptura con la expresión plástica anterior supone siempre una

innovación, y toda innovación artística es un logro formidable, reservado sólo a los talentos

privilegiados, y no desde luego a los aficionados, ni a los niños. En la obra de Mondrian hay

que mirar el cuadro libremente, sin ataduras ni obsesiones, y contemplar sus colores que

saltan de un cuadrado a otro alegremente. Colores puros y limpios, llenos de intensidad. Yver cómo contrastan con el blanco de los otros cuadros y con las líneas negras que los

separan, en un damero de infinitas combinaciones de tonos, formas y colores. Y siempre en

perfecta armonía. Y eso es lo que nos alegra la vista y nos llena el ánimo, así de

simplemente. Sencillamente, porque es una obra de arte.

Mondrian, con sus diseños se ha convertido en uno de los autores más imitados del

siglo XX. Sus nociones se ven reproducidas en multitud de anuncios y publicidad, así como en

la arquitectura y la decoración de interiores.



96

22. El Drago. Óscar Domínguez. Surrealismo

El cuadro a comentar es una obra del autor canario surrealista Óscar Domínguez

titulada El Drago

La segunda mitad del siglo XX se caracteriza por ser una sociedad mediática y

consumista. El arte se convierte en objeto de consumo y de moda. Los artistas reciben una

constante presión en busca de la sorpresa y la originalidad. El resultado en una gran variedad

de grupos, tendencias, movimientos y figuras individuales. Los museos, las galerías de arte y

las exposiciones provisionales forman parte del paisaje urbano.

El Surrealismo es una vanguardia basada en las emociones, en la irracionalidad.Presenta una clara influencia de las doctrinas de Freud y sus teorías del psicoanálisis.

La pintura surrealista aparece por primera vez en público en una exposición de 1925

en la galería Pierre, en París, y desdeña el arte producido por el pensamiento consciente y

por la planificación racional de la obra. El artista no planea su creación, sino que la deja

surgir llevado por lo irracional y por unos estados anímicos que liberan lo más profundo de sí

mismo. El pintor surrealista se deja conducir por los sueños, las alucinaciones, el azar y el

erotismo, que son un método de conocimiento donde el ser humano se percibe, y capta la

realidad de otra manera. Breton, en su libro de 1928 sobre El Surrealismo y la pintura, se

declara freudiano con convicción al afirmar que «el inconsciente es la dimensión de la



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existencia estética y que (...) el arte no es representación sino comunicación vital del

individuo».

Los pintores surrealistas no intentan explorar la naturaleza en sus cuadros, sino su

mundo interior, la expresión de otra realidad, la de lo más recóndito de sí mismos. Persiguen

esa nueva realidad basándose en la síntesis de los contrarios o punto de encuentro entre loposible y lo imposible, el bien y el mal, lo racional y lo irracional, la vigilia y el sueño, que son,

para ellos, manifestaciones de la totalidad del dualismo humano. Propugnan métodos

pictóricos como el automatismo plástico conseguido a través de gestos inmediatos, por

ejemplo el frottagge o la decalcomanía. El método practicado por Dalí es el de expresar los

sueños y las alucinaciones pero a través de las «imágenes dobles» o «múltiples» que

implican un mayor control de la inteligencia.

Las imágenes pintadas por los surrealistas son insólitas, sórdidas, absurdas, cómicas,

trágicas, eróticas con una prevalencia clara de la simbología sexual, de formas libres,

incongruentes y enigmáticas que sorprenden y escandalizan. El ropaje o forma es figurativo,aunque no siempre. Usan otros procedimientos no exclusivamente pictóricos como la

fotografía y el colaje. Todo esto aportará, según los surrealistas, una nueva fuerza al arte,

que además debe desprenderse de su preocupación por la belleza y la moral. El surrealismo

se desvanece tras la Segunda Guerra Mundial.

Pintores surrealistas sobresalientes son Miró, Ernst, Dalí, Magritte, Masson, Tanguy,

Devaux. A la segunda generación del surrealismo pertenecen Óscar Domínguez, Brauner,

Matta, Picasso, Chagall y Klee.

Óscar Domínguez (1906-1957) es un tacorontero (ciudad de Tenerife) cuya vida

transcurre principalmente en Tenerife y París. La muerte de su padre y la situaciónsobrevenida tras su pérdida fue lo que impulsó su carrera artística. En 1934, consigue su

deseo de ser admitido en el grupo surrealista liderado por André Breton. Con el grupo

compartía inquietudes, filosofía y forma de vida, y colaborará en todas sus actividades,

tertulias, exposiciones, investigaciones, hasta el final de la década de los años treinta. Fue un

momento de gran despliegue creativo, colectivo y humano.

Durante los 31 años de su vida artística Óscar Domínguez, pintor básicamente

surrealista, cambia sin cesar de estilo ensayando nuevas técnicas y contribuyendo con

diversos hallazgos al automatismo surrealista. Parece como si siempre estuviera

insatisfecho, por lo que, de modo permanente, busca y ensaya nuevas fórmulas que le llevan

incluso a adoptar formalismos de otros pintores. En sus cartas a Westerdahl se muestra

entusiasmado, a veces, diciéndole que por fin había encontrado una técnica personal, para

escribirle en la siguiente misiva que de nuevo había cambiado su forma de pintar. A pesar de

esta «pluralidad», siempre mantuvo un estilo propio, siempre fue fiel al espíritu surrealista.

Fue lo que Julián Gállego llamó «la unidad en la variedad», «una sola personalidad bajo

diversos disfraces».

La pintura propiamente surrealista de Óscar Domínguez se divide en dos etapas: el

surrealismo espontáneo y el surrealismo del grupo de André Breton.



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En su primera etapa (1929 a 1934, anterior a la entrada en el círculo de André Breton,

denominada surrealismo espontáneo por Ana Vázquez de Parga) pintaba ya obras

surrealistas aun cuando no conociera con exactitud los postulados teóricos del movimiento

que ya estaban conformados desde 1924, ni, por supuesto, los hallazgos freudianos del

inconsciente y del sueño que constituían el fundamento de la corriente vanguardista. Cabe laconjetura de que Óscar Domínguez hubiera percibido su trasfondo teórico y su lenguaje

formal a través de algunas exposiciones.

De las pocas obras que perviven de esta exposición hay que destacar la de Estudio para

autorretrato, en la que pinta sus manos alargadas con las venas cortadas, quizá precognición

de su muerte. De este mismo período son, entre otras, las obras El drago, Retrato de Roma,

Sueño y Souvenir de París.

La segunda etapa de la pintura surrealista de Óscar Domínguez comienza con su

ingreso en el grupo de André Breton en 1934, cuando tenía 28 años. Óscar pertenece a la

segunda generación del surrealismo, pues el grupo ya llevaba años formado –su PrimerManifiesto data de 1924 – y sus principales pintores, Tanguy, Max Ernst, Dalí, Giacometti, ya

realizaban exposiciones.

Su obra creativa de este período está constituida por las pinturas propiamente dichas,

que revelan una gran carga erótica y expresan una marcada nostalgia de su tierra natal.

Trabaja poco sus cuadros, que nacen de modo febril del inconsciente. Casi no los acaba, son

fruto de su intuición. En sus obras abundan los objetos eróticos como latas de sardinas,

abrelatas o cerraduras, los juegos infantiles –cometas, diábolos – y los elementos

destructivos como los revólveres, máquinas y flechas. Los despertadores, frecuentes en sus

telas, simbolizan el paso del tiempo que lleva a la muerte. La poesía también se hacepresente en sus cuadros, como el caso de las flores que vencen a la máquina. Destacan en

este período: Deseo de verano, Objeto magnético, Corrida de toros en el agua, Le dimanche,

Machine infernale, Estaciones.

En este segundo periodo también encontramos las decalcomanías, su gran aportación

al surrealismo, son el fruto de una pintura surgida del azar, sin preconcepción. Consiste en

aplicar gouache negro sobre un papel, el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se

ejerce una ligera presión, luego se despegan antes de que se sequen.

Y por último, en esta etapa, también aparecen los objetos surrealistas. Constituidos

por elementos de la vida cotidiana, los surrealistas, movidos por asociaciones, modifican su

finalidad inicial sometiéndolos a reconstrucciones o transformaciones. Domínguez aporta

contribuciones brillantes en este campo incluso antes de entrar de manera oficial en el

grupo, y la mayoría de las veces lo hace desde el sentido del humor. Se muestra muy

creativo, pues estaba dotado e una manera especial para elaborar asociaciones poéticas con

las imágenes, requisito básico para crear objetos surrealistas.

Sin duda alguna, es notable la influencia daliniana en la obra de óscar Domínguez. La

impronta del pintor catalán, que había entrado en el grupo surrealista en 1929, está

presente en las dos etapas que caracterizan la pintura del Domínguez plenamente

surrealista, si bien se desprende del influjo de Dalí en los años previos a la disolución del

http://es.wikipedia.org/wiki/Gouache

http://es.wikipedia.org/wiki/Papel

http://es.wikipedia.org/wiki/Papel

http://es.wikipedia.org/wiki/Gouache



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grupo. Óscar Domínguez y Salvador Dalí ofrecen similitudes estéticas y de temperamento,

aunque su personalidad fuera muy distinta.

El influjo de Dalí en la obra de Domínguez se manifiesta en la presencia de

determinados elementos como el piano y los relojes, la obtención de la imagen doble, el uso

de esfumaturas, los objetos viscerales, las perforaciones, mutilaciones, las partes del cuerpoborradas, el alargamiento de los miembros del cuerpo.

Entre las obras que reflejan esta influencia están Niveles del deseo, Efecto surrealista,

Piano o La boule rouge.

La influencia es evidente, pero también se hace presente las diferencias que existen

entre ambos artistas. Dalí es más racional y la pintura de Domínguez más poética. Dalí está

preso de las formas y Domínguez del sueño. A Óscar Domínguez no le interesaba la cultura,

sus creaciones explotaban como un volcán o fluían con la naturalidad del agua de una

fuente, mientras las de Dalí eran fruto de una mayor racionalización. El dibujo y la pincelada

de éste son más seguros; Domínguez es, en esto, más torpe. Dalí acaba las obras yDomínguez las realiza con prisa. En conclusión, a pesar de las influencias recibidas,

Domínguez mantiene una personalidad creativa inconfundible.

El cuadro analizado, El Drago es un óleo sobre lienzo (82’4 x 61’5 cm). En él,

Domínguez muestra las influencias surrealistas: el paisaje simbólico de corte daliniano y el

tratamiento de los objetos y figuras.

En este cuadro nos encontramos el drago que le da título, así como de un piano, ya

presente en otra obras. Este árbol es uno de los símbolos de Canarias a las que Domínguez

hace homenaje en diversas obras: Recuerdo de mi isla, Roma, Retrato de la pianista Roma,

Dibujo para Gaceta de Arte o la decalcomanía titulada homónimamente. En varias de estasobras el drago aparece ligado a la figura del piano y de la mujer. Aquí hallamos cómo la parte

inferior de un cuerpo femenino, situado bajo el piano en actitud explícitamente sexual, se

funde con las raíces del árbol. Sobre el drago se posa oníricamente un león, una de las

figuras surrealistas más recurrentes.

En la mitología griega, en el Jardín de las Hespérides -que muchos autores sitúan en las

islas Canarias- crecían manzanas de oro de los árboles, jardín que estaba protegido por

Ladón, un fiero dragón de 100 cabezas por las que escupía fuego y al que los antiguos

griegos asociaron con el Teide en erupción. Las ramas del árbol podrían ser asociadas a las

cabezas del dragón que además, según la mitología, cuando éste fallecía se convertía en un

árbol dando origen a la leyenda del drago. Breton, en su viaje a Canarias en 1935, lo

relacionó con los términos de mágico y ancestral que tanto interesaban a los surrealistas. No

en vano, Breton denomina a Domínguez en su Diccionario Surrealista como Le dragonnier,

quedando el artista identificado para siempre a este árbol.

Este cuadro es una de las obras del artista canario más representativas y relevantes

dentro de su producción. En ella se descubren varios de sus rasgos más identificativos, como

son el carácter surrealista de la composición así como los elementos que la conforman, pues

siendo éstos de carácter onírico, son símbolos igualmente del propio pintor como de su

mundo más cercano.



100

En la historia del arte se encuentran antecedentes del surrealismo en artistas como el

Bosco o Goya donde las imágenes perecen surgir del mundo irracional y absurdo. El

surrealismo sobrevive aun hoy en numerosos movimientos de vanguardia.



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23. Villa Saboya. Le Corbusier.

Arquitectura Movimiento Moderno

La obra que se va a comentar es La Villa Saboya, está situada en Poissy, (Francia), y fue

construida entre los años 1928-31.

En el siglo XX se crea un nuevo lenguaje arquitectónico acorde con las necesidades del

hombre y de la sociedad. Los cambios sociales originados por industrialización, no sólo

ponen en relieve las necesidades de planificar las ciudades, sino también manifiestan lanecesidad de adecuar la vivienda a sus moradores.

El siglo XX fue una época de grandes cambios socioeconómicos y políticos y de gran

desarrollo cultural y científico, que han influido hasta nuestros días.

En concreto la arquitectura se ha visto condicionada por los siguientes aspectos:

Cambios sociales: el desarrollo técnico, el aumento de la población y su

concentración en grandes ciudades, que desembocarán a favor de viviendas

más dignas. Las consecuencias sociales de la Revolución Rusa y los efectos

negativos de la crisis económica de 1929. El auge del socialismo y de los

fascismos en el período d entre guerras. La Primera y Segunda GuerraMundial…

Cambios económicos: la economía sufrió dos graves crisis las consecuencias de

la R. Rusa y de la crisis del 29; la división entre países desarrollados y

subdesarrollados…

Cambios políticos: el siglo XX sufrió las guerras más devastadoras de la historia.

Estuvo marcada por dos Guerras Mundiales, La revolución Rusa, la pérdida de

la hegemonía europea, el fenómeno de la descolonización, la <> entre los

Estados Unido y la Unión Soviética



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Cambios culturales: avances industriales, técnicos que crearon la idea de vivir

en continuo progreso, con el desarrollo de la sociedad del consumo; variedad

de movimientos artísticos (…”ismos”), culturales, la fotografía, el cine, la

informática, carteles, comics…

La Villa Saboya es un edificio situado en Poissy, a las afueras de París. La vivienda fuehabitada por sus dueños durante un corto espacio de tiempo. Pero tras la invasión alemana

de Francia de 1940, fue abandonada y posteriormente bombardeada e incendiada durante

la Segunda Guerra Mundial. En 1963 la Villa Saboya fue declarada patrimonio arquitectónico

por parte del gobierno francés, y se procedió posteriormente a restaurarla, ya que se

encontraba en un estado de ruina tras la dejadez y los ataques sufridos en la guerra.

Es una obra funcionalista o racionalista. Se caracteriza por la simplicidad de las formas,

el uso de volúmenes elementales, cubo, cilindro, cono y esfera. Se resalta la estructura

constructiva antes que la ornamental. Esta corriente se desarrolla entre las dos guerra

mundiales, tiene su origen en las construcciones que se llevaban a cabo en América delNorte y en Europa, en las cuales la función y la razón priman sobre el ornato. El

funcionalismo nace con la idea de que cualquier forma arquitectónica debe reflejar las

funciones para lo que fue creada. Los elementos constructivos, viga, pilares, etc. deben

poderse contemplar tanto desde el interior como desde el exterior. El funcionalismo es un

movimiento racional unido a las ideas de progreso, a los avances industriales, en las

primeras décadas del siglo XX.

La Villa Saboya, parte de la arquitectura mediterránea, donde la geometría y el cálculo

de proporciones están muy bien estudiados. Se juega con la línea recta y la línea curva, se

varía los materiales, sus ritmos, sus proporciones, sus dimensiones, buscando un acuerdocon el marco. Se asocia el mundo moderno con las necesidades del hombre en cada

momento.

En el primer tercio del siglo XX, la arquitectura rompió con el modernismo, de formas

exageradas y exuberantes. Conscientes de las posibilidades de los nuevos materiales (hierro,

cemento, acero, cristales,…), los arquitectos defendieron un estilo sencillo y funcional.

La primera corriente innovadora del siglo XX fue el racionalismo o funcionalismo, que

se desarrolla plenamente en los años anteriores a la Segunda Guerra Mundial. Este estilo se

basa en la creación de formas geométricas puras, sencillas y desprovistas de decoración. Su

principal interés fue la fusión de arte y técnica para expresar la construcción arquitectónica

como una fábrica útil y bella al mismo tiempo.

El desarrollo de esta nueva arquitectura estuvo íntimamente unido a la Bauhaus, una

escuela fundada en Alemania pro Walter Gropius y que tuvo en Mies Van der Rohe uno de

los miembros más destacados. Constructor del pabellón alemán para la Exposición

Internacional de Barcelona (1929). Esta concepción arquitectónica queda también reflejada

en la villa Tugendhat, de M. van der Rohe. Otro arquitecto destacado dentro del

racionalismo fue Le Corbusier ; a la vez que, urbanista y difusor de las nuevas ideas

arquitectónicas. En sus proyectos defendía que el objetivo de la arquitectura era generar

belleza y que esta debía repercutir en la forma de vida de los moradores de los edificios.



103

Paralelamente al funcionalismo, en EEUU trabajó Frank Lloyd Wright, que desarrollo

una arquitectura organicista en la que los edificios son como organismos ha de adecuarse a

los materiales usados e integrarse en el medio natural.

Las últimas tendencias arquitectónicas se caracterizas por la experimentación, la

aplicación de nuevas técnicas y la utilización de nuevos materiales constructivos. Entre lasprimeras experiencias innovadoras destaca los rascacielos de cristales y acero de los años

cincuenta en EEUU. En la década de 1960 triunfaron nuevas ideas arquitectónicas –

calificadas de manieristas, por sus tendencias subjetivas y antinaturalistas. La obra más

destacada de este período es la Ópera de Sídney. El estilo hig-tech se caracteriza por

exteriorizar los elementos estructurales, como el Centro Cultural Georges Pompidou de Paris

y algunas construcciones de Norman Foster.

La villa Saboya fue realizada entre 1928-31, y es un modelo de construcción

arquitectónica racionalista, que como tendencia estilística se manifiesta en las primeras

décadas del siglo XX, este tipo de edificación ha tenido una gran influencia en la arquitecturade todo el siglo pasado. Su autor es Le Corbusier.

Una de las grandes personalidades del racionalismo fue Charles Edouard Jeanneret,

conocido como Le Corbusier (1887-1965). Nacido en Suiza, aunque la mayor parte de su

obra se desarrolla en Francia. Trabajó en los estudios de Behrens, Perret y Hoffmann. Con

ellos aprendió la utilización del hormigón armado. En 1919, junto al pintor Ozenfant, funda

el movimiento purista. En él se reivindica las formas simples y se busca la armonía entre la

naturaleza y el arte.

Le Corbusier propuso el uso de volúmenes simples en la arquitectura y planteó la

planta como el elemento generador de la funcionalidad del edificio. En toda su obra,muestra interés por el ser humano, centro de interés que plasma en su obra teórica EL

MODULOR, en el que fija las proporciones armónicas de cualquier objeto.

En los años veinte la mayoría de sus construcciones son viviendas unifamiliares, entre

las que destaca La casa Stein, en Garches (1927) y la villa Saboya. También, mostró interés

por la casa como unidad de habitación, económicas y repetibles en serie. En 1948 publica Le

modulor , y estas teorías son aplicadas en la Unidad de Habitación de Marsella, conjunto de

viviendas destinadas a los obreros. Los bloques de viviendas se colocan espaciosamente, de

forma que cada uno de ellos, no le robe la luz al otro bloque. Evoluciona hacia una

construcción más expresiva, el Racionalismo se suaviza y se aproxima al Organicismo, como

vemos en la iglesia de Nôtre-Dame-du-Haut de Ronchamp (1950) y el convento de la

Tourette (1956).

Las ideas del racionalismo se difundieron por todo el mundo; y a ello, contribuyó los

Congresos Internacionales de Arquitectura, CIAM. Se iniciaron en 1928 y estos encuentros se

sucedieron hasta 1956.

Estamos ante una arquitectura, ubicada en un espacio abierto, lo que facilita la

construcción exenta. Es una casa unifamiliar, situada en una zona ajardinada. Además, su

forma de cajón y el color blanco de sus paredes, resalta y contribuye a su aislamiento.



104

El edificio está sostenido por columnas, pilotes, que se encuentra en la planta baja. En

la planta superior predominan los muros horizontales, de color blanco, que son recorridos

de extremo a extremo por unos vanos cubiertos por cristaleras, que permiten pasar la luz al

espacio interior. Sobre la planta-vivienda encontramos un espacio curvo, de color blanco. La

casa está cubierta por una azotea plana, adintelada. Se contrapone de una manera clara lalínea reta y la línea curva.

Los materiales de construcción son el hormigón armado, el hierro y el vidrio. El uso de

materiales industrializados permite una gran fluidez plástica, y facilita la construcción en

esqueleto, ofreciendo nuevas posibilidades en la contraposición carga/soporte.

La composición y organización espacial. La vivienda presenta en su conjunto una planta

cuadrada, que se asemeja a una caja, elevada del suelo mediante una serie de pilones, más

bien pilares cilíndricos sin decoración. Con cuatro fachadas iguales, orientadas a los cuatro

puntos cardinales. Las fachadas abiertas, con ventanas correderas dejan pasar la luz a toda la

casa y posibilitan la contemplación del paisaje, y la integra con la naturaleza.La villa se organiza verticalmente en tres alturas. La planta baja- en forma de U- de

pared curva, tiene el garaje y las habitaciones del servicio y un vestíbulo desde donde

arranca la escalera y la rampa que vertebra y comunica todo el edificio. El primer piso,

alberga la residencia familiar. En ella se encuentra el comedor, sala de estar, dormitorios,

cocina, baño y una terraza jardín. Con grande vanos apaisados abiertos al exterior.

Finalmente, en la tercera planta la terraza con un solárium y con algunas superficies

ajardinadas, concebido como continuación del jardín de la planta anterior. Las paredes

redondeadas de la azotea contrastan con las formas rectilíneas de la vivienda. La

comunicación entre los distintos niveles de la villa se efectúa mediante una escalera deforma helicoidal y una rampa, que comunican todo el edificio.

La villa recoge los puntos básicos que Le Corbusier presenta, en 1926, como una

manera nueva de hacer arquitectura. Los elementos que definen su arquitectura racional-

funcionalista:

El empleo de pilotes, separa la vivienda del suelo dejándola suspendida en el

aire.

Cubierta plana sobre la que se sitúa una terraza-jardín.

La planta libre o planta abierta, los pilotes y la ausencia de los muros de carga

permiten modular el espacio interior a voluntad.

Ventanas apaisadas, la disposición horizontal de las ventanas, de banda a

banda, aumenta la visibilidad de la casa.

Fachada libre: El empleo del hormigón armado permitió la fachada libre,

independizándose el edificio. Al concebirse la construcción exenta, la fachada

única, fachada principal desaparece para convertirse en continua, abierta a los

cuatro horizontes.

Se trata de una vivienda unifamiliar, una villa, para ser habitada. Es un lugar donde sus

moradores contemplan y se integran en el paisaje circundante. Se busca la conexión entre el



105

espacio construido –el chalet- y el entorno creando así “el espacio continuo”. Le Corbusier

plantea la casa como una máquina para vivir el hombre,

En la villa Saboya conviven elementos históricos y contemporáneos. Su exterior

recuerda a la Villa Capra de Palladio, edificio unifamiliar, exento, casa de campo con cuatro

fachadas, ambientada e integrada en la naturaleza. Incluso podríamos remontarnos a lasconstrucciones palafíticas. Pero, Le Corbusier siempre tuvo presente la tradición constructiva

mediterránea. Si partimos del megarón micénico, base de la casa mediterránea, con las

habitaciones en torno a un patio. La terraza ajardina incluso, podría llevarnos a los jardines

babilónicos. Sin embargo, el antecedente más cercano, podrían estar en los principios

defendidos por Sullivan, al afirmar que la “forma sigue a la función”. Esta frase nos indica,

que el interés esencial de la arquitectura reside en su funcionalidad; y, por lo tanto, la forma

debe estar supedita a la función. En el Archipiélago Canario tenemos varios ejemplos de

arquitectura racionalista, de todos ellos sobresale El Cabildo de Gran Canaria, obra de

Miguel Martín Fernández de la Torre.



106

24. La Casa de la Cascada o Casa Kaufmann. Lloy Wright.

Organicismo

La obra que se va a comentar es la Casa Kaufmann o Casa de la Cascada. Se sitúa en

Bear Run (arroyo del Oso), Pensilvania (EEUU). Es un edificio aislado en el bosque e

integrado en la naturaleza y data de la década de 1930.

La sociedad de los Estados Unidos atravesó por una crisis económica que comenzó afines de 1929 y se extendió a lo largo de la década de 1930. Se caracterizó por abruptos

descensos en la producción e inversión industrial, quiebras de empresas, derrumbe del

sistema financiero, altos índices de desempleo, restricciones en el consumo y hundimiento

de la producción agrícola.

La quiebra de la bolsa de Nueva York a fines de octubre de 1929 significó la

interrupción de un progreso que se creía indefinido.

A partir de 1933, con el gobierno demócrata de Franklin Roosevelt, intensificó la

intervención estatal al implementar el New Deal (Nuevo Trato).

Los países europeos eran deudores de Estados Unidos porque éste les había prestadoenormes sumas para refinanciar la reconstrucción posbélica y para que pudieran importar

los productos americanos. En consecuencia, la crisis norteamericana arrastró a los países

europeos.

Esta crisis económica fue determinante para el ascenso del nazismo en Alemania y del

fascismo en Italia.

Durante el S.XX la ciudad necesita integrar en su espacio zonas industriales y grandes

vías de comunicación con cascos históricos, barrios y polígonos, creando un ambiente

habitable. En el urbanismo y la arquitectura, la aportación más significativa se debe al

movimiento moderno, conocido también como estilo internacional o funcionalismo.



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Responde a una nueva situación creada por el crecimiento demográfico, la sociedad urbana

y el desarrollo industrial.

El nuevo estilo se desarrolla en EEUU, Francia y Alemania, por parte de Wright, Le

Corbusier o Gropius, respectivamente.

Las características son: Se construye con nuevos materiales: hormigón, vidrio, acero, ladrillo. El sistema

será la utilización de un esqueleto interno que permite la “planta libre”.

Se eliminan las referencias a estilos del pasado y se eligen formas simples

geométricas, de ahí su relación con las vanguardias como el cubismo y la

abstracción geométrica.

La preocupación prioritaria será la vivienda.

Siguiendo los principios del funcionalismo, pero armonizando el hábitat con la

naturaleza, se desarrolló el organicismo. Deriva del funcionalismo y acepta muchas de sus

premisas pero tiene en cuenta al hombre a quien la arquitectura debe servir.La arquitectura orgánica se caracteriza por la recuperación de materiales tradicionales

(piedra, madera, ladrillo), la utilización de formas libres, en las que predominan las planos

verticales y horizontales., pretender plasmar en sus edificios la psicología de las personas

que los habitan.

Entre sus obras destaca la serie de “Casas de la Pradera”, denom inadas así porque se

establecía la conexión edificio-naturaleza, de planta libre y amplios ventanales, es una

arquitectura integrada en el entorno.

La concepción arquitectónica del siglo XX, basa la creación del espacio en la función, en

la habitabilidad, pasando a un segundo plano la ornamentación.

La obra comentada, la Casa Kaufmann, conocida también por Casa de la Cascada

debido a su situación en un pequeño valle boscoso, con un arroyo y una hermosa cascada.,

es obra del arquitecto norteamericano Frank Lloyd Wright. Es el arquitecto que mejor refleja

y plasma la arquitectura orgánica.

Este encargo le llegaría con casi setenta años de edad y sería su segundo renacimiento,

el reconocimiento internacional y el éxito.

El último encargo de Wright y su obra maestra es el museo Salomón GUGGENHEIM DE

NUEVA YORK, situado en la Quinta Avenida. La concepción de espacio abierto le lleva a

concebir el museo como una suave y continua rampa helicoidal, no hay esquinas ni

sensación de límite.

Diseñada entre 1934-1935 y construida durante 1936-1937. Corresponde al estilo

orgánico promovido fundamentalmente en la década 1930-40.

Es un edificio civil, con varios niveles constructivos en los que destacan los voladizos.

Con predominio de la horizontalidad y la líneas rectas. Los materiales utilizados son

hormigón, piedra natural, el hierro pintado, vidrio y aluminio.

El terreno en el que se ubica la casa tiene abundancia de rocas a nivel del suelo, las

cuales sirvieron de cimentación del edificio. También se extrajeron rocas que conforman las



108

mamposterías de las fachadas, para crear una progresión desde la roca natural del suelo

hasta el hormigón de las partes altas.

Los Kaufmann asumieron que Wright diseñaría una casa con vistas a la cascada, por lo

que cuando comunicó que la casa iba a estar sobre la cascada la familia se negó en un primer

momento, aunque después el arquitecto les convenció de que esa era la mejor opción.La planta baja se prolonga con un gigantesco voladizo rectangular que se proyecta

sobre el salto de agua, creando así la ilusión de que el salto de agua surge de las entrañas del

edificio. Esta planta baja acoge la gran sala de estar y la cocina, en las plantas superiores se

encuentran los dormitorios.

Los voladizos separan los tres pisos y a la vez tienen función de terraza. Desde las

terrazas, de hormigón armado, que parece que van a entrar en la naturaleza, se desciende

por las escaleras hasta el agua, lográndose la unión entre ésta y el espacio ocupado por la

casa. Las terrazas sobresalen de los dormitorios realzando la horizontalidad del edificio. La

chimenea excavada en la roca articula el espacio interior. Los pilares están trabajados enpiedra con la técnica de almohadillado. El sonido de la cascada se percibe desde cualquier

lugar de la casa.

La disposición interna de cada planta es libre. Tiene unas ventanas que se extienden

verticalmente y que pasan de una planta a otra. Éste núcleo vertical es el “corazón” de la

Casa de la Cascada.

En la cara norte de la casa, la opuesta a la que “vuela” sobre el arroyo, hay una serie de

pérgolas a modo de toldo que transcurren desde la pared exterior hasta un talud de piedra

que se eleva sobre el camino que conduce a la entrada. A este sitio se le conoce como el

“bosque de la casa”. Este recurso lo usó Wright para dejar claro el respeto a la naturalezacon el que está diseñada la casa. Las sombras que proyectan las pérgolas se asemejan a las

de los troncos, efecto que hace que la sombra de la casa se difumine en las de los árboles.

Al parecer E.J. Kaufmann desconfió del cálculo estructural de Wright y secretamente

aumentó acero en la estructura, lo que motivó la ira del arquitecto quien le recriminó su

falta de confianza. Sin embargo, gracias a ese acero extra los voladizos aguantaron, sin

embargo ya en los años 90 se observaba una deflexión de hasta 20 cm. Los trabajos de en el

2001 lograron estabilizar la estructura, pero costaron 11,5 millones de dólares, unas 100

veces el coste original de la casa.

Esta casa está destinada a ser la segunda residencia para Edgar Kaufmann, su esposa y

su hijo, dueños de unos grandes almacenes en Pittsburgh.

Cuando el matrimonio Kaufmann murió, el hijo vendió la Casa de la Cascada a la

Fundación Frank Lloyd Wright porque se vio incapaz de afrontar los elevados impuestos que

el edificio imponía. Pudo conservar intacta su arquitectura, su mobiliario y tapicería

(también diseñados por Wright específicamente para la casa), su colección de arte, y el

entorno natural que los Kaufmann tuvieron a bien proteger. Gracias a él la casa está abierta

al público desde 1964. Hoy en día es un monumento nacional en Estados Unidos que

funciona como museo y pertenece al Western Pennsylvania Conservancy.





109

Los antecedentes se encuentran en la arquitectura del S.XIX con el uso de los nuevos

materiales como el acero y el hormigón armado. El hecho más importante es que se

proyectan y construyen los edificios para la vida y la actividad humana.

Los consecuentes se sitúan en la segunda mitad del siglo XX, época en la que se

producen múltiples posibilidades y alternativas. Así en las últimas décadas del siglo seprodujo incluso un radical cuestionamiento del concepto mismo de la modernidad a través

de su deconstrucción. En arquitectura se desarrolla a través del deconstructivismo,

caracterizado por la abundancia y variedad de obras, estilos y creadores.

http://es.wikipedia.org/wiki/Material

http://es.wikipedia.org/wiki/Acero

http://es.wikipedia.org/wiki/Hormig%C3%B3n_armado

http://es.wikipedia.org/wiki/Proyecto#proyecto_arquitect.C3.B3nico

http://es.wikipedia.org/wiki/Construcci%C3%B3n

http://es.wikipedia.org/wiki/Edificio

http://es.wikipedia.org/wiki/Modernidad

http://es.wikipedia.org/wiki/Deconstrucci%C3%B3n

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